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Es curioso, pero Vincent Herring ( Kentucky, 1964) logró su primer reconocimiento importante tocando con Nat Adderley (siendo su ídolo y mayor influencia su hermano Cannonball Adderley), no obstante haber acompañado antes a músicos importantes (Lionel Hampton, David Murray, Horace Silver, y Art Blakey) , de 1983, cuando se mudó a Nueva York a 1987 al unirse a Nat, con quien permaneció hasta 1992, dejándolo para formar sus propios grupos y grabar varios discos para “Landmark”.

Siguiendo los pasos de “Cannon” incursionó (1999) en la música brasileña, con un grupo integrado por Duduka Fonseca (batería); Gary Fischer (piano); Romero Lubambo (Guitarra Acústica) y Nilson Matta (bajo).

Un verano del 62

Los saxofonistas Paul Desmond (1924-1977) y Gerry Mulligan (1927-1996) ayudaron a definir lo que se conoce como Cool Jazz, con sus tonos suaves, casi sin vibración –luminoso y displicente el alto de Desmond; mullido con susurros bruscos el barítono de Mulligan -.

También comparten un gusto ilimitado por el contrapunto improvisado; y esa es la característica que define estas 3 sesiones del verano de 1962 en los estudios de “Bluebird” -reeditado por RCA en 2003-, desde el tema inicial "All the Things You Are" con Mulligan haciendo eco del lider, hasta "The Way You Look Tonight," (pista 5 de 6), tema que emerge gradualmente de Desmond, casi como una fuga improvisada.

En suma, el álbum es una recolección de los mejores elementos de dos de los más populares y musicalmente exitosos grupos de mediados de los 50’s (Paul en el cuarteto de Brubeck y Gerry con Baker en el suyo), donde ambos juegan y confunden al escucha desprevenido con las melodías (al tenor de la pista 4 ”Blight of the fumble bee”, el álbum bien puede ser nombrado como “Mind of blue” o algo así), pero tomarlo con calma, que los maravillosos contrapuntos invertidos y los fluídos solos, valen la pena.

Acompañan: John Beal y Wendell Marshall (bajo); Connie Kay y Mel Lewis (batería).

En el "Cantare"

La cita de este dueto en el “Club Cantare” de Boston en octubre de 1989, muestra el profundo sentimiento del blues y la maestría técnica de Archie Shepp(1937) con el saxo tenor. Conteniendo cuatro estándares - 'Things Ain't What They Used to Be,' 'Body and Soul,' 'Pannonica,' y ''Round Midnight' – el directo, grabado por “Enja Records” frente a una considerable audiencia, es uno de los más disfrutables de Archie. Las razones son muchas, pero gran parte se debe al fluido bajo de Richard Davis (1930). Shepp excava profundo dentro de su propia historia llena de influyentes saxo tenores – desde Eddie 'Lockjaw' Davis a Sonny Rollins y John Coltrane-, emergiendo un tal vez no buscado sonido comparable, a la par, jugoso y cálido, pleno de sutiles emociones, sin faltar los tristes balidos en la hondura del blues.

El sentido del tiempo y la melodía en Davis es rayano con lo increible en la pieza de Green/Heyman que nombra el álbum. El intercambio entre el dúo es sabroso, como viniendo de elementos fragmentarios de los cambios que acostumbraba Monk; ambos moviéndose alrededor de la lírica en esta inquietante versión -que ofrece una lectura completamente diferente a la que definió Coleman Hawkins en 1939-, en sus más de 17 minutos de duración. Pero es de Ben Webster de donde parece venir el sentimiento del blues de Shepp en el inolvidable tributo de Thelonious a la baronesa mecenas, y de “Lockjaw” su calidez, humor y elegancia.

Un especialista

Portada: Jan Nigro. Mina abandonada IV. (Circa 1964). Colección Fletcher.

Hay un cierto “halo” misterioso sobre el origen de este cerebral músico progresivo, pero se sabe que después de haber estado en Atlanta, Israel, Alemania y Rusia, apareció por Nueva York en 1991 (justo el año en que el vibrafonista Roy Ayers grabara su directo “Searchin’ ”, donde Ronny Scott), estudiando en el “New School for Social Reseach Jazz and Performance program”, de donde egresó como un consumado tecladista y especialista en el órgano Hammond b-3 y un gran espíritu de investigación que lo llevó a continuar el homenaje al “Duke” con este álbum debut en 1998, cuando tenía 25 años y ya fogueado en los pequeños bares subterraneos del “Greenwich Village” y los más “funkys” del “Upper West Side” adonde los “Young lions” de la “gran manzana” van religiosamente a retroalimentarse.

El álbum contiene varias originales de Sam (muy íntimas), pero como aficionado estándar me quedo con la de Ellington que lo nombra; “Never let me go” de Evans (Ray); “Raining on the Rosebush” (A.K.A.” Double rainbow”) de Jobim y “A sleepin’ Bee” de Arlen y Capote.

Tributo a la "Voz"

Como miembro de la “Voice´s Band” en la última parte (6 años) de la carrera de Frank Sinatra, el poco conocido saxofonista Mike Smith (Kentucky, 1938), de confesada influencia “adderlyana”, quedó fascinado con su repertorio, estilo y fraseo.

Determinado a la aplicación extrema de los principios de “La Voz” a su saxofón (alto y barítono), se dice que, con ese propósito y conociendo el temperamento italiano del maestro, llegó incluso a ponerse en contacto con un afamado profesor de la “Accademia Internazionale di Canto” en Urbino, PU.

Al final de las cansadas, cuenta el mismo Mike que, absorto en el tema, sentado en la grada de la puerta de su casa, trató de figurarse que es lo que hace de una canción, una canción Sinatra; y que, recordando todas esas noches que acompañó a Frank, llegó a la conclusión que es magia, pura y simple la que subyace en el modo encantador de darle forma a una canción, a voluntad , rápida, lenta o elocuentemente, dependiendo de cómo se sentía en un momento dado.

Oyendo de nuevo este disco (Delmark, 1995), me pareció escuchar algo de esa magia. El “swing” en “I get a kick out of you” o la emoción cruda y bellamente expresada en la balada “Angel eyes.

Para complementar

La última entrada del blog de Esther Cidoncha dedicada al pianista y compositor Kenny Barron, me recordó otra de hace un par de años publicada por “millass” en su blog, referente a dos conciertos memorables de Kenny con Stan Getz, que tituló “Ultimo Viaje a la Primera Canción”, la cual transcribo y le agrego unas melodías para complementar y compartir un poco.

“ Unos amigos guatemaltecos me solicitan “Voyage”, tema de uno de los mejores directos de Stan Getz. Coincidía justo su 60 cumpleaños cuando celebraban un concierto en la legendaria catedral del jazz europeo: el Café Montmatre de Copenhague. “Voyage”, compuesto por Kenny Barron, puede ser representativo de este memorable concierto del que no se puede hablar sólamente de Stan como figura sobresaliente. Los cuatro músicos están igual de finos, fantásticos. Si el mejor saxo tenor de la historia del jazz nos ofrece su maestría en una perfecta ejecución y sonido inconfundible, Barron nos da una auténtica lección pianística en cada una de sus manos y un sólo para nunca olvidar, la elegante inventiva de Rufus Reid al bajo y el inmaculado espacio marcado por la batería de Víctor Lewis, nos sumergen en un poderoso conjunto donde no faltan sabrosos amagos de cortes precisos y continuidad”.

“Cuatro años después y en el mismo Café, Stan Getz y Kenny Barron harían un dúo que quedó registrado bajo el título de People Time. Este mítico concierto recoge los catorce temas que conforman la obra póstuma de Stan Getz que moriría de cáncer tres meses después. Por mi parte dedico este emotivo “First Song” a mis amigos como colofón de ese último viaje a la primera canción emprendido por dos amigos y compañeros: Getz y Barron”.

No más palabras

En 1994, el pianista Jon Weber (Milwakee MI, 1961), que acababa de grabar su álbum debut como lider (Jazz Wagon), salió de gira causando una fuerte impresión y un gran potencial (se dice que sabe ejecutar con brillantez más de 20,000 canciones); pero a su regreso a Chicago, a pesar de tocar localmente, regreso a la oscuridad. Casi una década después, “Simple Complex” (2ndCentury Jazz Records) no sólo muestra la calidad de su piano sino también un largo repertorio de músicos notables, entre otros Gary Burton, Eric Alexander, Avishai Cohen, Diego Urcola y Roy Hargrove. Con este último al fliscorno interpreta el mejor tema del disco: la balada "No More Words".

Centenario

Si Lester Young estuviera vivo hoy, cumpliría 100 años dentro de 10 días, pero la verdad es que, lamentablemente, este saxofonista tenor de vanguardia murió hace un poco más de 50 años, en marzo de 1959, y ya entonces hacía 13 años que había grabado para el productor Norman Granz (Cleff Records) junto con Nat King Cole (piano) y Buddy Rich (batería), 8 pistas memorables: 01 Back to the Land (Lester Young), 02 I Cover the Waterfront (John W. Green/Edward Heyman); 03 Somebody Loves Me (George Gershwin/B.G. De Sylva/Ballard MacDonald); 04 I've Found a New Baby (Jack Palmer/Spencer Williams) ; 05 The Man I Love (George Gerschwin/Ira Greschwin); 06 Peg o' My Heart (Fred Fischer/Alfred Bryan); 07 I Want to Be Happy (Vincent Youmans/Irving Caesar); y 08 Mean to Me (Roy Turk/Fred E. Ahlert).

En 1994, los resultados de este clásico encuentro, fueron reeditados por el sello “Verve” (también de Norman) en el disco compacto “Lester Young Trío”. La grabación tiene un poco de “scratch” pero las actuaciones en sí, son lo suficientemente buenas, como para contradecir la opinión casi generalizada entre los críticos, de que el producto de posguerra de Lester fue de poco o ningun valor. El disco incluye también 2 “bonus tracks”: "Sweet Lorraine," y "Rosetta", que son parte del primer disco firmado por el saxofonista tenor Dexter Gordon, grabado dos años antes que el de Lester (1944) , acompañado por Harry "Sweets" Edison (trompeta); Clifford Owens (batería) y Red Callender o Johnny Miller (doble Bajo). Lester no aparece para nada en estos cortes, pero si Cole, y su inclusión es para ilustrar la tremenda influencia en Gordon - que efectivamente, en ese tiempo sonaba muy parecido a Young, cuando todavía tocaba “swing”, pero no con el estilo propio que desarrolló más tarde, llegando a ser, él mismo, una influencia.

El límite de Arlen

El legendario compositor Harold Arlen (nacido Hyman Arluck en Buffalo, N.Y , 1905 y fallecido en la Ciudad de Nueva York en 1986) se fascinó desde niño con el “Ragtime” y mientras tocaba piano y cantaba en la sinagoga de su padre, también era miembro y arreglista de la orquesta local “The Buffalonians”. Luego fue atraído por las luces de la gran ciudad, donde trabajó como arreglista de la orquesta de Fletch Henderson, acompañante de cine silente, radio y teatro. Se dice que un murciélago, divisado mientras practicaba, inspiro su primer éxito “Get Happy” al cual le puso letra Ted Koehler con quien compuso 8 revistas musicales para el Cotton Club, incluida la composición (casi un himno interpretada por Billie Holiday) “Stormy weather”. Pese a que en 1930 se mudó a “Hollywod” (“Over the rainbow” de la película “El Mago de Oz” es quizás la más conocida) siguió componiendo para el teatro de “Broadway” con letristas como Dorothy Fields, Ira Gershwin y Johnny Mercer.

La lista de realizaciones e inolvidables éxitos es asombrosa, como lo es también la lista de músicos del Jazz y el Pop (en su amplio espectro) que lo han interpretado y seguramente lo seguirán haciendo.

Como en el título de su musical para Fred Astaire, Harold pareció fijar límites en el cielo.

Les Paul.

Hoy murió el guitarrista Les Paul (94 años), considerado el inventor de la guitarra eléctrica, quien tuvo una influencia enorme en el modo en que la música popular norteamericana suena hoy en día. Su aporte a la música de Jazz también fue significativa.

Descanse en paz .

AKA

Conforme te vas aficionando al Jazz van surgiendo inquietudes, quizás dignas de mejores causas, tal el caso que motiva esta entrada: el uso de la sigla AKA (Also Known As; también conocida como) en muchas canciones. Así, de pronto te ves averiguando porqué esa linda “Stairway to the stars” - que tanto te gusta interpretada suave y romanticamente por Bill Evans Trío (Chuck Israel al bajo y Paul Motian a la batería) en 1962 (Moon beams, Riverside, primer disco grabado después de la trágica y temprana muerte de su genial bajista Scott LaFaro), 27 años después de que la compusiera Matt Malneck y Frank Signorelli y le pusiera letra Mitchell Parish (se asume que ya sabes quienes son, de lo contrario, sigues sumando inquietudes)-,
se llama también “Park avenue fantasy”.

Y viene a resultar que la composición del violinista Malneck y el pianista Signorelli, es un trabajo extenso que, en efecto, fue nombrada primero así, por “Victor Records” para la interpretación de Paul Whiteman y su orquesta en 1934, y que fue publicada el siguiente año por “Robbins Music” como “A modern composition for piano” (aquí, no alarmarse, podría surgir la inquietud de averiguar algo sobre el comportamiento de la industria de fabricación de pianos en la época), cuya parte final fue grabada y llevada al número uno de la cartelera de éxitos por la orquesta de Glenn Miller en 1939, como la “Stairway” que tanto te gusta.

Como al principio todo cuesta y con la esperanza de que una próxima averiguación de esta naturaleza no presente tantos “AKAS”, mejor te quedas por el momento con el maravilloso arreglo del maestro Evans, de la melodía Hi Lil’ Hi Lo’ (también te toca tanto) de Bronislaw Kapper, a la que unicamente agregó entre parentesis “for Ellaine”, que sólo te deja (por el momento) la inquietud de saber quien era ella (y una leve sospecha de que podría ser la dama de la portada), habida cuenta que ya sabes que no es “Eliane”.

Disyuntiva

Eugene James Martin nacido (1938) en Capitol Hill, centro histórico del Distrito de Columbia, hijo un músico de Jazz itinerante, al morir su madre en 1942 cuandó alumbró a su hermano Jerry, fue puesto junto al recién nacido al cuidado de una casa de adopción - de la cual escapó cuando tenía 6 años por lo que fue internado en un reformatorio- y finalmente pasó el resto de su niñez en la granja de sus padres adoptivos, donde mostro precoces cualidades para dibujar retratos y paisajes y también para tocar el bajo y el trombón en la banda infantil local de rhythm & blues “The Nu-tones”. Terminada la escuela elemental(con algún retrazo a sus 21 años) Eugene ponderó sí volverse un músico de tiempo completo o un artista visual.

Optó por lo segundo, atendiendo la “Corcoran School of Art” de 1960 a 1963, donde le fue otorgado el título de “professional fine arts painter”. Hasta su muerte en 2005, consideró la integridad artística su única guía y no se adhirió a ningún movimiento o escuela de arte en particular, permaneciendo un individualista cuya obra desafía las categorizaciones.

Como recuerdo de sus dos pasiones, queda este video de su exposición “Polygraph” (1968) montado por su viuda.