El álbum del año

 

Conforme van pasando los años, uno como que se va cansando de verlos partir y recibirlos sin aparente novedad.  Se van perdiendo los humanos propósitos para el año nuevo y a veces hasta se llega a comer las uvas con ira, como diría John Steibeck.  Para la poetisa polaca Wisława Szymborska, laureada con el nobel en 1996 y fallecida el año pasado, simplemente no hay dos años iguales y yo le agradezco haber encontrado este su poema cantado,  horas antes de las campanadas y me propongo leer algo de su obra el año entrante.

 

 

 

Mientras tanto, para irle dando atmósfera al asunto, nada mejor que escuchar el doble álbum "Wislawa" que le dedicó la vieja leyenda europea de la trompeta, Tomasz Stanko acompañado de un joven trío de músicos basados en Nueva York y que muchos consideran el mejor álbum de jazz del 2013. 

 





 

 

!!! Feliz año nuevo ¡¡¡

Ken

La sesiones de grabación que los músicos de jazz realizan para el mercado de jazz del Japón son un poco diferentes en su enfoque. Estas sesiones del 2006, grabadas por Ken Peplowski (1959)durante dos días con el pianista Ted Rosenthal, el bajista  Gary Mazzaroppi, y el baterista Jeff Brillinger, son inusuales porque sus diez estándares (todas baladas)  son presentadas con el líder al saxo tenor y luego, inmediatamente siguiéndole con otra al clarinete. Los aompañantes son lo suficientemente capaces de variar el acercamiento a cada melodía con ambos instrumentos. 

La mayoría de pistas son perfectas para una escucha "after hours" en íntima compañia.

 



 

 

 

Un día en la vida.

Sgt. Peppers Lonely Heart Club Band, álbum de los Beattles, es considerado como un "bench mark" en la historia y desarrollo de la música popular.  Un verdadero ícono de los años sesentas ; y  como suele suceder con ellos, tiempo después (1994) surgió una versión sinfónica, en este caso arreglada por David Palmer, ex alumno y profesor de la Real Academia de Música de Londres. 

¿Porqué?.  Para Palmer la respuesta es simple: "disfruté haciéndolo".  Y agrega "El Mesiah de Handel -otro icono de tiempos antiguos- fue lo suficientemente interesante para que Mozart lo re- orquestara.  Ravel produjo versiones orquestales de Debussy y Mussorgsky".

 

  

 

 Joe Cooker, para no ir tan lejos, concibió una versión 3/4 de "With a little help from my friends", que lanzó su carrera.

 

 

Pero prefiero la original "A day in the life".

 

 

 

 

 





Un Grammy para Gaby.

Gaby Moreno ganó la noche de este jueves el Grammy Latino en la categoría Mejor Artista Nuevo, en la 14 edición de estos premios celebrados en Las Vegas, EE. UU.

 

La cantautora guatemalteca fue hoy noche la triunfadora en esta categoría y declaró emocionada: 

"Muchisimas gracias, qué honor, mi primer Grammy. Quiero agradecer a mi familia -los quiero muchísimo-, a mis padres, a mis hermanas que están aquí conmigo, que vinieron desde Guatemala, Ana Lucía, Tita, Alex, a mi esposo Sebastián I love you. También a mi disquera Metamorfosis, a Ricardo Arjona, también agradeció al productor de su disco Dan Warner, y este premio se lo quiero dedicar a toda mi gente en Guatemala, para Guate".

 

 

Felicitaciones y muchas gracias.

 

 



 

 

Billy y los 4 Freshmen

Billy May, fue el último de los grandes arreglistas que escribían regularmente para Sinatra. Murió en 2004 a los 87 años. Tuvo varias y variadas carreras fuera y dentro del jazz. Primero con la orquesta de Charlie Barnet (1938-1940), Más tarde con Glenn Miller (1940-1942) y Les Brown (1942) antes de establecerse en trabajos permanents, primero en los studios de la NBC y luego con Capitol records, donde dirigió su propia big band de 1951 a 1954. De esos tiempos y cumpliendo con la promesa de colgar un poco de música instrumental del recuerdo en este blog, dejo para los que gusten de ella, algunas melodías de este álbum.

 

Estoy pasado de moda.

Bill Charlap (1956) es uno de los más fuertes pianistas del “mainstream” del escenario del jazz actual y uno de los intérpretes más dotados de las estándares del jazz.  Crecido en hogar de músicos se ligó al piano desde temprana edad, ingresando la “New York's High School of Performing Arts”.  Luego, entró al “College”, pero en lugar de terminarlo optó por practicar y dar conciertos por su cuenta.  El ya entonces reconocido pianista Bill Mays pronto se sumó a la causa de Charlap recomendándolo  como su reemplazo en the Gerry Mulligan Quartet.  Durante este tiempo, Bill  también trabajo con Benny Carter, Clark Terry y Frank Wess, y fué buscado después como acompañante por cantantes como Tony Bennett, Carol Sloane, y Sheila Jordan.  

En 1995, se aseguró una de las sillas más apetecidas del jazz con the Phil Woods Quintet.  Al mismo tiempo, el otrora timido Billy  mostraba un consistente desarrollo como líder.  Así vinieron los firmados: Along with Me,  Souvenir en 1995, Distant Star en 1996;  All Through the Night, en 1997, fue el primero con  Washington, Peter y Kenny, (bajo y batería respectivamente). En 2000, esta alineación llegó a su mejor nivel con el aclamado disco de Blue Note Written in the Stars.

 Y así,  hasta llegar al Japón en 2010, para firmar con Venus Records este “I’am old fashioned” sobre el que nadie (o casi) podría argüir que Bill no es uno de los más prominentes pianistas de jazz de su generación.  Su enciclopédico conocimiento del cancionero norteamericano no tiene parangón (o casi no) y su bellísimo toque, maravillosas destrezas e imaginación hacen un placer el escucharlo, casi siempre.

 Me encanta el piano jazz, y francamente, con el fallecimiento de Billy Taylor, Hank Jones, Dave Brubeck,Oscar Peterson y otros que ahora se me escapan, la disciplina necesitaba  que otro pianista igual recogiera la antorcha.  Bill es un heredero correcto de la grandeza del jazz.

 

 

Lennie y Yo.

Lennie cumpliría años el 19 de marzo, yo cumplo hoy.  No sé si Tristano se ponía triste, como yo, cuando cumplia años; pero sé que lo hizo cuando compuso un  requiem para Charlie Parker y lo grabó en este álbum del sello Atlantic, fundado el año en que nací.  Aunque considerado un pianista complejo, no hay realmente nada oscuro en el tocar de Lennie aquí.  Es jazz, Reune los requisitos: Hay improvización, agregando ideas a ideas a lo largo del camino; tiene swing, tanto en tiempos altos, como medios y lentos.  Vale la pena... como cumplir años.

 Acompañan: Lee Konitz (alto saxo), Gene Ramey (bajo y Art Taylor (batería)

Lunes, Lunas

Por las Ramas del Jazz (y 2). Walt y Dave.

Dando brinquitos en la ramona del blues, de pronto le llegó un ritmo muy parecido,  ramas arriba. Revoloteó, siguiendo hacia el oeste, posándose en la tranquila rama.

 

Brinquitos adelante se detuvo, un ritmo más tranquilo y un aire fresco lo envolvió.

 

 





 

 

¿Estoy soñando? se preguntaba el pajarito, viéndose de repente en un árbol trasplantado en otra tierra.

Todo es posible en el mundo del jazz.

Por las Ramas del Jazz (1)

Venido quien sabe de donde, revolotea el enorme árbol.  Se posa en la punta de una de las ramas más altas; corta y frágil, el viento ululante la remece, amenaza con quebrarla.  Cruje, y posteriormente un crujido raro...bop...bop...

 



 

 

 Vuela y sigue revoloteando, el viento lo disuade y busca suelo firme.  Dando brinquitos sobre la base del tronco del frondoso árbol cuyas espirituales raíces se hunden profundo, el pajarito  parece entretenido con los gusanitos entre la hojarasca, de pronto se inquieta, quizás por el viento que al rozar las ramas convierte su ulular en un ...rag, rag, rag…

 

 



Levanta vuelo de nuevo y se posa en la primera rama que encuentra.  Una larga y maciza.  Se siente firme.  El roce del viento con las ramas produce ahora un sonido nunca escuchado, parecido a un lamento, un gemido que parece brotar de adentro de la tierra, lo aquieta...

 

 



 



 

 

 





Un disco pendiente.

Ya no tengo muy claro lo que me movió a mudar mis huesos a la gran manzana un día de octubre de 1969,  pero sí recuerdo que al regreso, casi un año después, traía un maleta llena de variopintos vinilos, entre ellos uno que me dio vergüenza devolver a la biblioteca de la ciudad por lo rayado que estaba de tanto escucharlo.   Lo presenté entre las amistades como un trofeo que demostraba mi conocimiento del jazz y mis dotes de investigador.  Pero, ¿Por qué los grandes del jazz han de ser vistos con desdeño cuando buscan otras opciones? Los rockeros, por ejemplo, son puestos por la nubes cuando expanden su universo musical. ¿No es acaso el jazz el sonido de la sorpresa?

En fin, que nunca falta el que conoce y te dice que sí, que Oscar Peterson es de los grandes pero con sus tríos históricos y que Klaus Ogermann es un arreglista para grandes “crooners” como Frank.

En todo caso,  siempre tuve la idea de compartir este “Motions & Emotions” de mis recuerdos, y aunque el viejo vinil ya no gira sobre sí mismo con continuidad,  gracias a la tecnología del RIP, rescato estas melodías:

La deliciosa “Sally´s Tomato”, de Mancini (“Breakfast at Tiffany”), introduce al escucha a una ola cálida que surge de la flauta de Ogerman y de los dedos danzantes de Peterson.

"Yesterday" y "Eleanor Rigby", por aquelllos días el mejor "cover" de los de Liverpool, es una trasformación por Klaus, de la simpleza de Ayer, a un generoso ritmo de samba, al que Oscar responde con una juguetona y casi espiritual reflexión del tono de esta familiar melodía. Eleanor por su parte, logra la lectura más “blues” del álbum.

Con “Sunny”, el arreglista logra los efectos de una película de acción que espero me saquen del letargo en que me tienen sumido estos últimos “Foggy days”.

 

 

 

 

El original Ronalde.

Nacido Ronald Charles Waldron (Londres,1923), Ronnie nunca ha explicado el origen de su apellido artístico.  Ronalde, cantante y silbador del ‘British music hall’ desde 1949, es famoso (o merecería serlo) por su silbar cristalino de clase mundial imitando a los pájaros alpinos, lo que le ganó la aceptación de los conocedores de dicho canto y subgénero musical.  Aunque tengo mis dudas sobre el origen alpino del canario, Ronnie tuvo un popular programa radial llamado “singing canary”, y también una carrera de grabaciones que se extendió por décadas.  En todo caso hay una cualidad pastoral (a lo Mary Poppins) en su música, ya que hace referencia a prados, montañas y pájaros en muchas de sus canciones.

 

A a pesar de ser un ‘crooner’ del pop y silbador de gran nivel, Ronnie nunca se las arregló para actuar en EE.UU, tierra de grandes del género, como  éste.

Caminos Cruzados

En los años cuarentas, dos hombres cruzaron el Atlántico en direcciones opuestas.  Ambos iban a tener poderosa influencia en la música contemporánea.  Uno era el pianista inglés George Shearing, quien haría de América su residencia permanente.  El otro era el compositor y arreglista canadiense Robert Farnon, quien fue a Inglaterra como líder de la Banda de la Armada del Canadá y se quedó. Shearing influenciaría a un completo grupo de pianistas. Farnon se volvería gurú para toda una generación de arreglistas.

George Shearing tomó EEE.UU por asalto.  Simplemente allí no estaban preparados para la idea de un músico de jazz de Inglaterra , o de Europa en general.  A pesar de las grabaciones de Stefano Grappeli y de Django Reinhardt, el jazz era considerado de su propiedad.  Aquellos días pasaron.  El brillante contrabajista danés Niels-Henning Ørsted Pedersen llegó a América desde Dinamarca, Toots Thieleman desde Bélgica, y más. Pero Shearing fue el primer europeo al que la afición jazzera  estadunidense volteó a ver, en su propio territorio. Hoy todo es diferente, claro.

Cuando Shearing pasó en el barco frente a  la estatua de la libertad iba ya cargado de una técnica altamente desarrollada, un tono tibio, maravilloso control y un modo particular de tocar coros en bloque cuando soleaba, que eran rápidamente reconocibles.  Y a su toque agregaba infusiones de   un humor seco (o flemático si se quiere).  Pronto organizó un quinteto que incluía guitarra y arpa vibrante.   Era un sonido totalmente fresco y en pocos años llegó a ser tan imitado que George tuvo que buscar otros contextos, incluyendo el trío.

Mientras tanto,  la influencia de Robert Farnon también se desparramaba. La banda de la armada canadiense que compartía tiempo de aire con la de Glenn Miller (y eso ya dice mucho) en las transmisiones de la BBC durante la guerra (mientras las bombas caían sobre Londres), tenía una gran sección de cuerdas y Farnon pudo experimentar con la aplicación de técnicas sinfónicas  para bailar y jazz.  Después de la guerra grabó muchos de esos arreglos, apenas enmendados,  en una serie de LP’s que capturaron la audiencia de  todos los arreglista parecidos, en todos lados.  Ninguno negó su influencia.  En una visita de Bob a Nueva York ,  tantos arreglistas llegaron a la fiesta dada en su honor, que Quincy Jones dijo después: “si una bomba hubiese caído en ese apartamento, no habría habido otra nota sobre música escrita en NY por cinco años”.

Bombas aparte, en 1970 el productor alemán Hans Georg Brunner-Schwer dueño del estudio de grabación “Black Forest", basado en su país, conocido por sus prístinas grabaciones en vinyl, produjo cuatro Lp´s con el trío de George, “The MPS”, integrado por NHØP, y el genial guitarrista irlandés Louis Stewart.  En el cuarto Lp, estas tres joyas de las que no puede esperarse nada malo, son acompañadas por cuerdas, arregladas y conducidas por –el diablo los cruza y dios los junta- Farnon. En 2007, los cuatro discos fueron grabados con la misma fidelidad en compacto. Para los desafortunados que no los poseen dejo estas melodías del último CD,  que aunque un poco melosas, son agradables para la noche de un día duro; con la recomendación de que adquieran la caja.  Vale la pena.

 

 

Un adios al partir.

Marian McPartland, murió el martes en su casa de Long Island (NY) a los 95 años. Nacida en Windsor (Inglaterra), empezó con el piano a los 3 años por influencia de su madre. Posteriormente estudió en Guildhall School of Music que dejó a los 17 años para seguir a una compañía de vodevil. En 1947 casó con el corneta y soldado Jimmy McPartland, a quien conoció durante una jam sesion en la frontera de Bélgica.  Se trasladaron a Chicago en 1946 donde formaron una banda de jazz. Pero atraídos por los nuevos sonidos que emanaban de Nueva York, se mudaron. Allí pese a ser inglesa, blanca y mujer, McPartland logró superar todos los tabús y abrise camino en la escena del jazz con un poco de ayuda de una de sus admirados ídolos, la pianista Mary Lou Williams.

En los años 50 tocó regularmente en Hickory House, donde grabó uno de sus discos más aplaudidos, Jazz at the Hickory House con sofisticados standards como 'Mad about the boy'. Y en 1969 creó su propio sello: Halcyon. Con él editó discos de Teddy Wilson y Earl Hines, además de sus propios álbumes.

Presentó desde 1978, durante varios lustros el programa, Piano Jazz, en la National Public Radio de EEUU, que acercó a la gente la vida y obra de los grandes artistas del género. Además compuso más de cincuenta canciones que no se atrevía a presentar como propias. La pianista se mantuvo activa hasta el final de su carrera, dedicada en los últimos años especialmente a la educación musical en el ámbito del jazz.



Descanse en paz.

Dialogando con Jim

Armónicamente avanzado en la tonada “cool”, el sutil guitarrista Jim Hall (1930) ha sido inspiración de muchos guitarristas como Bill Frisell y Mike Stern , quienes  aunque no suenan para nada como él,  lo acompañan en estos diálogos.   Hall estudió en el  “Cleveland Institute of Music” y guitarra clásica en Los Angeles con Vincente Gomez.   Fue miembro original del “ Chico Hamilton Quintet” (1955-56).

 

   

Después de un tour con  Ella Fitzgerald (1960-1961) y de formar algunas veces dúos con Lee Konitz,  Jim estuvo con  Sonny Rollins'  y su “dynamic quartet” en 1961-1962, grabando “The Bridge”.

 

Son memorables también, sus actuaciones junto a Bill Evans y Michel Petrucciani.

 



En 1995, Jim Hall, quizás el más importante estilista surgido en los años 1950’s, mostro la apertura de su mente grabando “Diálogos” ( Telarc) con sus colegas Bill Frisell y Mike Stern, Scott Colley (doble bajo), Andy Watson (batería), Joe Lovano (saxo tenor), Tom Harrel (flugelhorn) y Gil Goldstein (acordión); demostrando que su avanzado estilo armónico seguía completamente fresco,
como se escucha hoy, 18 años después.

 

CON "I" DE ISLEY. Here I am ( II )

…Ya entrado al presente siglo, lejanos parecen los días en que “Mr. I” & Hermanos" estaban encadenados a la línea de ensamble productivo de “Motown” en Detroit.   Ronald, en 2003 se anima también a romper ataduras familiares, conoce al pianista, arreglista y compositor de grandes éxitos románticos, Burt Bacharach y dice ¡Aquí estoy!, pero ahora solo, casi como Robinson y Viernes. Tengo 62. No más gritos ni tweets (perdón, twist). Y estos son los resultados:

 

CON " I " DE ISLEY. Here I am. ( I )

Y en esto de los blogs- ya se verá en la entrega siguiente- llegan días en que desfilan por los pasillos de la memoria, personajes que se creían salidos de ella, con improbables acompañantes. Tal el caso del por largo tiempo vocalista líder de los “Isley Brothers”, Ronald, quien manejó por más de medio siglo al influyente grupo familiar. Un período que abarcó no sólo varias generaciones de hermanos (y un cuñado), pero también masivos cambios culturales que indujeron sus transformaciones musicales desde el R&B inicial al Funk, pasando por el llamado “Motown soul”. Nacido en Cincinnati, Ohio, un Mayo 21 de 1941, el ya casi adolescente Ronald, se unió a sus hermanos Rudolph, O’kelly y Vernon en la primera personificación del grupo. Después de que este último falleciera montando bicicleta en 1955, Ronald quedó como vocalista líder del trío resultante del accidente. Sus primeros sencillos, hay que decirlo, aburrían, pero "Shout” , el del debut con RCA en 1959 vendió un millón de copias, a pesar de fallar por un pelito en alcanzar el top 40 de la unión americana.

 

 



Luego, "The Beatles" la cubrieron y además presentaron la parte 2, "Twist and shouts" en el programa "Ready Steady Go!" en 1964.  Curiosa e interesantemente, parece que fue una - si nó la única- canción en la que los cuatro escarabajos compartieron el liderazgo vocal.  

 

Después de grabar en el sello creado por ellos, el  "T-Neck", que no les funcionó, los Isley firmaron para la subsidiaria de Motown,  "Tamla" en 1965, uniendo fuerzas con un afamado equipo de escritores y productores: Holland-Dozier-Holland.  Su primer sencillo con ellos, la resplandeciente canción "This Old Heart of Mine (Is Weak for You)," fue su mejor momento, pero,  de nuevo pierde por pelos, esta vez, el top 10.  

 

La historia del "Hoochie Coochie".

En April 4, 1915, nace McKinley Morganfield cerca de Rolling Fork, Miss. A ciencia cierta, no se sabe si al crío no le gustaba ser llamado por su primer nombre, que parece se debía al segundo de un presidente asesinado en turbias circunstancias unos lustros antes.  Lo que sí se sabe es que le gustaba componer, cantar y tocar los blues, y que fue criado por su abuela, quien, de acuerdo con la leyenda , despues de verlo enlodado, tocar la guitarra y cantar desnudo a la orilla de un riachuelo, le dijo algo como: "McKid. you're muddyn' the waters" , y desde entonces fue apodado - o se autoapodó-  Muddy Waters.  En 1954, Waters grabó la canción que llevaria su nombre a una amplia audiencia:  "I'm Your Hoochie Coochie Man.", que curiosamente originó un sub apodo.

 Por el tiempo en que grabó "I'm Your Hoochie Coochie Man"  en 1954,  habia formado el ensamble que más tarde llamó su mejor banda: Jimmie Rodgers (guitarra), el pianista Otis Spann, Willie Dixon al bajo,  Fred Below (batería) y Little Walter soplando su armónica como un saxofón.



Después de seis años, Waters fue invitado a tocar al "Newport Jazz Festival", y como en Inglaterra — donde había estado tocando los últimos años- la audiencia era casi enteramente blanca. Su biografo Robert Gordon dice que con el surgimiento del rock 'n' roll's  a finales de los 1950s, Waters necesitaba nuevos aficionados al blues y que Newport le presentó una gran oportunidad.




Así, "Hoochie Coochie ", se convirtió en el sencillo de mayor venta hasta esos días.  Permaneció trece semanas en el tope de la cartelera del  R&B.  Pero eso no significaba que Muddy hiciera un montón de dinero, según cuenta Marshall Chess, cuyo padre y tío dirigían Chess Records, el sello de Water.  Y agrega que no habían muchas radios que tocaran musica negra por esos días, ni canales de distribución en los vecindarios negros de las grandes ciudades.  La gente compraba su música en las barberías, que operaban como tiendas miscelaneas que vendían leche, cerveza, cigarrillos y discos.

El cine apenas daba entrada en papeles secundarios a los cantantes negros, pero aprovechaba su música.  Se dice que cuando Muddy escuchó la grabación del joven cantante -también del Mississippi-  Elvis Presley, de la canción de Jerry Leiber-Mike Stoler "Trouble", incluida en la pelicula "King Creole" de 1958, comentó   "Será mejor que me cuide . Creo que los blancos estan recogiendo y absoviendo las cosas que yo estoy haciendo."  Pero por aquellos días, la audiencia de Waters daba un giro de timón hacia  la integración racial.




 Hasta su muerte a los 68 años, Muddy siguió siendo el Hoochie Coochie Man. A pesar de que  firmó al menos dos docenas de grabaciones, durante casi tres decadas de cantarla, parece que el distintivo ritmo "parada-tiempo" de esta polémica canción nunca se va a perder.

Uno de aquellos conciertos.

La librería del Congreso guarda la mayor colección pública de grabaciones de sonido y transmisiones de radio de los EE.UU, con unas 2.5 millones de ellas, representando casi todos los formatos. Una donación de la corporación Carnegie en 1940, ayudó a crear el laboratorio de grabación que ahora trabaja para preservar y proveer acceso a colecciones de audio significativas y en riesgo. En 1963, la librería adquirió la colección de la Voz de América que incluía más de 50,000 cintas y discos de eventos culturales (musicales y otros). Relacionado con el jazz, la adquisición incluía entre otras, las colecciones de Ella Fitzgerald, Charles Mingus, Milt Hinton, Gerry Mulligan, Carmen McRae, Bill Taylor, Charlie Barnett y las famosas historias orales de Jelly Roll Morton que datan de 1936.

 

En sus tareas cotidianas de procesamiento sistemático, catalogación y preservación del material de la VOA, una fría mañana de febrero del 2005, mientras practicaba para entrar en calor, unos pasos de swing entre un montón de cintas de acetato esperando digitalización, Larry Appelbaun (supervisor de sonido del laboratorio) pateó una caja de carretes rotulados a mano como “Carnegie Hall Jazz 1957” y llamó su atención uno que se salió del paquete y tenía la nota T. Monk y la lista de melodías en la parte de atrás. Al escucharla, Larry reconoció a Monk y a Coltrane y su corazón se aceleró. Acto seguido, llamó al profesor de jazz Lewis Porter, autor del libro “John Coltrane: his life and music” quien por esos días trabajaba en la revisión del “Coltrane reference book”, para contarle de su hallazgo. El profesor, luego de consultar con Amiri Baraka, escritor de jazz y autor del libro “Later Trane” y con Ashley Kahn autor del libro “Kind of blue: the making of Miles Davis masterpiece”, le confirmó que las grabaciones correspondían a un concierto en el Carnegie Hall con motivo del día de acción de gracias el 29 de noviembre de 1957 y a beneficio del “ Morningside Community Center en Harlem - al cual ambos consultados habían asistido- , y que nunca habían sido publicadas.

 

La cinta fue inmediatamente restaurada por Michael Cuscuna y T. Monk Jr., y publicada en un compacto de 51 minutos con mucho éxito. Una revista de gran circulación semanal llegó a titular el encabezado principal como “ El equivalente musical del descubrimiento de un nuevo Monte Everest”. Y otro: “La última definición de un clásico”.

 Pero más importante es escuchar a un John Coltrane seguro y en su mejor forma después de haber pasado 4 meses con Monk, absorbiendo por completo sus complejidades y sistema musical multivalente. Queda claro desde la pista inicial “Monk’s mood”, donde la pareja toca en dueto, que Trane está moviéndose en lo suyo y que  Monk está sintiendo esa seguridad  en su entrada casi barroca a la tonada. En general un grupo con swing duro, que también incluye al baterista Shadow Wilson y al contrabajista Ahmed abdul Malik, quienes saben cómo obtener lo mejor unos de otros.

 

¿Adónde se han ido todos los cantantes?

Parodiando a Peter, Paul & Mary con su "Where have all the flowers gone?", a veces me pregunto que pasó con toda aquella gente que participó en el mítico festival de Woodstock. Casi nunca obtengo respuestas y ya no me entusiasma mucho buscarlas. Al menos ahora sé que Richie Havens se fue al cielo, o cerca. Hace un rato me enteré por la Radio Pública Nacional (NPR) que transmite vía internet desde los EE.UU, que el cantante de Brooklyn que cantó góspel siendo adolescente,que empezó a cantar música folk en clubs de Greenwich Village en los 60’s y que estuvo a cargo del acto de apertura en el legendario festival de 1969, murió el lunes recién pasado de un ataque al corazón en Jersey City, NJ. Tenía 72 años.

Havens tuvo una larga carrera musical, y como dijeron en la radio,si no hubiese hecho nada más, su sola performance en Woodstock le habría asegurado un lugar en la historia de los géneros musicales representados en el festival. Fue el primero en entrar al escenario. Se sentó con su guitarra en un taburete y actuó durante casi dos horas, incluyendo una improvisación del espiritual “Motherless Child”, más tarde llamada “Freedom”, que fue resaltado en el documental sobre el festival, introduciendo a Richie ante audiencias alrededor del mundo. Estuve ahí, enfrente, y me puse triste. Descanse en paz.

"Parte de Ninguna Parte"

No se trata de que John Green haya sido un apátrida o un inconforme o algo así.  Todo lo contrario.  Nació (1908) y murió (1989) en la ciudad de Nueva York; y hasta donde se sabe, nunca estuvo ni en el extranjero, ni preso, ni nada de eso.  Más bien realizó sus primeros estudios en la academia militar de la gran ciudad para continuar estudios superiores en Harvard, donde se graduó en1928.  Allí estudió Música bajo la tutela de profesores reconocidos como Herman Wasserman, Ignace Hilsberg y Walter Spalding.  Su primer trabajo (1 año), mientras se colocaba  en lo suyo, fue en “Wall Street” -donde la única música imaginable es la que producen las monedas-, y ya como compositor y arreglista, en la orquesta de Guy Lombardo, contribuyendo con su celebérrima composición “Body and Soul” que fue luego  interpolada en la película “Tres es  Multitud” de “Paramount Studios”, compañía a la que había llegado en 1930 como director musical.  Luego vendría la MGM, poniendo su grano de arena en los arreglos de “Un americano en Paris” , “The Great Caruso” y muchas películas más.  Siguió con su propia orquesta y series en  la radio (World of Music), hasta llegar a presidir la  “Academy of Motion Picture Arts and Sciences”

Hombre de muchos talentos,Johnny, que infortunadamente es recordado solamente como el compositor de su “opera prima” arriba citada - una obra de arte sin duda-, pero que  también  compuso la joya  “Out of Nowhere” que da título a esta entrada y que fue introducida un caluroso abril como este de hace 83 años por Bing Crosby, convirtiéndose en su primer éxito #1.

 

 

Pero más allá de las listas de éxitos, hay pocas dudas en el mundo del jazz sobre la magistral interpretación del saxo tenor Coleman Hawkins.  De hecho, no hubo otro intento parecido hasta 1945, realizado por Don Byas.  
 

 

 

La progresión de los acordes de “Out of Nowhere” parece atraer a los músicos de jazz y las evidencias abundan.  Las armonías de esta pieza continuaron  siendo recicladas una y otra vez, incluyendo “Casbah” por Tad Dameron, “Nostalgia” por Fats Navarro entre otras.

 

 

 

 

 

Luego vendría Stan Getz.  Y Charlie Parker, pero aquello era ya otra cosa. 

 

 

 

 

  

El llamado del pájaro pendiente.

Hace unos meses, hablando de todo un poco con un amigo del jazz, me comentó que le había dado una mirada -a vuelo de pajaro- a este blog, notando en las etiquetas "la ausencia de Charles Christopher Parker Jr. nacido en Kansas City el 29 de agosto de 1920 y fallecido en Nueva York el 12 de marzo de 1955, más conocido como Charlie Parker, alto saxofonista alto y compositor estadounidense de jazz, apodado Bird, considerado como el mejor de la historia, una de las figuras claves en la revolución del jazz, uno de sus artistas legendarios que admiro y junto con Bud Powell y Dizzy Gillespie, iniciador del bebop,estilo que rompe con el del swing y se basa en la improvisación sobre una melodía modificando los acordes, creando así nuevas melodías sobre la estructura de los temas". Dicho esto, se sacó de la bolsa del saco y me entregó, el DVD de una película bastante rara titulada "Vacaciones Permanentes" que resultó estar relacionada con Parker. Le agradecí y comenté que aunque me gustaba más su obra interpretativa, sobre todo con cuerdas, cuando saliera de un bajón del ritmo jazzero en que por esos días estaba, tenía algo sobre sus mejores composiciones bebop, para incluir en el blog. Ahí quedó el tema, pero desde entonces (inexplicablemente) los pajaros rondan por mi cabeza, hasta el punto que, hace unas semanas, viendo este "caso particular" de Scola, volví a sentir el "llamado del pajaro pendiente" al observar esa rara ave parlachina que con primor arropa Sofía en su regazo y que en la película provoca una interesante trama. Y aquí está, también en casa, este pajaro de cuenta, de muchas plumas, incanzable, inalcanzable y brillante improvisador, cuya verdadera mansión sera no obstante, siempre, siempre, el tablado, donde dejó docenas de excitantes grabaciones directas. Para los muchos que sienten, justificadamente, que las grabaciones de "Savoy" de esos directos de mediados los años cuarentas contienen la esencia del bebop, este álbum es imperdible. No por nada abre con "Chasin' the Bird," porque cuando Parker arrancaba con sus improvisaciones, todo lo que la banda podía hacer era tratar de alcanzarlo. Personal: Charlie Parker - alto saxo Tommy Potter - bajo Al Haig - piano También: Miles Davis, Max Roach, Milt Jackson, Lucky Thompson, Kenny Dorham The Bird Returns Tracklist: 01 Chasin' the Bird (6:31) 02 Thriving from a Riff (5:39) 03 Koko (2:32) 04 Half Nelson (3:27) 05 Scrapple from the Apple (4:39) 06 Cheryl (3:27) 07 Barbados (3:51)