La Tradición en el Jazz

Más de un libro habrá que de cuenta del origen e incorporación al Jazz de canciones tradicionales que perduran. En este video por ejemplo, un ya maduro Keith Jarret en un concierto en Tokio, parece buscar a Danny Boy en el vientre de su madre, donde seguramente la escucho por primera vez. Y así uno de aficionado también las va encontrando, encariñándose con ellas e incorporándolas a su memoria. En el video final, el Dr. John parece confirmar con fundamento sólido mi modesto sentir al respecto.

Canciones para Recordar

El pasado 26 de abril se cumplieron 26 años del fallecimiento del compositor, arreglista, conductor, director musical y pianista Bronislav Kaper (1902-1983), quien dentro de su larga lista de composiciones para películas, produjo tres que particularmente me gustan: La primera “On green dolphin street” para la película del mismo nombre en 1947, a la que luego se agregó letra de Ned Washigton.

La segunda es “Invitación” para la película “A life of her own", 1950, con letra de Paul Webster.

Y la tercera es “Hi Lili-Hi Lo” para la película “Lili”, 1953, también con letra de Webster.

Lanzando los Blues al Viento

“Blowin' the Blues Away” (1957, portada del diseñador estrella del sello en esa época, Reid Miles e ilustraciones de Paula Donohue) es uno de los álbumes clásicos de todos los tiempos grabado por Horace Silver con Blue Note Records, solamente superado por el anterior “Finger Poppin” en cuanto a su firme, gozosa e infecciosa construcción hard bop. Este álbum marca la cúspide del quinteto clásico de Horace con Blue Mitchell (trompeta), Junior Cook (saxo tenor), Gene Taylor (bajo) y Louis Hayes (batería); es también uno de los más fuertes conjuntos de composiciones originales del pianista, sólo eclipsado por “Song for My Father” y “Horace Silver and the Jazz Messengers”. El ritmo del disco es impecable, transmitiendo diferentes sentimientos con ligeras variaciones del estilo marca Silver que cautiva al escucha de principio a fin. Definitivamente uno de los álbumes más finos del maestro

A continuación el suave swing en “The St. Vitus dance” (pista 2 del álbum) que da a Horace la oportunidad de jactarse con las intermitencias de su trío.

Otra de Arreglos

En una carrera musical de más de seis décadas, el pianista, trompetista, pero sobre todo arreglista Quincy Delight Jones (Chicago 1933), aunque conocido por su primer nombre ha hecho honor al segundo. Se ganó una reputación como hombre del renacimiento musical de la música norteamericana, distinguiendose como líder de banda, solista, acompañante, escritor de canciones y temas para el cine, productor y ejecutivo de firma disquera y escritor de libros. Una mirada rápida a unos pocos artistas con los que ha trabajado, sugieren la notable diversidad de su carrera: Miles Davis; Frank Sinatra; Count Basie; Tommy Dorsey; Cannonball Adderley; Dinah Washington; Lionel Hampton Orchestra (donde toco junto con Art Farmer y Clifford Brown); Lesley Gore; Michael Jackson; Peggy Lee; Ray Charles; Paul Simon y Aretha Franklin. Fue el arreglista de Dizzy Gillespie en la Banda Internacional Naciones Unidas.

En 1962 incursionó con su Big Band en La Bossa Nova con el álbum de la portada (de Sung Lee). Un subproducto de la moda que había creado dicho ritmo después del éxito alcanzado por la famosa grabación de Desafinado (Getz/Gilberto),en este álbum se encuentra a Quincy utilizándolo y explotándolo con sus arreglos para Big Band. El personal incluye al Trompetista Clark Terry, Phil Woods (saxo alto), Lalo Schifrin (piano), Jim Hall (guitarra) y la remarcable participación de Rahsaan Rolan Kirk (flauta). Como el mismo Quincy dice “Sin ser mi mejor disco es disfrutable. Y agrega “su influencia (de la Bossa) será duradera”

Benny

Motivado por la última entrada del blog de Esther Cidoncha sobre el saxofonista Benny Carter con magníficas fotos de 1994., revisé mis discos para ver si encontraba algo del maestro. No tengo nada de Benny como líder, pero me reencontré con el excelente compacto “The more I see you” firmado por el pianista Oscar Peterson (Telarc, 1995) acompañado, como no, por Carter y por los también maestros de sus respectivos instrumentos: Clark Terry (trompeta) y Ray Brown (bajo). Lorne Lofsky (guitarra) y Lewis Nash (batería) complementa al grupo de estrellas.

Fue el primer disco grabado por Peterson después de sufrir un severo ataque al corazón en 1993, cuando se temía que no volvería a tocar profesionalmente, pero con dos años de terapia intensiva el maestro regresó para sonar casi como en su mejor forma; y Benny a sus 87 años suena como en 1940, cuando ya se pudo haber retirado como una leyenda del Jazz; y Clark a sus 74 años prueba ser uno de los más finos trompetistas (con más de 70) de todas las épocas, mientras Ray, un año más joven (68) que Oscar, despliega su típica energía ilimitada (en algo nos parecemos).

“Yo estaba allí sentado, temeroso y admirado” relata Oscar cuando se le pregunta sobre los dos días de grabación. ¿De qué? “Ver a Benny y a Clark y oir esos sonidos viniendo de ellos, siempre me impresiona”.

Por problemas para cargar algunas melodías de dicho álbum, sólo incluyo un par de videos más o menos de ese tiempo en Europa (Varsovia y Paris.

Jerome firma la paz

El año 1936 encuentra a Jerome Kern trabajando junto con la letrista Dorothy Fields en la perdurable película de Fred y Ginger “Swing Time” dirijida por George Stevens, que produjo éxitos como la memorable “The way you look tonight” que a vez fuera después incluída en las siguientes películas:

· Chinatown (1974)
· Hannah and Her Sisters (1986) Carrie Fisher
· Alice (1990, Erroll Garner)
· Father of the Bride (1991, Steve Tyrell)
· Father of the Bride Part II (1995, Steve Tyrell)
· Deconstructing Harry (1997, Erroll Garner Trio)
· My Best Friend’s Wedding (1997, Tony Bennett)
· National Lampoon’s Vegas Vacation (1997, Gary LeMel)
· Love’s Labour’s Lost (2000, Geraldine McEwan, Richard Briers)
· Manna from Heaven (2002, Shirley Jones, Buffalo Philharmonic)
· Anything Else (2003, Billie Holiday, Teddy Wilson and His Orchestra)
· What a Girl Wants (2003, Oliver James)



Incluía tambien la melodía “A fine romance”.



Regresó Jerome con Hammerstein a Broadway en 1939, para su último show “Very warm for may” (un fracaso comercial) que produjo la que se conoce como la pop/estándar de construcción perfecta “All the things you are”, con la cual según el crítico Gary Giddins en su artículo para la revista Village voice titulado El Jazz hizo la paz con Jerome Kern: “Charlie Parker aseguró el lugar de “All the things you are” como una estándard del jazz en 1947 con su “Ave del paraíso”.



La melodía es tema en las siguientes películas:

Broadway Rhythm (1944, Ginny Simms)
Till the Clouds Roll By (1946, Tony Martin)
Because You’re Mine (1952, Mario Lanza)
Fallen Angels (1998, Chet Baker)



Finalmente, Jerome deja para la posteridad otra memorable:

Ayeres

Jerome David Kern (1885-1945) compositor (y pianista) de canciones populares, que sin duda influenció la trayectoria del Jazz desde el momento en que regresando de Alemania, donde estudió (después de haberse formado en escuelas públicas de N.Y.) su maestría en música en la Universidad de Heidleberg, interpoló en un show musical de Broadway (The girl from Utah-1914), la primera de las muchas canciones que compuso (“They dind’t believe me”) en 1,911 cuando tenía apenas 19 años.

Pero la coronación del éxito de Jerome fue con “Showboat” en 1,927 (letra de Hammerstein II). El musical fue un hito en la historia de Broadway porque trataba seriamente el racismo y presentaba un elenco racialmente mixto. Contenía la siempre presente “Ol’ man river”

En 1,932 de nuevo con Hammerstein y la canción “The song is you” para la obra “Music in the air”.

Un año después con Otto Harbach la canción que titulaba la obra “Roberta” que luego se convirtió en la inolvidable “Yesterdays” y posteriormente fue llevada al cine. De ahí también la clásica “Smoke gets in your eyes”.

Y aquí nos quedamos por hoy con Jerome, porque el tema da para más, más, pero mucho más, acercándose al Jazz.

Herbie

El flautista Herbie Mann (1930-2003) tocó una gran variedad de música a lo largo de su carrera. En los años 60’s se volvió muy popular, pero en los 70’s se sumergió en el pop y en varios tipos de “world music” que pareció haberse perdido para el Jazz.

Sin embargo, Herbie nunca perdió su talento para improvisar creativamente como lo atestiguan sus más tardías grabaciones.

En 1959 formó el sexteto Afro Jazz que en 1960 hizo una gira por Brazil de cuya música fue un enamorado.

Las Puppini

Modernizando la armonía vocal pop de grupos de los años 30’s y 40’s como “The Andrew Sisters”, el grupo londinense “The Puppini Sisters” tomó el nombre de su fundadora, Marcella Puppini (le del medio) nativa de Bologna y radicada en Londres desde 1990, adonde llegó para estudiar modas y termino sumergida en la escena musical. En 2003 obtuvo un grado musical en Trinity College of Music. El Jazz se volvió su pasión y formó su propio cuarteto. Para lo de las Puppini reclutó a las vocalistas Stephanie O’Brien y Kate Mullins, tomando la idea de la película “The triplets of Belleville” con la colaboración del productor Benoit Charest que había hecho el soundtrack. Debutaron con el álbum “Betcha botton dollar” (Verve-2007) y en 2008 el de la portada abajo. Bonito grupo a la moda retro, para los momentos de nostalgia.

Cassandra

Cuando la mayoría de cantantes de Jazz hacen estándares, ellas vienen del cancionero clásico americano, aquellas populares de una era ya ida, generalmente creadas por nombres tales como: Gershwin, Lerner & Loewe, Rodgers & Hammerstein, Sammy Kahn; Johnny Mercer y muchos otros. Cassandra Wilson no es una vocalista cualquiera del Jazz, y su catálogo de Blue Note –sello con el que ha estado desde 1993- lo prueba más alla de una sombra de duda. Wilson ha explorado su profundo amor por el jazz y blues cubriendo a muchos, de Robert Johson a Miles Davis, pero a lo largo del camino también ha cubierto tonadas de compositores modernos que han sacudido las carteleras populares en los últimos treinta años, y aquellos que aún siguen en ellas. “Closer to you. The pop side” ( 2009), es una colección retrospectiva que ve este lado de la compleja personalidad musical de Cassandra que ofrece 11 canciones de sus álbumes de Blue Note, de diferentes géneros musicales (rock, pop y soul), ejecutadas a su manera, entre ellas una de las más mágicas versiones de la folk “Wichita lineman” de Jim Webb, la vernácula soul “Lady lady lay” de Bob Dylan y el rock setentero “The last train to Clarksville” de Boyce y Hart.

Sonny Clark Trío

Igual que Fats Navarro y Charlie Parker antes que él, la vida del pianista Conrad Yeatis “Sonny” Clark (1931-1963) fue corta pero de gran intensidad musical. No obstante haber sido influenciado profundamente por Bud Powell, desarrolló una intrincada sensibilidad armoniosa para el “swing” duro, llena de matices y detalles. Visto como la quintaesencia del “hard bop” en el piano, nunca obtuvo ese derecho en vida, a pesar de que como muchos arguyen, nunca tuvo una mala sesión de grabación, ni como acompañante, ni como líder. Es reconocido principalmente por siete grabaciones con el sello Blue Note que incluyen luminarias como John Coltrane, Art Farmer, Donald Byrd, Jackie McLean, Hank Mobley, Art Taylor, Paul Chambers, Wilbur Ware, Philly Joe Jones y otros.

Una de estas grabaciones es “Sonny Clark Trío” de 1957, ahora disponible en compacto. Lo acompaña el bajista Paul Chambers y el baterista Philly Joe Jones. Pegado a las estándares del bop, Clark toca esencialmente su versión de Powell, tallando su propio acercamiento a ese influyente estilo.

Bob James Trio

Bob James (1939) es un pianista ahora conocido por sus grabaciones en el smooth pop jazz, tanto con su grupo de fusión “Fourplay” como colaborando con el guitarrista Earl Klug o con el saxofonista David Sanborn. Sin embargo, su primer álbum “Bold Conceptions” (Mercury-1962), producido por Quincy Jones como premio por ser el ganador del “Collegiate Jazz Festival” cuando tenía 22 años , es de un enfoque eminentemente bop. Desde el inicio con una ejecución poderosa de “A moment’s notice” queda claro que no es el Bob de estos días. El trio constituido por Ron Brooks (percusión) y Bob Pozar (batería, “slide whistle” y “tape machine”) se ajusta al variado y ambicioso material seleccionado para el álbum, que incluye una etérea “Nardis” y una sola balada: “Fly to the moon”, con un sensitivo tratamiento. Incluye también 2 originales de James, entre ellas “Trilogy”, impresionista y retadora con la inclusión de pelotas de golf y otros artilugios. Incluye 2 bonos: “softly as in a morning sunrise” y “ Ghosts riders in the sky” que no está claro si fueron parte de la sesión original. El diseño de la portada es de Sung Lee.

Boogie Woogie

Se sabe que en la zona del delta del Missisippi o en Texas, hacia finales del siglo XIX y principios del XX, en los bares conocidos como barrelhouses los pianistas que por lo general se limitaban a acompañar a los cantantes desarrollaron una manera rápida y puramente instrumental del blues con el objetivo de hacerlo bailable. En medio del bullicio de estos antros sus inventores crearon efectos hipnóticos a través de sus ritmos rápidos, melodías repetitivas en contrapunto con bajos también repetitivos y una armonía que nunca se separaba de la tonalidad original. Le llamaron Boogie woogie. Un estilo musical funcional básico y sencillo. Uno de los testigos de su nacimiento fue el extravagante y refinado pianista Jelly Roll Morton que no apreciaba mucho este estilo popular. Pero así y todo continuó con sus octavas galopantes y durante los años que mediaron entre las dos guerras mundiales, con las migraciones internas provocadas por razones económicas, sociales y culturales tres ciudades del norte de EE.UU : Chicago, Kansas City y St. Louis acogieron la mayor cantidad de pianistas y de músicos en general, conformándose las principales escuelas. De toda la primera generación de pianistas que trabajaron en Chicago, es reconocido Meadow “Lux” Lewis”, procedente de Alabama quien tiene el mérito de haber compuesto hacia comienzos de los años veinte el tema "Honky Tonk Train” donde imita el sonido de una locomotora y que fue considerado como el inicio del Boogie Woogie. El más famoso “Pine´s top boogie woogie” compuesto y grabado por el pianista Pine Smith. Luego el estilo derivó en el baile llamado “Stomping”.

Curiosamente, al iniciar la segunda guerra mundial, escapó de Holanda a Nueva York, el pintor Pieter Cornelius Mondriaan(1872-1944), líder en el desarrollo del arte abstracto moderno, seguidor de Picasso y Cezzane, un adicto al baile que deleitado con la arquitectura de la ciudad y fascinado por el jazz americano, particularmente el Boogie Woogie, lo relacionó con su propia pintura que definía como: “destrucción de la apariencia natural; y construcción a través de la contínua oposición de medios puros, de un ritmo dinámico”. Como síntesis de este tema en su pintura quedó su “Victory Boogie Woogie” (1942-44 inconcluso) donde sus franjas de trastabillantes impulsos cromáticos, senderos rojos, amarillos y azules interrumpidos por grises brillantes sugieren el entramado de la ciudad y el movimiento del tráfico, mientras que la vibración de los colores evoca la sincopación del jazz y el parpadeo de las luces de Broadway.

Me gusta pensar en esta portada del diseñador James Flora para el álbum “This is the Benny Goodman Orchestra” como una influencia del trabajo de Piet.

Portada en Jazz de Sinatra

El pianista Oscar Peterson como un tributo a Frank Sinatra toca con su trío (Ray Brown-bajo y Ed Thigpen-batería) una docena de canciones asociadas con el cantante en versiones facilmente audibles y con una duración menor a los 6 minutos. A la sazón se trata de un álbum (A Jazz Portrait of Frank Sinatra) del sello Verve grabado en 1959 y publicado en 1962. No es uno de los esenciales del trío pero tiene swing y se disfruta.

¿Puede la Dama Cantar?

Nacida en 1977, Jane Monheit creció en Oakdale, Long Island. Cuenta que a los dos años ya cantaba “Somewhere over the rainbow”. Su tía y su abuela eran cantantes profesionales. Su hermano, guitarrista de rock, su padre toca el banjo en la música bluegrass y su madre estuvo en el teatro musical. En el colegio, Jane estudió clarinete y teoría de la música. A temprana edad se dió cuenta que lo suyo era el Jazz. Reconoce como su principal influencia a (cuando no) Ella Fitzgerald. Y así, a los 17 años inició su entrenamiento vocal formal en la prestigiosa Escuela de Música de Manhattan, con Peter Eldridge fundador y miembro del grupo vocal “New York Voices”.
A los 20 (1998) ganó el premio alternativo de la competencia vocal que organiza el Instituto Thelonius Monk (el primer premio fue para la legendaria Teri Thornton, quien regresaba a sus 64 años convaleciendo de un cancer), donde la escuchó Carl Griffin, jefe de artistas y repertorio de la compañia multimedia N2K (también impulsador de Diana Krall) y le ofreció conseguirle un contrato al finalizar sus estudios. Esto la llevo a dejar sus actuaciones en cabarets locales y de Zurich, para firmar con el sello “N-Coded Music” haciendo su debut con el compacto “On never never land” (2000) acompañada en 10 baladas angelicales y conservadoras que ilustran su emergente talento musical, por figuras del Jazz como: Kenny Barron, Ron Carter, Lewis Nash, Bucky Pizzarelli, Hank crawford y David “Fathead” Newman.



Al año siguiente vendría “Come dream with me” con varias estándares, tan valorado como el primero, donde su crecimiento seguía siendo evidente. Siguió con “In the sun” (2002); “Taking a chance on love” (2004); “el navideño “Season” (2005) y “Surrender" (2007).

En términos generales, puede decirse que ha habido mucho aspaviento acerca de la cantante, pero es dificil determinar de que se trata. Se dice que en persona, ella es menos núbil (lejos está su primer noviazgo con un “Jazzmen” en el colegio) que lo que sugieren las portadas de sus compactos. Parece más “rubeniana” que sílfides, lo cual no es necesariamente malo, pero un tanto decepcionante, especialmente considerando la atención que ha ganado su “look” en las revistas, que sin embargo consideran que la también joven cantante Claudia Acuña va un paso adelante.

El eterno compañero Tarzán puede estar tranquilo: De que la dama canta, canta. En 2009, lanzó para el sello “Concord Records” "The lovers, the dreamers and me" . Escúchela y dele su parecer al rey de los monos.

Flora

Influenciada tanto por las cantantes tradicionales brasileñas como por la improvisación de divas del Jazz (Ella Fitzgerald o Sara Vaughan), Flora Purim (Rio de Janeiro-1942) fue una de las más aventureras cantantes de los 70’s. Después de casarse con el percusionista Airto Moreira, ambos se mudaron a los U.S a finales de los 60’s. habiendo grabado “Barquinho de papel” para RCA Brasil en 1964. No obstante haber trabajado con Stan Getz y el pianista Duke Pearson antes que terminará la década, fué hasta que se unió con Chic Corea, Joe Farrell, Stanley Clark y Airto en el grupo original “Return to Forever” en 1972, cuando fue reconocida en ese país. Se mostro como una promesa en los clásicos del grupo: “500 miles High” y “Light as a Feather”.

Y sobrevivió a ello para lanzar su primer solo “Butterfly dreams” en 1973. En 1976 grabó “Encounter”, quizás su álbum más fino; y ese mismo año parece invadirle la nostalgia y rendirse con “Nada será como antes”.

En los años 80’s su trabajo fue errático y dispar, oscilando entre lo superior y lo decente. En los 90’s casi no grabó pero continuó siendo estimada en los circulos de jazz del Brasil. Todas estas grabaciones fueron para el sello “Milestones”.