En los 1960s, desilusionada de la escena musical, Ernestine Anderson (Texas, 1928) -en 1958 considerada por la revista "Time" como la mejor voz nueva en el negocio- la abandonó por completo. En 1971, dedicada a la práctica del budismo, recuerda que cantaba especie de oraciones rogatorias para lograr el álbum que le permitiera volver. Por esos días recibió una llamada del saxofonista Benny Carter invitándola a cantar en la grabación de un ambicioso proyecto de estrelas patrocinado por el compositor Bob Friedman. Fue el inicio de su renacimiento. Carter definió su estilo como "honesto y natural, sin tratar de imitar a nadie más que a ella misma".
En 1987, celebró su debut en Concord Records con el álbum "Be mind tonight". La asociación con la disquera había ya producido una cadena de finos álbumes. "Este es un disco que quería grabar desde hace algún tiempo y cuando escuché la posibilidad de tener a Benny, lo sentí como un honor y me emocioné mucho" dijo Ernestine. Y es que la cantante y el alto saxo hacen una combinación perfecta en el evocativo paisaje de "Domingo en Nueva York", mientras que en el no menos evocativo "Londres por la Noche", ciudad donde vivió dos años, Anderson abre con la meloza riqueza de su voz fijada por el super bajo de Ray Brown. Acompañan también: Marshall Otwel (piano), Ron Eschete (guitarra) y Jimmie Smith (batería).
“On Green Dolphin Street” fue introducida como tema principal de la película de MGM (1947) del mismo nombre, basada en el libro de la novelista británica Elizabeth Goudge (1944) "Green Dolphin Country", de poca aceptación por la crítica de la época. Dos densas horas con veinte minutos protagonizadas por Lana Turner, Van Heflin, Donna Reed, Richard Hart y and Frank Morgan en Nueva Zelanda. Tiene de todo, mucho quizá para una sola película: conflictos familiares, triángulo amoroso, un tsunami, phatos y bhatos (sea eso lo que sea). Ganó el premios de la academia por efectos visuales y de sonido. "On Green Dolphin Street" es también el título de una novela de 2003, escrita por Sebastian Faulks, en la cual la heroína escucha a Miles tocando la canción como fondo, cuando ella se muda al "Greenwich Village" (NY) en 1960.
En 1947, con una cadena de canciones exitosas y temas de cine tras él, Bronislau Kaper fue contratado para escribir la pista de sonido de la mencionada película. Sorpresivamente, el tema no fue un éxito inclusive con la letra de Ned Washington. Sería una década después de la grabación de Miles, cuando se establecería como una clásica del Jazz. Versión definitiva a paso lento cortesía de Davis con trumpeta muda, John Coltrane al saxo y Bill Evans al piano.
El hermano más joven de Nat King Cole (aquí al lado) y tío de Natalie Cole, el cantante /pianista Freddy Cole suena muy parecido a su celebrado hermano, pero tiene una personalidad propia (no sé si puede ser de otra manera). Cole, cuya vocalización tiende a ser un poco más oscura y ruda, empezó tocando el piano a los cinco años de edad. Estuvo interesado en jugar futbol americano profesionalmente, pero decidió seguir una carrera musical después que una herida grave en la mano terminó con sus ambiciones de atleta. Cosa buena, porque no lo ha hecho nada mal, hasta ahora a sus 78 años. Cole debutó en 1952, con el single "The Joke's on Me" En los 60s y 70s, trabajó con varias disqueras y en los 80's fundo su propio sello, "First Shot". Actualmente se ha acercado al pop suave grabando éxitos hechos famosos por Smokey Robinson, Bonnie Raitt, y Van Morrison entre otros.
Un día de Abril 1935, Duke Ellington y su orquesta introdujo “In a Sentimental mood.” Grabada en el sello Brunswick y presentando a Otto “Toby” Hardwick (alto saxofón), ya en julio la composición trepó a los primeros puestos de la cartelera pop. La melodía gozó una ola de popularidad en los 30's, sobre todo una versión de Benny Goodman y su orquesta en 1936. En la era de la radio, fue el tema de por lo menos nueve shows. A pesar de que el Duke tiene el crédito de la música, Ervin Mills y Manny Kutz de la letra, se dice que Toby debería ser reconocido más alla de su performance introductoria. Esto porque en la biografía de Ellington, James Lincoln Collier comenta que las ideas centrales de casi todas sus canciones, se originaron en la cabeza de alguien más. Entre otras señala “Sophisticated Lady,” y “Prelude to a Kiss” como adaptaciones de melodías de Hardwick. Quien sabe, pero más allá de todo ello, hay pocas dudas sobre la versión definitiva.
Con música de Morgan Lewis y letra de Nancy Hamilton, "How High the moon" se estrenó en el musical de broadway "Two for the Show" en 1940, permaneciendo 124 noches en la cartelera del "Booth Theatre". Aunque Lewis la escribió como una balada suave, dada su cmpleja e interesante progresión coral, la canción se convirtió en una favorita del bebop, contendiendo alguna vez por el honor de ser la composición más grabada de todos los tiempos, y la más grabada en 1951 con la versión de Les Paul y su esposa Mary. Fue incluída en varias películas, pero fue Ella Fitzgerald quien virtualmente se la apropió con su peculiar lectura que incluía alteraciones de la letra y solos de scat, mostrando su utilidad como vehículo del bebop.
Vertigo, película estadounidense dirigida por Alfred Hitchcock y estrenada en 1958, narra la historia de John "Scottie" Ferguson, un detective retirado, aquejado de acrofobia, que es requerido por Gavin Elster, un antiguo compañero de Universidad y hombre millonario, para que vigile discretamente a su esposa Madeleine, quien considera que ha sido poseída por el espíritu de una mujer muerta, Carlotta Valdés. La película combina el suspense y la ciencia-ficción catástrofista con temáticas relacionadas con el romance, misterio, muerte, decepción y alteración de la realidad. Su guión está basado en la novela Sueurs froides: d'entre les morts, (De entre los muertos) escrita por los franceses Pierre Boileau y Thomas Narcejac, y está protagonizada por James Stewart en el papel de "Scottie" y Kim Novak, quien interpreta un doble papel, como Madeleine Elster y Judy Barton. Se estrenó mundialmente en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián de 1958, rebiendo la Concha de Plata.
El inspector de San Francisco Scottie Ferguson sufre de vértigo y se ve compelido a retirarse del servicio cuando un compañero cae de una cornisa al vacío, durante la persecución de un delincuente. Un día recibe una llamada de Gavin Elster, un antiguo compañero de clase, que es millonario, y le pide que vigile discretamente a su esposa Madeleine, que parece estar poseída por el espíritu de su bisabuela, Carlota Valdés, muerta cien años antes. Después de seguirla y observarla durante unos días, Ferguson se obsesiona con Madeleine. A partir de ese momento se ve envuelto en una trama de la que ya no puede salir.
En la novela de Boileau y Narcejac, De entre los muertos, el protagonista es impotente sexual. Los autores escriben, con toda claridad en el primer capítulo, que nunca ha conocido a una mujer aunque tenga más de treinta años. En la adaptación cinematográfica, Hitchcock se divierte multiplicando alusiones a la sexualidad de Scottie. En la segunda escena, un diálogo larguísimo en el piso de Midge, maneja un bastón sin saber qué hacer con él mientras que Midge habla de su corto noviazgo que se interrumpió porque entre ellos dos no pasó nada. Apunta con él hacia un sostén, en efecto el trabajo de Midge consiste en fabricar lencería, lo que añade erotismo a la escena. El bastón de Scottie es un sustituto de su sexo, insinuando que no sabe que hacer con él en compañía de una mujer que le desea carnalmente. Midge le habla como a un niño "you are a big boy now!" (¡ahora eres un muchacho grande!). Al final de la larga secuencia, Scottie trata de luchar contra su vértigo subiéndose poco a poco a un escabel. Hitchcock nos enseña, en un plano muy breve, dibujos de mujeres al pie de los escalones. Nos sugiere así un ensayo de erección. Se acaba en un fiasco cayendo Scottie en los brazos de la siempre insatisfecha Midge.
La ironía llega a su cumbre con la utilización de la torre Coït (semejante palabra no se inventa) muy famosa en San Francisco y cuya erección fue financiada por Lili Hitchcock Coït (nada tiene que ver con el director). La torre, obvio símbolo fálico, fue diseñada en forma de boca de riego porque a Lili Coït le gustaban mucho los bomberos. Se ve constantemente desde la ventana del piso de Scottie como para reírse de su falta de vigor sexual. Cuando Madeleine, después de su ensayo de suicidio viene a darle las gracias a Scottie, dice que encontró su casa gracias a la torre. Scottie le contesta que es la primera vez que le es útil para algo. Poco después, en una escena, las olas que se rompen en la playa, nos sugiere fuertemente que se acostaron juntos. Scottie está entonces convencido que Madeleine es una reencarnación de Carlota (bisabuela de Madeleine, objeto de su obsesión). Pues se ha acostado con una muerta. Hitchcock en su entrevista con François Truffaut habla de necrofilia. Es incapaz de hacer el amor con una mujer de carne y hueso. Más tarde tendrá una relación sexual con Judy sólo después de haberla transformado en Madeleine.
El saxofonista, compositor y arreglista Benny Golson escribió varias standards del Jazz, entre ellas “I Remember Clifford,” “Stable Mates,” “Killer Joe,” “Along Came Betty” y “Whisper not”. Esta última in 1956 cuando estaba con la banda de Dizzy Gillespie que hizo la primera grabación de la tonada en noviembre de ese año. Golson la grabó con su Jazztet el año siguiente .
“Whisper Not” pegó rapidamente entre los músicos del Jazz y varios instrumentalistas la grabaron a finales de los 1950s.
Cuando el escritor de Jazz Leonard Feather le agregó letra, “Whisper Not” fue recogida inmediatamente por la vocalista Anita O’Day en 1958. La letra es sobre amantes que se reunen después de un rompimiento, regocijo y promesas de –esta vez- amor eterno. Ya se sabe:
Our harmony was lost But you forgave, I forgot Whisper not of quarrels past You know we’ve had our last
“Whisper Not” continuó floreciendo como favorita tanto de instrumentalistas como de vocalistas y Hank no podía dejar de tocarla en sus últimos años.
Para quienes no habían escuchado los impresionantes atributos del saxofonista tenor David Sills en su álbum anterior, "Journey together", el siguiente, "Bigs", fue una firme declaración alertiva de su fuerza musical, apoyada por el piano de Alan Broadbent, la guitarra de Larry Koonze, el bajo de Darek Oles y la batería de Joe LaBarbera. Aquí, David exhibe adaptación aguda y eficaz a diferentes contextos y fluida sensibilidad colaboradora con su devoción a las tonadas largas, evocando con naturalidad nociones de Getz, una de sus tempranas y más importantes influencias, junto con Joe Henderson.
Al final, queda claro que David no es un saxofonista locuaz, ya que sabe bien lo que quiere decir y lo expresa de forma articulada, disciplinada y sustancial, haciéndolo sonar elusivamente fácil. A la fecha, Sills ha grabado 3 álbumes más que confirman sus alertas.
"From the Botton", último álbum de Bobby Timmons para Riverside (justo antes de que dicho sello fuera a la quiebra) fue publicado por primera vez hasta 1970. Timmons, un pianista funk muy influyente en su mejor forma. La mayoria de canciones acompañado por el trío formado por el bajo Sam Jones y el baterista Jimmy Cobb, pero sorpresivamente cambiandose al organo en su viejo éxito "Moanin" (su única aparición, alguna vez, con dicho instrumento) y vibráfono en "Someone to Watch over Me."
La cubierta despierta una sospecha: una silueta de Bobby en todos los colores, pero sólo una pizca de azul. Difícil de explicar, pero la música escrita por Timmons ha sido siempre mas famosa que la que tocó. Un padre del soul jazz, muestra aquí mucho de lo que pudo hacer, tornándose sabio en las baladas, iluminando a sus socios e inclusive le da al vibráfono una encantadora vuelta de carrusel. Muchos estilos, sabores y un poco de blues también.
Es una de las cantantes de Jazz más populares de Holanda. Se le conoce como "la Billie Holyday europea". La comparación no es coincidencia: la música como la historia de su vida tienen mucho en común. Profunda tristeza y gran felicidad es notoria en sus canciones. En 2003 formó su grupo con el que grabó este disco, cantando las estándares de siempre.
Personal: Lils Mackintosh - vocals Berend van der Berg - piano Marius Beets - bajo Rene Winter - batería Sjoerd Dijkhuizen - saxo
Una colaboracion entre el guitarrista y el alumno de Buena Vista. El álbum busca capturar el viejo "groove" del mambo popularizado con los Jazz/crossover de los 1950's y 60's - por eso la "aleta del chevrolet" en la portada - interpretados por orquestas como las de Henry Mancini y Nelson Riddle, pero basado esta vez en la guitarra de Ry. Hay también aquí y allá, un toque de exotismo a lo Esquivel. En raras instancias se escucha, incluso, un pequeño toque "hecho en casa", agregado por la percusión. Los recien llegados a Cooder deberían, quizás, escarbar en algunas grabaciones más viejas - esta es de Nonsuch, 2003 - para agarrar el feeling. En cualquier caso es fácil cogerle el ritmo para la bailadita.
Charlie Barnet fue diferente de varias formas. Una, nacido millonario y fallecido igual - pequeña diferencia con respecto a la mayoría de colegas- le hizo un poco al playboy durante su existencia, terminando con una incontable lista de ex's...y de anécdotas. Fue uno de los pocos líderes blancos de big bands, que en la era del swing abrazó abiertamente la música de Duke Ellington (también admiraba a Count Basie). Barnet fue un pionero en la conducción de bandas integradas (tan temprano como 1935). Y, no obstante ser esencialmente un saxofonista tenor -desarrollando un sonido original al estilo de Coleman Hawkins-, Barnet fue un efectivo emulador de Johnny Hodges al alto, siendo también, virtualmente, el único saxo soprano (además de Sidney Bechet) en los 1930s y '40s.
Y sin embargo, Charlie Barnet fue significativo en el Jazz, sólo por una década (1939-1949). Al entrar los 1950's perdió el interés y deshizo su banda.
Uno de los fundadores del Jazz libre, el contrabajista estadunidense Charlie Haden (1937) es sin duda una de las figurasw centrales del Jazz moderno. Ha venido brillando desde su participación en el cuarteto de Ornette Coleman a fines del os 50's. Luego de sorprender con su anterior álbum “Family and Friends: Rambling Boy” en el que celebraba la música country que tocó profesionalmente junto a su familia durante su infancia y adolescencia, Haden vuelve ahora al jazz más puro junto a la exquisita agrupación Quartet West y algunas de las más grandes cantantes de la actualidad. Fundado por él a mediados de los ’80, este cuarteto es uno de los más elegantes y coherentes combos pequeños del jazz contemporáneo, formado por Ernie Watts en saxo tenor, Alan Broadbent al piano y Larance Marable en batería. Se dice que Haden resucitó y modernizó la típica manera californiana de abordar el juego jazzero, con un modo personal hecho de clara suavidad, sofisticación y sensualidad. Los seis álbumes anteriores del cuarteto -"Quartet West" (1987), "In Angel City" (1988), "Haunted Heart" (1992), "Always say Goodbye" (1994), "Now Is the Hour" (1996) y "The Art Of Song" (1999)- pueden ser leídos como capítulos de una ficción que multiplica las conexiones y relaciones entre el jazz de California de la inmediata post-guerra y Hollywood durante la misma época, que fue notablemente marcado por la estética de las grandes películas del film noir.
Este nuevo lanzamiento titulado “Sophisticated Ladies” –Octubre, 2010- presenta al nuevo baterista del grupo, Rodney Green y algunas de las grandes vocalistas femeninas de nuestro tiempo, nombres de relevancia artística y comercial como Diana Krall, Norah Jones, Melody Gardot, Cassandra Wilson, Renee Fleming y la mujer de Charlie, Ruth Cameron. Damas sofisticadas que brillan hoy con el esplendor de los viejos buenos tiempos. Contiene 12 composiciones clásicas del jazz, alternándose un tema vocal con uno instrumental , logrando un disco que deleita de principio a fin. A continuación escuchar: “If I'm Lucky” – Feat. Melody Gardot; “Sophisticated Lady”; “Let´s called a day”– Feat. Ruth Cameron y “My old flame”.
Después de quince días ausente de la blogósfera, ya echaba de menos a los amigos. Luego, a visitar sus blogs para enterarme de las nuevas, donde por supuesto, entre tanto Jazz no faltó el papa. Después a buscar material para reiniciar. Para mi sorpresa y muy a a propósito me encuentro con este "Friends" (Polygram) de Chick Corea, que como algunos de sus álbumes publicados con pequeños pero buenos ensambles entre los álbumes de la década de 1970 con "Return to Forever" y los de finales de los 1980's con su "Electric Band", languidecía en la oscuridad, pleno de composiciones originales. Aqui, Chick hizo equipo con Joe Farrell (flauta y cañas), Eddie Gomez (bajo) y Steve Gadd (batería). Un disco donde cada miembro del cuarteto contribuye al total.
Nacido con los 50’s a veces me preocupa el paso de los años que noto en viejos conocidos nacidos en los 30’s. No sé si por eso o porque me gusta el swing o por ambas cosas, me sucedió lo contrario al descubrir y escuchar este álbum. Resulta que Keely Smith (1932), primorosa quinceañera, allá por 1947 fue de vacaciones a la ciudad de Nueva York y tuvo la oportunidad de escuchar a uno de los “showman” ítalo americanos que por esos años derretían corazones con sus mezclas de Jazz, Blues, pop italiano y muchas cosas más: Louis Prima, un hombrón muy machote él. Naturalmente, la chica quedo encandilada, y como también cantaba en el cole, sin alcanzar el nivel de las divas del Jazz de la época, pero respetable en las baladas pop, sobre todo, bien enterada que Louis buscaba una socia para dueto y que probablemente llegaría a Norfolk, Virginia, su pueblo, con ese propósito (esas cosas pasaban, aunque uno no lo crea), se preparó mucho Y así fue cómo, de socios pasaron al matrimonio, que duró hasta 1960 cuando pidió el divorcio por maltrato cruel.
Rondando los 70´s, después de 15 años fuera del escenario, en el 2000, Keely grabó para Concord “Swing, Swing , Swing”, con la orquesta de Frank Capp, volviendo rejuvenecida sobre la huella de sus mejores años con Louis. Un reavivamiento del swing, cantando en buena forma, creo que superando a muchas divas actuales. Sus hijos: Toni y Luanne Prima vocalizan en el fondo. Dan ganas de mover los pies.
LaFaro (1936-1961) nunca llegó a una edad otoñal, pero el otoño evoca su recuerdo, ligado indefectiblemente al de Bill Evans (1929-1980), quién parece nunca haber muerto, a diferencia de Scott que parece siempre acabado de morir. Que lío me hago con esto todos los octubres. El hecho es que se unió al trío de Bill en 1959, ya como alguien que a sus 22 años había brillado con la "Buddy Morrow's band" (1955-1956),salido de gira con Chet Baker (1956-1957) y trabajado con Barney Kessel, Cal Tjader, y Benny Goodman, entre otros. y no obstante que grabaría también con Ornette Coleman y con Stan Getz, el bajista es mejor recordado por su asociación con Evans, particularmente sus grabaciones en el "Village Vanguard" de 1961, poco antes de morir en un lamentable accidente automovilístico que sumió a Bill en una depresión que lo alejo de la música más de un año y se dice que sin él, nunca su trió volvió a ser el mismo.
Considerando que el legendario bajista nunca grabó un álbum como líder, es nada menos que un milagro en los anales del Jazz que exista esta grabación y afortunados los que lo posean. Una rara ventana al espíritu de Scott, aparte de sus grandes sesiones con Evans, y un complemento al libro escrito por su hermana Helene LaFaro Fernandez, "Jade Visions".
Esta sesión de estudio en Paris (Verve,1973) apareció primero en el sello europeo "América", como "Gigante", pero ha habido alguna confusión, puesto que han aparecido, a través de los años, varias combinaciones de canciones bajo el mismo título de álbum con el nombre de Dizzy Gillespie. Sin embargo, a pesar de su breve extensión con sólo 5 melodías (34 minutos), esta vívida reunión del gran trompetista con el bajista Niels Pedersen, el pianista,Kenny Drew, el baterista Kenny Clarke y el tenor saxofonista Johnny Griffin, vale la pena, a pesar que por esos días Dizzy empezaba la declinación de su brillante carrera. Como se dice, es mejor escuchar un Gillespie al 90% que a otros trompetistas al 100%.
La fina técnica de arco de Pedersen introduce la breve balada "I Waited for You," con Dizzy al tope, y su trompeta ensordecida se pasea despacio alrededor de los crispantes escobillazos (con el perdón de la academia) de Clarke durante "Girl of My Dreams".
Perteneciente al así llamado grupo "Wild Women of Kansas City", la cantante Myra Taylor celebró su 93 aniversario en el "Knuckleheads Saloon" de su ciudad natal a principios de este año. Abarrotado, como testamento de su eterna popularidad. Mayra aprendio música alrededor del mundo y pagó esa experiencia entreteniendo gente de todos lados en sus vastos viajes. Sirvió a las tropas en la segunda guerra, en Corea y Vietnam, atendiendo además, su propio club nocturno en Frankfurt, Alemania. Viajó mucho por Africa e incorporó esa experiencia a su estilo musical y composiciones.
La revista "Living Blues" la nominó artista femenina del año en 2001 por su álbum compacto “My Night To Dream”; pero quizás el honor más grande de su vida es su inclusión en la reciente película "Kansas City Jazz and Blues. Past Present and Future" a cuyo estreno asistió como invitada especial. Los fondos recaudados en el evento serán destinados a ayudar organizaciones del Jazz y Blues, sin fines de lucro.
Tarde de sábado, vislumbre otoñal en estos trópicos, sin nubarrones, incipiente viento, lenta caida de sol, 17 grados C. decidí escuchar algo de música clásica acudiendo a mi, francamente pobre y abandonada (por el Jazz) discoteca. Aprovechando para limpiar los álbumes, en un rincón, empolvado apareció - como testigo del largo peregrinar de la guitarra clásica o española, por los senderos civilizacionales-, Carlos Barbosa-Lima, brillante ejecutor del venerable instrumento.
Para terminar de definir esa tendencia al abandono, ya que el dicho álbum es un homenaje a diferentes tendencias musicales expresadas en la guitarra, decidí limpiarlo, pasarlo a la cada vez más rica sección de Jazz y escucharlo.
Pudo quedarse allí o pasar a la sección pop, pero no podía ser, siendo que Carlos -1944- incluye músicos de la talla del pianista, compositor, arreglista y cantante de Jazz Bobby Scott -1937-1990-, compañero de giras de músicos como Charlie Parker, Lester Young, Quicy Jones, Sara Vaughan y el mismo Barbosa; y de su, por largo tiempo, colaborador en el Jazz, profesor y compositor John Grigs -1930-?. Y por supuesto a su admirado George Gershwin, de quien sobra qué decir o lo que se diga sobra, a no ser qué, de las muchas versiones de "Rhapsody in blue", pocas como la suya:
Pero también importante, según comprobé, es que el maestro no olvida sus raíces.
De acuerdo con David Hajdu, autor de varios libros sobre cultura y música -entre los últimos "Lush life". La biografía de Billy Strayhorn-, los artistas influyentes, algunas veces hacen click en la conciencia del público, solamente después del auge del movimiento que han influenciado, y que una escuela de trabajo creativo emerge , con aparente espontaneidad y orígenes oscuros al principio. Luego, dice, con atención a los artistas de esa escuela, viene el reconocimiento de sus influencias, sus antecedentes y mentores. Después de Pollock, de Kooning y coetaneos de posguerra, se estableció el expresionismo abstracto y la precursora importancia de la iconoclastía de Kandinsky en la preguerra, fue clara
Utiliza el ejemplo para explicar cómo ha surgido a través de los años de la presente década, una hola de música altamente expresiva más concernida con las emociones que con el oficio y el virtuosismo; una música informal y elástica opuesta a a lo que que se supone sea el Jazz. Implacable, la llama “post-Marsalis”, en el sentido de dejar atras el cánon conservador del Jazz de los 90's. Entre estos músicos estarían los pianistas Brad Mehldau, Ethan Iverson (del trio "the Bad Plus"), Jason Moran y Vijay Iyer. Y singularmente, entre los pioneros de su arte, el largamente irreconocido innovador de este transfronterizo e individualista Jazz del siglo XXI, el pianista y compositor Fred Hersch. Nunca gran estandarte y sin interés en la publicidad (lo siento), Hersch ha sido una feroz pero no asumida presencia en la escena jazzistica de Nueva York, desde que se mudo a la ciudad a los 21 años en 1977. El cuerpo de su trabajo es un manifiesto del jazz contemporáneo - 45 álbumes como solista, compositor y líder de banda-.
El Jazz — una música energizada por las tensiones entre tradición e innovación; entre cooperación y expresión individual — ha pasado por múltiples fases a través de los años, desde que Fred empezó a tocar profesionalmente hace más de 30 años. Ninguna le ha interesado particularmente. Se le conoce como un artista indiferente a los géneros y a las modas músicales, pero infatigable en lo suyo, sea lo que sea. Su determinación de hacer cosas a su modo, se intensificó considerablemente desde principios de los noventas, cuando hizo público su diagnóstico de SIDA .
Mientras la sensibilidad de la cual fue pionero ha florecido, el mismo Hersch ha sido escuchado muy esporádicamente los últimos años. La razón es que por su salud empeorada, cuando hasta su compañero de hogar pensaba que sería la última vez que lo vería, fue sometido a una terapia intensiva. Ahora, a sus 54 años, parece que por su casi irracional rechazo a aceptar sus problemas, se ha restablecido y el año pasado publicó en la primavera un compacto -concierto con su "Pocket Orchestra", el verano otro en solitario (“Fred Hersch Plays Jobim”) y en diciembre participó con su trío en el Festival Internacional de Buenos Aires. El mismo día de su concierto, pero a la tarde, el pianista Fred Hersch dictó una clínica destinada a músicos argentinos. Luego de escuchar atentamente a un trío, dijo: "Cuando se toca en trío, cada persona es un tercio de la foto. Si alguno resalta más, la imagen se desequilibra". Eso se vinculaba con otro de sus comentarios: el imperativo de dejar espacio.
Aunque ya le celebraron su centenario, no está de más un recordatorio. Hoy cumpliría 114 años Buster Keaton,el cómico "cara de poker",cuyos estudios en frustración exquisita divirtieron a dos generaciones de audiencias cinematográficas. Murió de cancer en los pulmones a los 70 un febrero de 1966. Alguien, alguna vez dijo de Francis Keaton que parecía el tipo de hombre a quien los perros orinaban. Un apenado tipejo de cara triste como un basset. Junto con Charlie Chaplin y Harold Lloyd fueron los tres grandes cómicos de la pantalla silenciosa. Estableció un inolvidable carácter, el triste y silencioso solitario que perseveró estoicamente contra un mundo mecanizado. Contrario a Chaplin, nunca fue sentimental, ni nunca recurrió a sensiblerías patológicas. Le talló un rostro de granito al personaje.
El hombre de piel oscura con la trompeta dorada estiró sus cicatrizados labios, sopló una corta cadena de increíbles y brillantes notas, y luego, con cuidado colocó la trompeta al lado, y dijo:
"Ahh¡¡. Hay algo que he soñado toda mi vida. Y maldito sea si no se parece a lo que está por venir –ser el rey del desfile de los Zulus- . Después de eso, estaré listo para morir".
La tercera semana de febrero de 1949, pocos mortales estuvieron tan cerca de los deseos del corazón que Daniel Louis Armstrong. A sus 48 años estaba de regreso en el pueblo donde nació para ser monarca por un día en el bullicioso” Mardi Grass” de Nueva Orleans. Por primera vez en sus 33 años de historia, el “Zulu Social Aid and Pleasure Club” (fundado primariamente para asegurar a los suscriptores un funeral decente) había salido del pueblo por su rey del carnaval. En el pasado lo fueron porteros, dependientes o directores de pompas fúnebres (sin ofender a nadie), pero Louis, era un “royalty” de los grandes, inclusive una figura mundial. Muchos expertos del Jazz de la época que podían ser tan “snobs” y esotéricos como los existencialistas o los seguidores del culto a Bach, solemnemente lo proclamaban como el más grande genio musical que los U.S.A. produjeran. Alguien llegó a decir que el estilo Armstrong de improvisación “lo hizo un maestro del arte musical comparable sólo a los grandes castrados del siglo XVIII”.
Entre los intelectuales negros, los zulus y sus espectáculos eran considerados vestigios ofensivos del show juglar, tipo sambo negro. Para Armstrong, rey del jazz, el vasallaje de la parada zulu , sería la culminación sentimental de su espectacular carrera y un zambombazo, además. Para él, esas susceptibilidades eran absurdas. Le sonaban a nada.
Les Baxter (1922-1996) fue un pianista que compuso y arregló para las más reputadas bandas del swing en los años 1940s y 50s, pero es más recordado como el fundador de la "exótica", una variación del "easy listening" orientada a glorificar los sonidos y estilos de todos los continentes, reteniendo las tradicionales cuerdas y trompetas del pop instrumental. Exótica se convirtió en una moda masivamente popular, con miles de compradores de discos escuchando a Less, Martin Denny, Esquivel e imitadores. Baxter fue además pionero en el uso del instrumento electrónico "Theremin" de un sonido evocador y chillante.
En los 50´s llegó a ser compositor y arreglista para Capitol records; Director musical del show radial de Abbott & Costello; y también compuso más de 100 bandas sonoras, concentradas en películas de horror y dramas como "Gigante". En los 60's continuó con su exótica, su producción menguó, pero persistió hasta los 90´s. A continuación un par dedicado a Portugal.
Fiel al compromiso adquirido con las amistades de la blogósfera, presento esta vez mi último descubrimiento, la cantante de jazz coreana Youn Sun Nah. En realidad se presenta sola, con el simple "So I am" de su primer álbum (Soca Disk, 2009),como pidiendo a la audiencia le escriba su biografía. Audacia no le falta para escoger repertorio (además compone): "Jockey full of bourbon" de Tom Waits y "Calypso blues" de Nat King Cole son una muestra.
Platicando de todo un poco con algunos amigos del Jazz, la plática sobre pros y contras de las fundaciones, derivó anécdota. Resulta que uno de los miembros del cotarro, involucrado alla por mediados de 1978, en una asociación local de amigos del jazz (valgan pleonasmos y cacofonías) platicó por esos días con un médico extranjero involucrado en un programa sobre la ceguera, venido acá directamente de Egipto, por las referencias del doctor Robles, eminente paisano. Y bueno, el experto oftalmólogo, además de trabajar para una prestigiosa y bien dotada fundación, fundada por un magnate pionero de la explotación petrolera a gran escala, a quien un historiador del asunto este, y ganador de un famoso premio al periodismo patrocinado por una fundación hermana, atribuye la iniciativa para derrivar el panteón de sus ancestros en el cementerio de su pueblo natal para permitir la apertura de pozos y utilización del bosque aledaño para fabricar las estructuras entonces utilizadas; era además, amigo del Jazz. Y fue así como el contertulio se enteró que en la dicha fundación, figuraba como "trustee", nada menos que Billy Taylor, dirigiendo el programa "Jazzmobile" orientado a llevar esta música a ciudades inertes (en ese sentido). Y fue así también, como Billy apareció por aquí dando un recital.
Andaríamos los tertulianos, por esas fechas, rondando una media de 27 años, y Billy, unos 15 años después (1993), cuando se juntó con Gerry Mulligan para ofrecer este concierto en el "Manchester Craftsmen's Guild" en Pittsburgh, PA, rondaría los 70 años, igual que su amigo Gerry. Y medio siglo de experiencia en estos menesteres, hay que agregar. Acompañados a la batería por Carl Allen y al bajo por Chip Jackson, Mulligan y Taylor desde siempre apegados a las estándares, las tocaron en este concierto, sin adornos pero siempre inyectándoles un sentimiento de ternura e integridad. Este concierto fue parte de una serie radiodifundida con mucho éxito por la NPR en EE.UU. Es bueno que que estos disfrutables documentos sobrevivan.
A menudo una mala película nos deja una bella melodía. Es el caso de "The Sandpipers" que a mediados de los 60's ponía ya en evidencia pública, el desgaste de la vieja fórmula holliwoodiense de fingir piedad mientras flirtiaba con material sugestivo y chipe (dícese de las criaturas lloronas a las que se tranquiliza dándoles a chupar mamón);
y "The Shadow of your Smile", a continuación interpretada con sentimiento latino por el sensual tenor Scott Hamilton, el relajado piano de Dave McKenna y el superbajo Phil Flanigan:
Pasando por "The wall street journal" -directo y fácil de navegar como dice su lema- como suelo hacer cuando me prendo para hojear titulares y contenidos de los medios escritos, sintonizo alguna radio para hacer más llevadera la farragosa tarea (digamos).
Claro, una cosa va antes que la otra y esta vez me llevó a "Jango.com free internet music radio that plays that yo want". Jesuschrist¡¡. Que cosas¡¡. Descubrí a esta relativamente joven cantante canadiense, segun dicen en ascenso desde un pub en su pueblo natal, donde alguna vez paré a dejar una encomienda (un mantel típico) y observar la enseñanza parvularia en una escuela, camino a Quebec, soñando con una sopa de cebolla bajo un frío de menos veinte grados. Ahora, cabizbajo y meditabundo, me pregunto ¿Será ella, la que escuché?.
Cine Teatro Gran Rex", Buenos Aires, Argentina, Junio 24, 1973 Bill Evans Trio en Vivo
Este concierto de Bill , editado originalmente en dos LP's por "Yellow Note" nunca fue distribuido a escala mundial, por considerar al Rex un don nadie y porque Bill había ya firmado con el sello "Fantasy" en ese tiempo. A pesar de esto, el disco es bastante representativo del trío, con un bajista bien cotizado (Eddie Gomez) y un baterísta (Marty Morell) casi ignorado, en su mejor forma, abriendo con una tensa interpretación de“Re: Person I Know," tributo de Evans a su antiguo productor Orrin Keepnews.
Sin menospreciar su enorme participación en el Jazz, dejo un poco agotado, al lado la guitarra y sus tañidos para dedicar un rato a la meditación necesaria para alcanzar un estado más saludable, acorde con estos tiempos de paz y templanza. Y para ello, aunque la oferta es variada y considerable, que mejor que escuchar, como dicen los maestros de la Sinfónica Nacional en su loable labor (extra) de educación escolar, a mi amigo el piano (Dave Brubeck); mi amiga la flauta (Herbie Mann); mi amigo el contrabajo doble (Chuck Israels) la siempre recargada batería (Paul Motian) y en memorable solo, también "over time", Joe Morello.
No vaya uno a creer, pero estos angelitos, en su día, también echaron sus canitas al aire, (algunos quizás lo sigan haciendo) pero siempre llega ese momento.
Y aquí los dejo, porque quiero tomar unas fotografías del paso de los escolares que traen, fatigados, la antorcha de la libertad desde la frontera norte camino al sur.
Sucede que al escuchar álbumes compilatorios, donde se espera encontrar lo más granado del tema objeto, uno termina disfrutando la que menos espera. Así pasó con esta compilación que en dos compactos rinde homenaje a la guitarra y sus ejecutores en el Jazz. El primero dedicado a los guitarristas eléctricos (Stalemate Metheny, George Benson, Pat Martino), el segundo a los guitarristas acústicos (Paco de Lucia, Birelli Lagrène, Django Reinhardt), y tal. Un buen panorama, pero allí donde escucho ecos de María Greever, así esté un absoluto, la prefiero.
Bueno, igual me pasa con Wess, os digo, cuya mención en la última entrada del amigo Héctor motivó la presente.
Tomando un poco de distancia, el pintor está colocado al lado de la obra en la que trabaja. Es decir que, para el espectador que lo contempla ahora, está a la derecha de su cuadro que, a su vez, ocupa el extremo izquierdo. Con respecto a este mismo espectador, el cuadro está vuelto de espaldas; sólo puede percibirse el reverso con el inmenso bastidor que lo sostiene.
Michel Foucault, sobre Las Meninas
Los días pasan volados. Ya hoy seis del tormentoso septiembre. La lluvia mengua. Esta vez es el quinteto de Enrico quien me recuerda -y acompaña- lecturas hace mucho dejadas a medias. Cosas del Jazz.
Entre las ventajas de mantener un blog sobre el tema que apasiona, está que a raíz de las relaciones, explícitas o no, que se entablan, despierta de repente en uno el investigador que lleva dentro. Hace unos días, me encontraba sumido en una especie de saturación musical de la que creí no salir jamás. Llegué al extremo de desconectar el timbre, el teléfono y prácticamente todo artefacto que reproduce música, con excepción, claro, del CP porque no estoy en condiciones de sustituirlo por un Mac. La situación llegó al extremo, cuando descompuesto salí a reclamarle al heladero que pasa a diario tirando de su carretilla, que dejara de sonar la campanita. El hombre, naturalmente, reaccionó ante el energúmeno en que me había convertido y me incrustó una cornucopia de veteado napolitano entre ceja y ceja. Si no interviene la familia no se que habría pasado. Y bueno, se lo comenté o ya se había enterado, no sé, a una psicóloga que sale a caminar por las mañanas, también aficionada a la música y me recomendó seguir navegando como si nada hubiera pasado. A regañadientes, así lo hice y, de repente me encuentro con una entrada sobre la Kora, ese instrumento africano de veintiún cuerdas (11 tocadas con la mano derecha) y con un calabazón como caja de resonancia. Y hete aquí que de la noche a la mañana me encuentro bajando libros sobre el asunto, consultando y por medio de un amigo consigo al final, proveniente de un pintor garífuna del caribe local que anduvo hace unos años por Senegal, una copia de este compacto de uno de los más reputados e innovadores maestros actuales, Soriba Kouyaté, quien ha tocado, me dicen, para el presidente de dicho país, el señor Senhor.
Escuchando ese sonido parecido al arpa, me sentí, si no Nerón, por lo menos el señor presidente.
Frederick Nolan, escritor amante de los musicales basados en las composiciones de la pareja que llama "el dúo dinámico de Broadway" (Lorentz Hart y Richard Hammerstein), escribió en 1978 el libro homenaje "El sonido de su música". En 2005 lo reedita y en la presentación cuenta que en la primera edición, lo que trataba de hacer era recapturar algo de la excitación de esa época gloriosa (1937-1942) en la que compusieron cualquier cantidad de éxitos que luego emprenderían su propio vuelo:
Una época en la que nadie sabía -continúa Nolan- si el show en el cual trabajaban sería triunfo o fracaso. Días en los que todo iba bien y días en los que nada. Veinticinco años más tarde, dice, todavía sigo tratando.
Igual que el tocayo Frederick, sigo yo tratando de encontrar, sin éxito, en las páginas del libro que me deja ver la oferta en internet, algo relacionado con uno de sus temas más subvalorados y que me gusta escuchar en estos días (van 4) de lluvia ininterrumpida a torrentes.
“Sólo en caso se olvidara cuán malo era él realmente”. Curioso el título que la gente de “Savoy Records” le dio a este compacto del saxofonista alto/tenor Sonny Stitt, publicado en 2003. El último (1981) en vivo y en vida de quien sabe cuantos, grabados por el que ostenta la marca de saxofonista con más grabaciones en la historia del Jazz. Pocos meses después moriría a la edad de 58 años.
¡Bien pudieron escoger un mejor nombre¡ fue la primera observación que pasó por mi cabeza al escuchar la segunda pista. Luego me sentí tentado a averiguar las razones de este aparente equívoco, antes de publicar la entrada.
Pero bueno, quede esa tarea para los críticos, que para eso están; y sin pretender serlo, simplemente me gustó cómo, en la melodía (Star eyes), el primer e impresionante solo del saxo alto Richie Cole, hombre de una técnica ilimitada y conocedor de cuanto truco del arsenal del “bebop” exista, despliega citas familiares a ritmo cercano al vértigo; pareciendo tener al lado, como escolta nada más, a Sonny. Pero es su turno y las articulaciones empalman, las frases conectan y la cita (del “Carnaval de Venecia”) se incorpora imperceptiblemente dentro del solo, y, ahora sí, el majestuoso sonido “Sonny” -a garganta abierta- prevalece, haciendo prácticamente a Richie, sonar como un rechinido.
Alineación Sonny Stitt (alto & tenor saxophones) John Handy (alto & tenor saxophones) Richie Cole (alto saxophone) Bobby Hutcherson (vibraphone) Cedar Walton (piano) Herbie Lewis (bass) Billy Higgins (drums)
Un verdadero maestro del Jazz, Arturo Sandoval (1951). A pesar de que su reputación se la ganó como trompetista basado en el bop que toca inspirado por su nativa tradición cubana -lo cual es cierto-, ha incursionado profundamente en el tango, swing y jazz eléctrico, en su ya larga carrera. Es también un fino pianista y percusionista. Dicho esto, la noción de Arturo grabando una colección de piezas clásicas, estándares y baladas con un trío apoyado con orquesta de cuerdas, es un poco más que una sorpresa. Sin embargo, eso es lo que “A Time for Love” –como la vieja melodía de Mandel- su recién publicado álbum, básicamente es. Sandoval lo reclama como la realización de un sueño de 20 años. Lo quería lo suficientemente malo como para hacerlo y publicarlo por él mismo, pero el pianista Shelly Berg escuchó los demos y se los llevó a a Greg Field, de Concord Records, quien a su vez los dío a Jorge Calandrelli, quien arregló 8 de las 9 pistas con cuerdas y Berg arregló la otra (de Ravel), con Chris Botti como segundo trompeta, llevó a su trío y la coproducción salió:
Todo revela la profundidad emocional del toque de Arturo Sandoval, no sólo su impresionante “expertise” técnico acumulado que a veces apaga su fiero Jazz; la suavidad y ternura sin emociones sentimentaloides que susurran al oyente un trémulo swing:
o un profundo romance basado en la tradición vocal de las melodías de Mandel/Mercer, donde se pueden identificar sus dos grandes y confesadas inspiraciones para este álbum: el trompetista Bobby Hackett tocando con la orquesta de Jackie Gleason y el álbum “Clifford Brown with Strings”.
Un verdadero contraste en su catálogo. El tiempo dirá. Mientras tanto es recomendable para una reincorporación tranquila a la rutina del trabajo después de vacaciones, o algo así.
Todavía hoy es sorprendente el original inicio de esta obra maestra (1950): la cuenta un muerto (Joe Gills: William Holden), el protagonista, un escritor de segunda que sobrevive como puede en Hollywood. "El Crepúsculo de los Dioses" es una película que desde los créditos iniciales -aparecen sobreimpresionados sobre una carretera filmada en retroceso- rompe con la norma.
Al concluir los créditos el viaje termina, la música se apaga y se oyen sirenas, una voz en off explica lo que sucede: «Sí, esto es Sunset Boulevard, Los Angeles, California. Son alrededor de las cinco de la madrugada. Es la brigada de homicidios, completada con detectives y periodistas. Han informado de un asesinato en una de esas enormes casas de la manzana 10.000. Podrá leerse en las ediciones de la noche, lo dirán por la radio y se verá en la televisión, porque una vieja estrella está implicada; una gran estrella.»; y a continuación la cámara, que ha seguido a la caravana de coches oficiales, se introduce en la mansión en cuestión y se dirige a la piscina donde un cuerpo inerte flota: es el propio narrador. Es el comienzo más memorable del cine del Director Billy Wilder.
"Sunset Boulevar", como se titula el original en idioma inglés, es un retrato sombrío y fatalista de un mundo aparentemente lleno de glamour y supuestamente fascinante que se acerca al cine negro pero que en realidad no tiene clasificación posible, pues se puede ver, como un melodrama (la música de Franz Waxman tiene gran relevancia en este sentido) e incluso, como un film de terror.
Norma Desmond (Gloria Swanson) es una actriz madura ya retirada, que en la época del cine mudo triunfara de la mano de Cecil B. DeMille. Anclada en esos años pasados llenos de gloria, vive sola con su mayordomo Max (Erich von Stroheim), en realidad su primer marido y el director que la descubrió, ahora pendiente de su bienestar, manteniendo en ella la certeza de qué todavía es una estrella, aunque haya dejado de trabajar hace mucho y ya nadie la recuerde; en ese sentido pudiera ser un film realista, o un sueño, o un cuento, o tal vez una película.
Al final, disculpar que lo cuente porque estoy por recomendarla, Norma Desmond tras disparar a Joe Gills murmulla: «las estrellas no tienen edad»; el cine tampoco.
En los 1960s, desilusionada de la escena musical, Ernestine Anderson (Texas, 1928) -en 1958 considerada por la revista "Time" como la mejor voz nueva en el negocio- la abandonó por completo. En 1971, dedicada a la práctica del budismo, recuerda que cantaba especie de oraciones rogatorias para lograr el álbum que le permitiera volver. Por esos días recibió una llamada del saxofonista Benny Carter invitándola a cantar en la grabación de un ambicioso proyecto de estrelas patrocinado por el compositor Bob Friedman. Fue el inicio de su renacimiento. Carter definió su estilo como "honesto y natural, sin tratar de imitar a nadie más que a ella misma".
