Holly

Para desearles una !!Feliz Navidad¡¡ y un ¡Buen año nuevo!! he escogido unas melodías de la vocalista y pianista canadiense Holly Cole, nacida precisamente a la entrada del año 1963, en el frío Halifax en Nueva Escocia. Aunque el Jazz es, digamos, su lengua materna, Holly es una de esas artistas que puede entrar en cualquier categoría musical, pero posee un humor irónico y a la vez cándido cuando de darle nueva forma a estándares tradicionales y clásicas del pop se trata.



Rodeada por la música desde su nacimiento pues sus padres eran músicos clásicos, Holly se convirtió en maestra de piano y realizó estudios profesionales de canto. Su hermano que estudiaba en “Berkelee College of Music” de Boston y era un apasionado del Jazz de posguerra, la invitó el verano de 1980 a una estadía de 8 semanas durante las cuales tocó con su grupo y encontró el verdadero llamado musical. En 1983, deja su pequeño pueblo natal y se traslada a Toronto donde forma su trío con el que llegó a ser muy popular en el circuito jazzístico de la gran ciudad. Allí graban su primer álbum el otoño de 1981, el EP “Christmas Blues”.

+ Jobim Jazz

Nacido en Rio de Janeiro en 1957, el compositor y arreglista Mario Adnet inició estudios de guitarra a los 9 años y ya en 1974 se le ve participando en festivales y clubes. Inicia estudios de teoría musical que continúa en EE.UU., donde se gradúa. En 1980, lanza su primer Lp a dúo con el compositor y pianista Alberto Rosenbli y como invitado especial el gran guitarrista Toninho Horta. Graba en 1984 el álbum "Planerta Azul", pero solo consigue reconocimiento internacional hasta 1990, grabando composiciones con la cantante Joice, el Trío Da Paz y Lisa Ono.



En 2006 se embarca en una aventura musical de cuatro proyectos sobre la música en Brasil, empezando con el álbum "From the Heart" y finalizando en 2007 con el álbum "Jobim Jazz", celebrando el 80 aniversario del fallecido maestro. No conforme con el homenaje, el presente año lanza "More Jobim Jazz" con excelentes arreglos de intemporales melodías de Jobim como "Quebra Pedra" (a.k.a. "Stone Flower") con un encantador sabor bahiano. Una curiosidad es "Tema Jazz (Jazz Theme)," que según Adnet es "la única cita explícita del género en el trabajo de Antonio Carlos Brasileiro Jobim".

The last King

Tres meses antes de ser asesinado, el saxofonista (tenor y alto) King Curtis (1934-1971) grabó durante el Festival de Jazz de Montreux media docena de blues, junto al pianista y vocalista Champion Jack Dupree (1909-1992). Ambos encontraron un terreno común en el blues, a pesar de las críticas que por esos años se hacian a King por haberse desviado al R&B y luego al Rock & Roll. El ya por entonces veterano Dupree, luce genial contando sus placeres en su clásica "Junkers Blues" con una vocalización de irregular duración que mantiene a su socio permanentemente en vilo. Una pena que fuese su última grabación. Mucho de su estilo impregnó a los buenos saxos del rock que siguieron. Acompañan, el guitarrista Cornell Dupree, el bajista Jerry Jemmott y el baterista Oliver Jackson.

Ben

El saxofonista Benjamin Francis Webster (Kansas City 1909-Amsterdan 1973) es considerado uno de los tres grandes tenores del swing, junto con Coleman Hawkins (su principal influencia) y Lester Young. De Ben se ha dicho ya casi todo y en esta oportunidad solamente quiero referirme a su álbum "King of the Tenors" (Verve, 1956), como uno de esos que puede escucharse con frecuencia de un tirón, varias veces, en toda la extensión de sus 10 cortas baladas (11 si se tiene el compacto que incluye como bono la versión sencilla de "That's all"); es más, siendo exigentes, pueden seleccionarse sin temor a equivocarse, tres de ellas, como muestra del profundo,carrasposo y a veces brutal tono que lo caracterizó. Lo acompañan en esta aventura, perlas como Oscar Peterson (piano), Benny Carter (saxo alto), Harry "sweets" Edison (trompeta), Ray Brown (bajo) y los guitarristas Barney Kessel y Herb Ellis. Frescura y vitalidad increibles en esta producción de Norman Granz, a pesar de haber ya trascurrido más de 5 décadas.

Swing.

En este compacto de 1997 (Atlantic), el grupo vocal The Manhattan Transfer revisita canciones de la era del swing, en algunos casos recreando (a través del vocalese) grabaciones específicas como el "Moten´s swing" (1932) de Bennie Moten, "Skyliner" de Charlie Barnett y "Clouds" de Hendricks, en la que hace una aparición especial Stephane Grappelli. Las vocalistas son de primera, a pesar que no tienen mucha chance de improvisar dentro del estilo.

Las cacerolas de Andy.

Conocido como “Steel Pan”, este tambor de acero se dice es el único instrumento acústico inventado en el siglo XX. Los músicos de las islas del Caribe (particularmente de Trinidad y Tobago), que no pueden tener un objeto a mano sin tratar de sacarle ritmo, empezaron experimentado con las rústicas baterías de cocina del hogar como una forma de halago a los guisos de sus mujeres. En la pos gran guerra, la industria del refinado petrolero allegó a la isla los barriles de 55 galones en los que se tranportaba al principio el combustible.

Debidamente adaptados, estos toneles o grandes cubas (cubatazas), terminaron acompañando nuevos ritmos musicales como el Calipso o el Regae. El instrumento evolucionó y a mediados de 1980 el tecladista y percucionista Andy Narell (NY-1956) lo incorporó al Jazz.

En 2004, Andy lanzó el álbum "Fire in the Engine Room" ( festejando al instrumento) cuyo título explica el concepto de la grabación: presentar su interacción magistral con el “cuarto de ingeniería”, definido como la sección de ritmos de una banda de aceros. Aquí, tonadas como la que sigue, capturan la clase de festividad islánica por la cual Narell es ya famoso.

Un blues famoso.

Cuando se trata de standards escritas antes de 1920 (El período temprano del Jazz), ninguna ha disfrutado más grabaciones de los artistas del género que la clásica de W.C. Handy “St. Louis Blues”. Considerado el blues más famoso y la composición más grabada de todos los tiempos desde 1930 hasta que “Star Dust” le quitó el título, veinte años después. Cuenta Handy en su autobiografía “Father of the Blues”, que luego de ser estafado por unos publicadores a quienes, dada la precariedad de sus finanzas, vendió por cincuenta dólares los derechos de su “Memphis Blues” en 1912, se decidió a crear un éxito que lo compensara. Así, en un cuarto rentado en la calle Beale de San Luis Missouri, nació en 1914 el famoso blues. Dice W.C. “Una correntada de recuerdos llenaron mi mente. Primero estaba el retrato que tenía de mí mismo, quebrado sin rasurar, deseando siempre una comida decente, parado frente al iluminado “saloon” sin camisa bajo el raído abrigo”.

No obstante que “St, Louis” electrificó a los bailadores, el éxito no fue inmediato. Al no poder encontrar editor musical, formó con un colaborador “Pace and Handy Music Company” para publicarla. Las ventas de las hojas musicales fueron moderadas. La canción se empezó a cantar en boudeville y teatro. Scott Joplin la versionó al Ragtime.

La popularidad que llegó a alcanzar este blues no estuvo restringida a EE.UU. David Ewen comenta en su libro “Great Men of American Popular Song” que el príncipe Jorge de Inglaterra y Marina de Grecia la bailaron en la ceremonia nupcial y que Etiopía la usó como canción de guerra durante la invasión italiana en 1930, año en que grandes del Jazz comenzaron a versionarla.

Me electrificó por primera vez a finales de los 70’s, con el cuarteto de Dave Brubeck (Paul Desmond incluido), en la grabación del “Live at Carnegie Hall”, versión que sigue siendo mi favorita.

Eddie.

Uno de estos días veía en la prensa el anuncio de la próxima presentación en el auditorio de una universidad local, del pianista nuevayorkino Eddie Palmieri y su big band. Eddie es uno de los mejores pianistas del jazz latino de la segunda mitad del siglo pasado y algunos le atribuyen la paternidad del sonido que fuera conocido como “Salsa de Nueva York”. Empezó a estudiar piano clásico a los 8 años y pronto lo alcanzaron las influencias jazzísticas de pianistas como Monk, Hancock y McCoy Tyner, y con una técnica sobresaliente comenzó a experimentar fusiones en el contexto latino.

A mediados de los sesentas, el vibrafonista Cal Tjader en una de sus visitas a la gran manzana, escuchó a Palmieri y su conjuto de entonces, La Perfecta, actuando en el Cheetah Club. Con un “give your band the whole shit”, le propuso que grabaran juntos. En seguida se cerró el trato entre Morris Levy propietario del sello de Eddie (“Tico Records”) y Creed Taylor de” MGM/Verve”, sello de Cal. Como resultado, quedaron dos buenos álbumes: “El sonido nuevo” y “Bamboleate”. De este último incluyo un par de melodías, para los que no puedan permitirse gastar en el concierto que, a sus 75 años dará el maestro y su grupo.

Caminando

Sola

Para muchos, la pianista y compositora de jazz Jessica Williams (1948) está un poquitin sub valorada debido a su establecimiento en el norte de California y no en Nueva York, Chicago o al menos Los Angeles; aunque no deja dudas en cuanto a ser una de las mejores pianistas actuales con su poderoso virtuosismo, por su completo control del teclado, sólido sentido del swing y la influencia innecesariamente confesada de Tatum y Errol. Una vida dedicada al piano, casi desde su nacimiento en Baltimore, Jessica alternó, temprano en su carrera con músicos de la talla de Jo Jones y Mingus con desapariciones prolongadas de la escena para realmente despegar en los 90's. "All Alone", grabado en 2003 (WaxJazz) es uno de sus más finos esfuerzos, especialmente con sus refrescantes versiones de viejas estándares. Para quienes no puedan permitirse un íntimo recital privado de Jessica, este compacto surtirá el mismo efecto.

Benson

Mixtura de jazz puro y duro, "back to basics" y soul grooving, este álbum producido en 1966 por John Hammond y reeditado en 2001 por Columbia/Legacy, nos recuerda al guitarrista George Benson (1943) que a todos los amantes del jazz gustaba. Lo acompañan: Lonnie Smith (órgano), Jimmy Lovelace (batería), Bennie Green (trombón), King Curtis (saxo tenor) y Blue Mitchell (trompeta).

"Fragile"

Continuando con el proceso de mudanza, esta noche le tocó turno al empaque de cristalería. Uff.. no es mucho pero con el correr de los años se van acumulando cosas de mucho valor sentimental y muy frágiles, como esta melodía del trompetista Enrico Rava (Trieste, 1939) del álbum "Tati" (EMI, 2005) con acompañamiento de su paisano pianista Stefano Bollani y del experimentado y colorido baterista Paul Motian, sobreviviente del trio de Bill Evans con el recordado contrabajista LaFaro.

Sin nombre propio.

Autoretrato

Recién me entero del fallecimiento el martes ( 83 años) del actor Peter Falk, quien dió vida al detective Columbo de la serie de televisión del mismo nombre, que paradójicamente no lo tuvo –se especuló que alguna vez en un capítulo, susurró Frank-y que al ser preguntado al respecto siempre respondió: “Lieutenant”. Con el tiempo, el señor Falk y Columbo llegarían a ser –más o menos- referencias culturales intercambiables como, se me ocurre, el cantante Tom Waits. En la excelente película “Wings of desire” (alas del deseo, 1987), actúa él mismo contemplando su vida de actor.

Quienes siguieron la serie, lo recordarán metiendo la mano en el bolsillo de su arrugado sobretodo –de su propio guardarropa cuando era un eficiente empleado de la oficina de presupuesto de Connecticut- , buscando su libreta de apuntes, o haciendo despistado la pregunta clave “one more question” con una penetrante mirada de su ojo de vidrio (implantado cuando tenía 3 años por un problema visual) sobre el que solía bromear contando que durante un partido de baseball se lo quito para prenderlo de la solapa del umpire advirtiéndole “lo harás mejor con esto”; y luego subiendo a su destartalado descapotable Peugeot con la llanta pache, escogido por él mismo porque hacía juego con el sobretodo. Incluso la canción favorita de Columbo “This old man” que parecía correr a través de su mente (y la serie) como disco rayado, fue una de las que el señor Falk amó desde su niñez. Los musicales tampoco fueron ajenos a su carrera actuando junto al “rat pack” en Robin y los 7 Hoods.

Todo los casos –normalmente asesinatos en familias de alta renta- resueltos en el mismo capítulo por este peculiar subteniente del departamento de policía de Los Angeles atacado sus últimos años por la demencia.

Toots

Toots Thielemans (1922) introductor de la armónica cromática como instrumento de jazz parece no tener competidores desde 1950. Empezó a los tres años tocando el acordión, pero su reputación inicial se la ganó como guitarrista influenciado por Django Reinhardt, terminando con la armónica a los 17. Limpiando closets encontré este blues.

No se cuanto más durará esta mudanza.

Hubo un lugar.

Una revista -acompañada de un disco compacto compilatorio- que presume de representar la nueva cultura del Jazz. Uno de ellos aparece misteriosamente en un resquicio del archivo que limpio. No puedo más; 72 ejemplares religiosamente adquiridos cada mes posarán coquetos en la estantería de algún lugar de viejo un dia de estos, lluvioso y húmedo. En el lugar adonde voy ya no caben.
http://www.goear.com/listen/eb62d0c/hubo-un-lugar-jerry-gonzales

Mudanza silenciosa.

Preparación









Compilación Prestige Records, junio 2008, grabaciones en Roma, Julio 9, 1955 - Octubre 26, 1956. Intimo, agridulce, cerebral, reflexivo, romántico (sobre todo) after hours... tic tac, el reloj musical 1960 (circa).

Cohan.

Un maestro tanto de lo acústico como de lo eléctrico, el pianista Ryan Cohan ha hecho lo mejor como compositor. Ganador de una beca para estudiar composición en el "Illinois Arts Council", el año 2000, Cohan es más conocido por su involucramiento con el pianista de Jazz y líder de banda Ramsey Lewis, quien ha grabado 10 de sus melodías y dice de él que: "es más de la escuela de Bud Powell y Chick Corea, mientras que yo soy más de la (escuela) de Nat Cole, Earl Hines y Teddy Wilson. Y sin embargo, trabajamos muy bien juntos".

Ryan -alto como un rascacielos- gusta tocar en solitario melodías del bajito gran pianista y florido compositor Billy Strayhorn. Con su cuarteto basado en Chicago salió de gira por Rusia en 2009, llenando las salas de la Sociedad Filarmónica de Minsk; de la Escuela de Música de Obninsk y el Goodwin Blues Club. A este último concierto corresponde el tercer video, filmado por la "Public Affairs Section of the U.S. Embassy in Belarus", que muestra a los miembros del cuarteto en pleno "jammin'" con jazzistas locales.

Charles Lloyd.

El saxofonista Charles Lloyd, adelantado y cerebral músico cuyos talentos improvisatorios le permitieron establecerse en los 60’s y 70’s como una de las figuras claves en el desarrollo de la fusión y la “Word music”, nació (1938) y creció en Memphis rodeado del vibrante escenario del blues y del jazz de dicha ciudad. Recibió su primer saxo a la edad de 9 años pero estudió eventualmente piano con el legendario Phineas Newborn y tuvo como compañero de escuela y mejor amigo al trompetista Booker Little, alternando desde temprana edad con artistas como el saxofonista George Coleman y futuros íconos del jazz como B.B. King y otros.

En 1956, Lloyd dejó Memphis y se enlistó en la Universidad del Sur de California para estudiar música clásica, obteniendo una maestría en música. Durante este tiempo toco en Los Angeles junto a la flor y nata de jazz avant garde, entre otros los saxofonistas Ornette Coleman y Eric Dolphy , así como el vibrafonista Bobby Hutcherson. También fue miembro de la gran banda de Gerald Wilson. En 1960, Lloyd se unió al ensamble del baterista Chico Hamilton como director musical, donde escribió y arregló la mayor parte la música, incluído su gran exito "Forest flower".


A mediados de los 60’s se traslado a Nueva York donde contacto a luminarias del jazz como: John Coltrane, Miles Davis, Coleman Hawkins, Mingus y Cannonball Adderley a cuyo grupo se unió. En 1965 formó su propio cuarteto con el pianista Keith Jarrett, el baterista Jack DeJohnette y el bajista Cecil McBee. Un ensamble extremadamente intuitivo y creativo.


En los 70’s permaneció fuera del mundo musical, hasta 1981 cuando conoció a un talentoso pianista francés de 18 años: Michel Petrucciani, con quien grabó varios álbumes.


En 2008 reapareció con un nuevo cuarteto Jason Moran y el directo “Rabo de Nube”. En 2010, a sus 72 años y el mismo grupo: Jason Moran (piano), Reuben Rogers (bajo) y Eric Harland (Batería), graba “Mirror”, conceptualizado según sus palabras “como una imagen al espejo del anterior”.

Ramsey

A sus 21 años, en 1956, el pianista de Jazz Ramsey Lewis formó un trío con Eldee Young al bajo y Red Holt a la batería. Desde entonces ha cabalgado en los límites entre el bop y el pop. La mayoría de sus grabaciones (particularmente las de mediados de los sesentas) fueron muy accesibles y atrajeron una gran audiencia no jazzística. Sin duda, esto influyó para que asombrosamente, grabara seis álbumes en 1964, cuando no era común que un músico grabara más de uno al año. En 1965, grabó “The In Crowd” y “Hang On, Ramsey” que lo consolidaron como un pianista muy atractivo, y de ahí en adelante sus discos se volvieron mucho más predecibles y orientados al pop, y el trío se volvió cuarteto.

Bob Marley

Cuenta Mario Vargas Llosa en un artículo de prensa, que ante el irresistible avance de las fuerzas de Cronwell que invadieron Jamaica en 1665, los colonos españoles libertaron a sus 1,500 esclavos, que se esfumaron entre los montes y que reaparecieron en los siglos sucesivos con el nombre "maroons" (cimarrones)y una aureola indómita. Dentro de esta bravía estirpe, nació Marcos Garvey, apostol de la "negritud" y del retorno de los negros de America al Africa, sin quien, el culto Rastafari no hubiera trscendido fuera de las fronteras jamaiquinas, y sin cuya prédica no estaríamos hoy, recordando un año más de la muerte (1981) de Robert Nesta Marley. Algo que prefirió a los 36 años, antes que permitir la amputación de un dedo del pie, roído por el cancer, porque su religión se lo prohibía.

Murió riquísimo, con unos 30 millones de dólares, que son poco comparados con los que hoy gana cualquier cancionista de mediana estofa. Recordémosle con lo que disfrutó: explorando una canción en el rasqueo de su guitarra y el selvático lamento de su voz, envuelto en la nube de humo de su cigarro de "ganja".

¿James Zollar?

En el ancho mundo del Jazz, parece válido preguntarse ¿Quién es este Zollar?, trompetista que a pesar de llevar más de 20 años -que tampoco son nada, es cierto- trabajando en Nueva York, no ha llegado a ser un nombre familiar. A pesar también, de que en 1996, con su álbum "Soaring with Bird" (Naxos), un homenaje a Charlie Parker, de cuya música es un confeso estudioso, dejó claro que no es un don nadie (de hecho, acompaño al virtuoso clarinetista Don Byron en su álbum "Bug music).



Es probable que se haya cruzado con el sin conocerlo, como en la película Kansas City (lugar donde nació, igual que Robert Altman el director) o con lo que queda de la orquesta de Count Basie, o acompañando a músicos más conocidos.



En 2009, este eterno acompañante, publicó su segundo álbum "Zollar System".

Dedicado a Connie

Conrad Henry Kirnon (1927-1994) más conocido como Connie Kay, fuera de dos meses de cuarenta años (incluyendo siete años en los cuales el grupo estuvo de "vacaciones") fue el baterista y percusionista del "Modern Jazz Quartet". Sus sutiles contribuciones (mostrando contenimiento y swing) fueron un invaluable activo del grupo.

Este álbum de dos compactos fue publicado en 1995, luego de su fallecimiento. Es una super conmemoración del MJQ en el pico de su creatividad, un concierto de 1960 en Ljubljana, Slovenia, de la misma gira que produjo el igualmente memorable "European Concert". En el video, una clásica estándar de Hammerstein II.

Personal:
Milt Jackson – vibraphone
John Lewis - piano
Percy Heath - bass
Connie Kay - Drums

James Newton

El flautista James Newton (California, 1953) es completamente un artista contemporáneo, creador de álbumes elegantes y algunas veces excéntricos que reflejan una amplia variedad de influencias, tanto del jazz como de lo clásico. Su trabajo como flautista es de altos recursos -efectos de pájaro y líneas simultaneas vocal/flauta entre otros-; mientras que como compositor, Newton ha encontrado manantiales de inspiración en Coltrane, Mingus y Ellington (de este último transformo su música en el aventuroso álbum "The African Flower"). En 1990 publico también un libro: "Improvising Flute".

Posibilidades.

Herbert Jeffrey Hancock (Chicago, 12 de abril de 1940), conocido como Herbie Hancock, es un pianista, teclista y compositor estadounidense de jazz. Se trata de una de las figuras que más opiniones encontradas suscita dentro del jazz contemporáneo. Es un artista inquieto estilísticamente que se ha dejado influir por casi todas las tendencias musicales de la segunda mitad del siglo XX. No obstante, el estilo pianístico y de teclado de Hancock son completamente suyos, con su propios rasgos armónicos urbanos y complejos, y sus ritmos particulares. Habiendo estudiado ingeniería, Hancock estuvo siempre perfectamente preparado para la era electrónica: fue uno de los primeros maestros en el piano eléctrico Rhodes y en el clavinet Hohner. En todo caso, el piano ha sido siempre su instrumento preferido.



Despegó – valga la redundancia- con el disco “Taking off (1962),que incluía como primer corte “Watermelon man”. Dos años más tarde, en “Empyrean Isles” incluía “Cantaloupe Island”, que arrasaría en las emisoras de rhythm and blues con la versión de Mongo Santamaría; y sólo un año después “Maiden Voyage”, composición que nombraba el álbum y complementaría un trío que puede incluirse entre las composiciones más populares de la historia del jazz.

Suficiente. Pero Herbie, quien aprendió a tocar el piano a la edad de siete años y pronto se convirtió en un prodigio, tocando como solista el primer movimiento de un concierto para piano de Wolfgang Amadeus Mozart a los once años con la Orquesta Sinfónica de Chicago, y que desde despúes del despegue , se había unido a Miles Davis cuandó este se lo pidió para las sesiones de Seven Steps to Heaven, quedándose con él durante cinco años, perdió así parte de su estilo a favor de una absorción de las directrices musicales de Davis. Para bien o para mal, siguió adelante. Herbie ha reconocido a Miles como su músico preferido porque defendía el principio básico del jazz que consiste en tocar el momento no el pasado.



Excepto free jazz, ha tocado prácticamente todos los estilos jazzísticos surgidos tras el bebop: hard bop, fusión, jazz modal, funk jazz, jazz electrónico, etc.; aterrizando en 2005 con el disco “Possibilities”, en el que se aproxima también a la música de baile. En esta aventura de diez pistas, el incansable pianista, compositor y arreglista se acompaño – literalmente de docenas de artistas, desde la cantante pop Cristina Aguilera y Sting a leyendas del rock como Santana y Paul Simon, incluyendo a Stevie Wonder que toca la armónica solo, en el cover de su "I Just Called to Say I Love You".

Mal

Siguiendo sus sueño de llegar a ser pianista de primer orden en su era, Malcom Earl Waldron (Nueva York, 1926) acompaño con su talento musical a luminarias del Jazz como Billie Holiday y John Coltrane. Graduado del Queens College con un B.A. en composición antes de grabar sus trabajos más tempranos con Ike Quebec en 1950 e involucrarse en el famoso taller de jazz de Charles Mingus en 1954, los años subsecuentes lo encontrarían acompañando a una Billie próxima al final. El políglota y elegante pianista -francés, alemán, italiano, y japonés-, fue a vivir a Europa en 1965, donde logró creciente popularidad (su "soul Eyes" se convirtió rapidamente en una standard). Un diciembre 2del 2002 murió en Brucelas debido a complicaciones derivadas del cancer.


Aunque entre sus habilidades linguisticas no figuró el idioma español, el alemán Manfred Eicher grabó y produjo este vinyl para ECM en 1970. El álbum fue recogido y editado solamente para el mercado japonés por la subsidiaria JVC Globe. A pesar de su importancia, el álbum nunca ha visto una reedición en ningún formato y es por lo tanto muy difícil de conseguir. Contiene cuatro largas composiciones de Mal y esta versión de Eleanor Rigby que fue la única que logré subir en goear. Espero se escuche.

Un pianista del Delta.

El pianista Willie “Pinetop” Perkins, uno de los últimos grandes “buesmen” del Mississippi, falleció ayer a los 97 años. Hasta el día de su muerte, Perkins hizo lo que más le gustaba en la vida: tocar el piano, algo que seguía haciendo y tenía, incluso, galas previstas esta primavera. Empezó a tocar blues a finales de los 1920s y forjó un estilo que influenció a tres generaciones de pianistas del blues, una suerte de vara por la que son medidos. Pinetop comenzó tocando guitarra y piano en fiestas hogareñas pero dejó el primer instrumento en 1940 después de una herida seria en su brazo izquierdo. Trabajó en el delta del famoso río durante los 1930s y 40s. No obstante que disfrutó del éxito como solista desde 1980, Pinetop es conocido por ocupar la silla del piano en la gran banda de Muddy Waters por doce años durante el pináculo de la carrera de Muddy a través de los 70s. Descanse en paz.

Nippon Soul

Grabado directo en Tokio ( julio, 1963), este album no es la fusion jazz asiática sugerida por su título, sino un sólido conjunto de piezas que contienen uno de los más finos grupos de Cannonball, el sexteto compuesto por: Nat Adderley (trompeta), Sam Jones (bajo), Louis Hayes (bateria), Joe Zawinul (piano) y Youssef Lateef con un extraordinario solo de oboe (instrumento raro en el Jazz) en la pieza central “Brother John (por Coltrane). Zawinul arregló las estándares para el grupo, convirtiendo - nunca mejor dicho- “Come Sunday” de Ellington a un completo estilo “godspell”.

Hikari

Mientras el mundo del Jazz actual ha presentado un buen número de mujeres pianistas, especialmente en Japón, ha habido pocas trompetistas. Hikari Ichihara es talvéz la única. Ha iniciado con el idioma del “Jazz pop crossover” grabando en Nueva York, pero existe la impresión general que está buscando un sonido particular que no llega lograr. Personalmente le siento un sentido de madurez y un fuerte “feeling” de seguridad e individualidad. Escuchémosla.

Sammy y Jule

Sammy Cahn y Jule Styne (letrista y compositor) conocida y genial pareja que legó a la música (en 1947 ) la inolvidable melodía “Time After Time” y otras como "I'll walk alone" para la película "Follow the boys". Time after fue escrita para la película “It happened in Brooklyn” protagonizada por Sinatra. Ambos, un jovencito ojos azules y Kathryn Grayson interpretan el número. En un contexto jazzístico se considera que la versión de Chet Baker es quizás la definitiva. "Sigan a los muchachos" fue muy popular como "Detrás del amor" a principios de los años 60s, cantada por Connie Francis.

Así llueva o brille el sol.

“Come Rain or Come Shine”, es la melodía central en el musical “St. Louis Woman” estrenado en el Broadway de 1946, con música de Harold Arlen y letra de Johnny Mercer y ambientado en el Missouri de 1898. Se dice que mientras muchos de los grandes compositores usaban notas repetidas como un medio para crear tensión y enfatizar armonías, Arlen, como regla, no era uno de ellos , sin embargo, esta pieza no sólo es una rara excepción sino que podría muy bien ser la campeona de las notas repetidas entre las jazz estándares del tope. La historia revolotea alrededor de una mujer que quiere romper su relación con el propietario de un club nocturno al haberse enamorado de un Jockey ganador (los pequeños jinetes eran apetecidos por aquellos días). El show duró solamente 113 presentaciones en cartelera. Al querer ser llevado al cinematógrafo por MGM, Lena Horne rechazó el papel protagónico alegando le ofrecían un papel que detractaba la dignidad de la raza, poniendo a los negros cien años atrás. El álbum con el elenco negro original desapareció sin haber sobrevivido ninguna grabación orquestal. Afortunadamente para aquellos interesados en el tema (los norteamericanos que quizás por ser el Jazz el equivalente a su música clásica todo lo registran), el equipo del “New York Encores” resucitó la obra después de una amplia labor detectivesca (Decca Broadway, 1998).

En realidad no todo estaba perdido. El talentoso e inolvidable trompetista Clifford Brown, en el Paris de 1953, como miembro de la orquesta de Lionel Hampton, estaba en el estudio con un pequeño grupo de de compatriotas de la banda, tocando arreglos de Quincy Jones (también miembro). Y así, quedo esta ilustración de su inventivo genio.


En 1959, otro genio, Ray Charles dejaba este ejemplo de la canción como vehículo para cantar baladas con un sentimiento swing acompañado de coro soprano, arreglo de cuerdas y un pequeño pero sutil ensamble de jazz con sabrosas apariciones del trombón de Bob Brookmeyer.


Ya un año antes, Art Blakey y sus Jazz Messengers de entonces : Bobby Timmons, Lee Morgan, Benny Golson y Jymie Merritt, dejaban estos dramáticos solos.


El gran corazón jazzero del Alto saxofonista Art Pepper también dejó sus latidos en esta conmovedora lectura de balada con emoción genuina.


Con la ayuda del contrabajista Scott LaFaro y el baterista Paul Motian, el pianista Bill Evans reinventa la melodía, con un toque discordante pero sensitivo. Años después la volverían a interpretar en memoria de Scott, con Chuc Israel sustituyéndolo.

That's All.

Una de las más tibias y naturales melodías del Jazz pop, “That’s All” fue escrita en 1952 por Alan Brandt y Bob Haymes. Notable publicista el primero, decidió a los 75 años escribir su primera obra. Hymes, el hermano menor del actor y cantante Dick Haymes, también lo fue, aunque sin fama. Contrario a lo que se pudiera pensar, Dick, quien estuvo en el pico de su carrera en los 50’s, no la grabó sino hasta 1976, cuatro años antes de su muerte. Quien introdujo la bella melodía fue Nat King Cole en 1953. Su versión, no obstante alcanzar popularidad, no llegó al tope de las 20 canciones ese año. Fue Bobby Daring en 1959 con su álbum “That’s All” quien colocó la canción en el mapa musical de la radio difusión. Fue el primer intento del ídolo de adolescentes para alcanzar audiencia adulta. Y lo logró. El álbum permaneció 52 semanas en cartelera.

El escritor Alec Wilder dice que incluye la canción –a pesar de estar fuera del alcance del mismo- en su libro “American Popular Song: The Great Innovators, 1900-1950”, por dos razones: primero, porque es una de las últimas melodías que fluyen libre, nativa y naturalmente en el estilo del gran pop. Y segundo, porque tuvo una curiosa carrera, sin una fase inicial exitosa pero convirtiéndose inmediatamente en una standard. Alec la escuchó por primera vez con su autor Bob Haymes.

La atractiva letra se convirtió en favorita de cantantes por su expresión de amor ofrecido sin pretensiones, con humildad y un colorido imaginario: “country walks in spring time” y “a hand to hold when leaves begin to fall”. Ellos, claro, se daban cuenta que la amada podría haber recibido propuestas que le prometieran más, monetariamente: “There are those, I am sure, who have told you, the would give you the word for a toy” y que su oferta (de ella o él) pudiera parecer menor, por comparación:

I can only give you love that lasts forever,
And the promise to be near each time you call,
And the only heart I own for you and you alone
That’s all, that’s all.

¡Ahhh, que tiempos aquellos! Pero no sólo cantantes se prendaron de ella, grandes del Jazz le imprimieron el toque dulce que merece, con su instrumento.

Preservando el Jazz

Como muchos músicos de Nueva Orleans, el trompetista y cantante James Andrews es parte de una dinastía musical. Dos de los grandes del R&B son sus parientes: Prince La La (tío) y Jessie Hill (abuelo). La La es principalmente recordado por su canción "She Put a Hurt On Me" y Hill por el éxito de 1960 "Ooh-Poo-Pah-Doo", un clásico del R&B. A pesar de que Hill no vivió para escuchar este aclamado compacto (1998) de su nieto, sin duda estará orgulloso de él en el otro lado, así como de la loable labor de preservación que realiza.



El disco abre, como debe ser, con un homenaje al abuelo. La canción "Poops Ain't Gotta Scuffle No More" escrita y acompañada por dos de sus admiradores y estudiantes: Allen Touissant y Dr. John. Ambos usan lo que su mentor les enseñó para convertirse en gigantes del género R&B; ambos retribuyen algo, ayudando a su amigo James a crear su primer compacto, no sólo componiendo sino apoyando con sus instrumentos y voces de fondo; brillando en tonadas como "Latin Cats." Andrews escribió muchas de las 11 pistas pero destaca su favorita "Sweet Emma," en honor a una de las estrellas del piano en la banda del “Preservation Hall” en el barrio francés, donde el joven músico aprendió casi todo sobre el idioma del Jazz tradicional y que ahora figura tanto en su propia música. Su sobrenombre "Satchmo of the Ghetto," habla de su amor por Louis Armstrong y el Jazz tradicional.

En familia.

El pianista Dave Brubeck (1,919) es un buen ejemplo en la música de Jazz, de esa encantadora costumbre en todos los campos creativos de la actividad humana, de legar a la descendencia los propios talentos. Desde la infancia fue educado -junto con su hermano Howard- por su madre en la música clásica. Juntos también, prosiguieron su educación musical en el “College of the Pacific” en California. La guerra los separó y Dave pasó a engrosar las filas del General Patton dirigiendo la banda marcial del regimiento durante la segunda gran conflagración. Al regresar reinició estudios en el “Mills Colege” con el compositor clásico Darius Milhaud (cuyo primer nombre sería el de su hijo menor), quien animaba a sus alumnos –Cal Tjader entre ellos- a tocar Jazz. Con Cal y el bajo Ron Crotty formaron el trío “Fantasy” vigente y popular en el área de la bahía de San Francisco durante 1949-1951, pero un serio accidente en una piscina lo sacó de acción por largo tiempo y el grupo se desbandó, dejando la costumbre de los conciertos en campos universitarios.

Al volver, Brubeck fue persuadido por el saxo alto Paul Desmond para hacer del grupo un cuarteto. En dos años la banda se había hecho sorprendentemente popular. Tanto que la popular revista “Time” le dedicó una portada. Luego, con su esposa la letrista Lola , montaron un show (“The real ambassador”)antirracismo presentando a Louis Armstrong como figura central. El cuarteto viajó por el mundo hasta su ruptura en 1967. Despues de un tiempo fuera del ambiente (de esa costumbre de entrar y salir se originan los títulos de sus álbumes “Time in” “Time out”) regresó los siguientes años con otro cuarteto en compañia de Gerry Mulligan sustituyendo a Desmond, ya muy enfermo.

Por supuesto, durante estas frecuentes idas y venidas, los hermanos Brubeck no perdieron el contacto. Howard trabajo mucho con la música de su hermano participando en muchas de las grabaciones como instrumentalista de la percusión (la latina “chocola” y las “chimes tubulares”) pero destacando la composición conjunta "Dialogues for Jazz Combo and Symphony Orchestra," presentada por primera vez (1959) en “Carnegie Hall” en una combinación entre el cuarteto y la “New York Philharmonic” bajo la dirección de Leonard Bernstein. Hasta su muerte en 1990, Howard fue el director del departamento de música del “Palomar Junior College” en San Marcos, California, cuyo teatro lleva su nombre.



En 1974, Dave se unió a sus hijos: Darius (teclados), Chris (bajo electrico y trombón bajo) y Danny (batería) en “Brother, the great spirit made us all. Two Generations of Brubeck” (Atlantic records), asistidos por Jerry Bergonzi (saxo tenor y soprano), Perry Robinson (clarinete) y Madcat Ruth (armónica) , ejecutando una amplia variedad de swingeantes melodías con colorido tratamiento.

Art

En los 60's Art Taylor (1929-1995) dio -literalmente- mucha batería. Uno de los conocidos como segunda generación de bateristas que más ocupado se mantenía trabajando en los estudios; ya con Hawkins, ya con Coltrane y muchos otros. Sin embargo, solamente firmo cinco álbumes, de los cuales "A.T.'s Delight" -Blue Note, 1960- fue el tercero, dicen que el más brillante y percusivo(y el de la portada más chula). Gracias en parte a Potato Valdes, se descubre la raíz rumbera con que Monk (cuando no Thelonius) concibió su "Epistrophy", mientras Art se luce con un crispante solo en su "Cookoo and Fungi" (de raíz calipsoniana). En conjunto, un disco nervioso pero con la energía completamente enfocada.

Eddie y James

Fundador del "vocalese" (poniendo solos grabados en palabras), Eddie Jefferson (1918 -1979) sin tener una gran voz, fue uno de los cantantes de Jazz del tope. Empezó como bailador de tap, pero a finales de los 1940's estaba cantando y escribiendo. Una sesión en vivo de 1949 lo encuentra encabezando el vocalese al cantar sus letras a "Parker's Mood" y al solo de Lester Young "I Cover the Waterfront." Sin embargo sus clásicas líricas de "Moody's Mood for Love" fueron grabadas primero por King Pleasure (1952), quien también obtuvo un gran éxito con su versión de "Parker's Mood." Jefferson trabajo con James Moody la década de los 1950's grabando ocasionalmente, pero su contribución al idioma pareció pasar por alto hasta los 1970's cuando volvió a trabajar con Moody y durante sus últimos años actuó con Richie Cole. En las afueras de un club de Detroit un balazo acabó con su vida. Sus grabaciones finales aparecieron en 1999 bajo el nombre de "Vocal Easy".

Este compacto "Return from Overbrook" (1996) de MCA/Chess/GRP, presenta dos LP's completos grabados en los 1950's de James Moody: "Last Train From Overbrook" y "Flute N' The Blues". Sus músicos en la sesión incluyen a Johnny Coles (Trumpeta), William Sheppard (Trombó), Numa "Pee Wee" Moore (saxo barítono), Jimmy Boyd (Piano), John Lathan (Bajo) y Clarence Johnston (batería). "Last Train From Overbrook" es enteramente instrumental, pero tres pistas del "Flute 'N The Blues" - "Birdland Story", "Parker's Mood" y "I Cover The Waterfront" presentan a Eddie Jefferson vocalizando.

El título viene de los turbulentos años de Moody en el "Overbrook" Mental Institution de New Jersey y la música esta embebida con esta jornada redentora de ese horrible lugar.

El Rajah

“Sidewinder” es sin duda el álbum más conocido del trompetista Lee Morgan (1938-1972), aunque muchos conocedores dicen que este “Rajah”, grabado en 1966 y publicado por Blue Note en 1984, es mucho mejor. Especialmente Hank Mobley toca con fineza el saxo tenor. Cedar Walton está espléndido al piano y Lee no sopla con el acalorado registro de costumbre ya que al momento de su grabación se recuperaba del abuso de drogas y estaba débil tocando con precaución. Es uno de los últimos grandes álbumes de Paul Chambers al bajo. Billy Higgins a la batería ¿Qué más se necesita? El LP está fuera de mercado pero afortunadamente Michael Cuscuna de Blue Note reeditó esta gema en compacto en los estudios de RVG.

Jack Wilkins - Guitarra.

Jack Wilkins es un excelente guitarrista e improvisador, merecedor de un reconocimiento más amplio. Ha probado en sus infrecuentes grabaciones como líder que puede codearse con los del tope. Ganó una fuerte reputación durante una larga asociación con la banda de Buddy Rich. Desde entonces, ha grabado como acompañante con Jack DeJohnette, Eddie Gomez, Phil Woods, y los hermanos Brecker, entre otros. Pero han sido sus propias grabaciones para "Mainstream", "Music Masters", CTI y especialmente su par de álbumes esenciales "Chiaroscuro" en 1977, los que permiten apreciar cuán talentoso ha sido Jack.

"Mexico", compacto de 1992 grabado por "CTI", podría ser pasado por alto por los aficionados al hard bop, dada la tendencia del productor Creed Taylor, tanto a sobrecargar una sesión como a volverla un pábulo comercial, pero vale la pena buscarlo. Destacan: "Dailey Double," un blues "up-tempo" con dejo latino y el liricismo del guitarrista se manifiesta en la estándard "You Must Believe in Spring" y en la más breve "My Foolish Heart," en un solo acústico. Phil Woods aparece como invitado en la composición bop "Captain Blued". La célebre "Captain Marvel" de Corea es una miniatura que presenta a Wilkins con el guitarrista invitado Carl Barry.

Smooth Sailing

El accesible toque saxofónico del tejano Arnett Cobb (1918-1989) oscilaba entre el swing y el temprano rhythm & blues. Después de tocar en Texas con Chester Boone(1934-1936) y Milt Larkin (1936-1942), Cobb ingreso a las grandes ligas del Jazz sucediendo a Illinois Jacquet en la orquesta de Lionel Hampton (1942-1947). Su versión de "Flying Home No. 2", continuación de la popularizada por Illinois, se convirtió en un éxito. Después de dejar la banda fundó su propio grupo, pero su carrera se vió interrumpida por un grave accidente automovilístico que le lesionó la espina dorsal. Luego de recuperarse reanudó sus giras pero otro accidente igual lo obligó a usar muletas el resto de su vida.

Sin embargo, en 1959 Cobb retornó a sus conciertos y grabaciones con el interesante álbum "Smooth Sailing". Esta reedición en compacto nos trae de regreso una típica sesión de swing del olvidado saxofonista. El colorido trombonista Buster Cooper parece inspirar a Cobb; y en la sección de ritmos el organista Austin Mitchell, el bajista George Duvivier y el baterísta Osie Johnson muestran sus fuertes dotes para esta música.

Jazz en 1959.

No se ahora, pero en una imaginada blogósfera del Jazz en 1960, alguien por estos días pudo haber escrito en su blog, algo como "Lo que nos dejó el año viejo", mencionando que fue el año con la mejor cosecha de la década. No sólo porque superó el promedio anual de 9 melodías sobresalientes, reportando 16, sino porque con excepción de dos de ellas: "My favorite things" (Rodger y Hammerstein) y "The best is yet to come" (Cy Coleman y Caroline Leight), el resto fueron escritas por los mismos grandes músicos de la época.

Entre ellas, Miles Davis nos legó estas tres joyas:

Mientra que Horace Silver y Jobim nos dejaron un par cada uno:

Otros grandes también dejaron su recuerdo:

Legendario

(1912-1986) fue sin duda uno de los grandes estilistas del piano. Refinado pero robusto; sofisticado pero sin afectación. Desde niño recibió educación musical completa, estudiando además de piano, violín y teoría musical. A los 17 años se mudó de Alabama a Detroit para tocar en bandas locales. Dos años más tarde se estableció en Chicago para trabajar -entre otros- con Armstrong. Luego Nueva York para unirse a la banda de Benny Carter y después a Benny Goodman. Durante la edad dorada del swing estuvo entre los primeros músicos negros en recibir igual pago que los blancos en la Banda, aunque normalmente a signado a presentaciones de ensamble pequeño o pianista de intermedio y raras veces -si alguna-a la gran banda de Benny. Lo mismo que le pasaba al vibrafonista Lionel Hampton. Nada de bandas mixtas en ese tiempo, y el as del clarinete respetaba las reglas. De 1935 a 1942 grabó simultaneamente un puñado de álbumes en solitario para Columbia y creó su propia banda de estudio, invitando democráticamente a tocar a Goodman y otros músicos blancos de su gran banda.

Posteriormente la gran fama de Teddy quedó como acompañante de una cadena de vocalistas femeninas cuya carrera ayudaría a encumbrar a alturas divinas, entre ellas Mildred Bayley, Ella Fitzgerald, Sara Vaughan y Maxime Sullivan; estas dos últimas incluidas en la antologia de Naxos de su sexteto, que como dato curioso incluía en sendas melodías a los bajistas Billy Taylor Sr. y Billy Taylor Jr., homónimos del recien fallecido pianista del Jazz, Billy Taylor Dr.