En los 1960s, desilusionada de la escena musical, Ernestine Anderson (Texas, 1928) -en 1958 considerada por la revista "Time" como la mejor voz nueva en el negocio- la abandonó por completo. En 1971, dedicada a la práctica del budismo, recuerda que cantaba especie de oraciones rogatorias para lograr el álbum que le permitiera volver. Por esos días recibió una llamada del saxofonista Benny Carter invitándola a cantar en la grabación de un ambicioso proyecto de estrelas patrocinado por el compositor Bob Friedman. Fue el inicio de su renacimiento. Carter definió su estilo como "honesto y natural, sin tratar de imitar a nadie más que a ella misma".
En 1987, celebró su debut en Concord Records con el álbum "Be mind tonight". La asociación con la disquera había ya producido una cadena de finos álbumes. "Este es un disco que quería grabar desde hace algún tiempo y cuando escuché la posibilidad de tener a Benny, lo sentí como un honor y me emocioné mucho" dijo Ernestine. Y es que la cantante y el alto saxo hacen una combinación perfecta en el evocativo paisaje de "Domingo en Nueva York", mientras que en el no menos evocativo "Londres por la Noche", ciudad donde vivió dos años, Anderson abre con la meloza riqueza de su voz fijada por el super bajo de Ray Brown. Acompañan también: Marshall Otwel (piano), Ron Eschete (guitarra) y Jimmie Smith (batería).
“On Green Dolphin Street” fue introducida como tema principal de la película de MGM (1947) del mismo nombre, basada en el libro de la novelista británica Elizabeth Goudge (1944) "Green Dolphin Country", de poca aceptación por la crítica de la época. Dos densas horas con veinte minutos protagonizadas por Lana Turner, Van Heflin, Donna Reed, Richard Hart y and Frank Morgan en Nueva Zelanda. Tiene de todo, mucho quizá para una sola película: conflictos familiares, triángulo amoroso, un tsunami, phatos y bhatos (sea eso lo que sea). Ganó el premios de la academia por efectos visuales y de sonido. "On Green Dolphin Street" es también el título de una novela de 2003, escrita por Sebastian Faulks, en la cual la heroína escucha a Miles tocando la canción como fondo, cuando ella se muda al "Greenwich Village" (NY) en 1960.
En 1947, con una cadena de canciones exitosas y temas de cine tras él, Bronislau Kaper fue contratado para escribir la pista de sonido de la mencionada película. Sorpresivamente, el tema no fue un éxito inclusive con la letra de Ned Washington. Sería una década después de la grabación de Miles, cuando se establecería como una clásica del Jazz. Versión definitiva a paso lento cortesía de Davis con trumpeta muda, John Coltrane al saxo y Bill Evans al piano.
El hermano más joven de Nat King Cole (aquí al lado) y tío de Natalie Cole, el cantante /pianista Freddy Cole suena muy parecido a su celebrado hermano, pero tiene una personalidad propia (no sé si puede ser de otra manera). Cole, cuya vocalización tiende a ser un poco más oscura y ruda, empezó tocando el piano a los cinco años de edad. Estuvo interesado en jugar futbol americano profesionalmente, pero decidió seguir una carrera musical después que una herida grave en la mano terminó con sus ambiciones de atleta. Cosa buena, porque no lo ha hecho nada mal, hasta ahora a sus 78 años. Cole debutó en 1952, con el single "The Joke's on Me" En los 60s y 70s, trabajó con varias disqueras y en los 80's fundo su propio sello, "First Shot". Actualmente se ha acercado al pop suave grabando éxitos hechos famosos por Smokey Robinson, Bonnie Raitt, y Van Morrison entre otros.
Un día de Abril 1935, Duke Ellington y su orquesta introdujo “In a Sentimental mood.” Grabada en el sello Brunswick y presentando a Otto “Toby” Hardwick (alto saxofón), ya en julio la composición trepó a los primeros puestos de la cartelera pop. La melodía gozó una ola de popularidad en los 30's, sobre todo una versión de Benny Goodman y su orquesta en 1936. En la era de la radio, fue el tema de por lo menos nueve shows. A pesar de que el Duke tiene el crédito de la música, Ervin Mills y Manny Kutz de la letra, se dice que Toby debería ser reconocido más alla de su performance introductoria. Esto porque en la biografía de Ellington, James Lincoln Collier comenta que las ideas centrales de casi todas sus canciones, se originaron en la cabeza de alguien más. Entre otras señala “Sophisticated Lady,” y “Prelude to a Kiss” como adaptaciones de melodías de Hardwick. Quien sabe, pero más allá de todo ello, hay pocas dudas sobre la versión definitiva.
Con música de Morgan Lewis y letra de Nancy Hamilton, "How High the moon" se estrenó en el musical de broadway "Two for the Show" en 1940, permaneciendo 124 noches en la cartelera del "Booth Theatre". Aunque Lewis la escribió como una balada suave, dada su cmpleja e interesante progresión coral, la canción se convirtió en una favorita del bebop, contendiendo alguna vez por el honor de ser la composición más grabada de todos los tiempos, y la más grabada en 1951 con la versión de Les Paul y su esposa Mary. Fue incluída en varias películas, pero fue Ella Fitzgerald quien virtualmente se la apropió con su peculiar lectura que incluía alteraciones de la letra y solos de scat, mostrando su utilidad como vehículo del bebop.
Vertigo, película estadounidense dirigida por Alfred Hitchcock y estrenada en 1958, narra la historia de John "Scottie" Ferguson, un detective retirado, aquejado de acrofobia, que es requerido por Gavin Elster, un antiguo compañero de Universidad y hombre millonario, para que vigile discretamente a su esposa Madeleine, quien considera que ha sido poseída por el espíritu de una mujer muerta, Carlotta Valdés. La película combina el suspense y la ciencia-ficción catástrofista con temáticas relacionadas con el romance, misterio, muerte, decepción y alteración de la realidad. Su guión está basado en la novela Sueurs froides: d'entre les morts, (De entre los muertos) escrita por los franceses Pierre Boileau y Thomas Narcejac, y está protagonizada por James Stewart en el papel de "Scottie" y Kim Novak, quien interpreta un doble papel, como Madeleine Elster y Judy Barton. Se estrenó mundialmente en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián de 1958, rebiendo la Concha de Plata.
El inspector de San Francisco Scottie Ferguson sufre de vértigo y se ve compelido a retirarse del servicio cuando un compañero cae de una cornisa al vacío, durante la persecución de un delincuente. Un día recibe una llamada de Gavin Elster, un antiguo compañero de clase, que es millonario, y le pide que vigile discretamente a su esposa Madeleine, que parece estar poseída por el espíritu de su bisabuela, Carlota Valdés, muerta cien años antes. Después de seguirla y observarla durante unos días, Ferguson se obsesiona con Madeleine. A partir de ese momento se ve envuelto en una trama de la que ya no puede salir.
En la novela de Boileau y Narcejac, De entre los muertos, el protagonista es impotente sexual. Los autores escriben, con toda claridad en el primer capítulo, que nunca ha conocido a una mujer aunque tenga más de treinta años. En la adaptación cinematográfica, Hitchcock se divierte multiplicando alusiones a la sexualidad de Scottie. En la segunda escena, un diálogo larguísimo en el piso de Midge, maneja un bastón sin saber qué hacer con él mientras que Midge habla de su corto noviazgo que se interrumpió porque entre ellos dos no pasó nada. Apunta con él hacia un sostén, en efecto el trabajo de Midge consiste en fabricar lencería, lo que añade erotismo a la escena. El bastón de Scottie es un sustituto de su sexo, insinuando que no sabe que hacer con él en compañía de una mujer que le desea carnalmente. Midge le habla como a un niño "you are a big boy now!" (¡ahora eres un muchacho grande!). Al final de la larga secuencia, Scottie trata de luchar contra su vértigo subiéndose poco a poco a un escabel. Hitchcock nos enseña, en un plano muy breve, dibujos de mujeres al pie de los escalones. Nos sugiere así un ensayo de erección. Se acaba en un fiasco cayendo Scottie en los brazos de la siempre insatisfecha Midge.
La ironía llega a su cumbre con la utilización de la torre Coït (semejante palabra no se inventa) muy famosa en San Francisco y cuya erección fue financiada por Lili Hitchcock Coït (nada tiene que ver con el director). La torre, obvio símbolo fálico, fue diseñada en forma de boca de riego porque a Lili Coït le gustaban mucho los bomberos. Se ve constantemente desde la ventana del piso de Scottie como para reírse de su falta de vigor sexual. Cuando Madeleine, después de su ensayo de suicidio viene a darle las gracias a Scottie, dice que encontró su casa gracias a la torre. Scottie le contesta que es la primera vez que le es útil para algo. Poco después, en una escena, las olas que se rompen en la playa, nos sugiere fuertemente que se acostaron juntos. Scottie está entonces convencido que Madeleine es una reencarnación de Carlota (bisabuela de Madeleine, objeto de su obsesión). Pues se ha acostado con una muerta. Hitchcock en su entrevista con François Truffaut habla de necrofilia. Es incapaz de hacer el amor con una mujer de carne y hueso. Más tarde tendrá una relación sexual con Judy sólo después de haberla transformado en Madeleine.
El saxofonista, compositor y arreglista Benny Golson escribió varias standards del Jazz, entre ellas “I Remember Clifford,” “Stable Mates,” “Killer Joe,” “Along Came Betty” y “Whisper not”. Esta última in 1956 cuando estaba con la banda de Dizzy Gillespie que hizo la primera grabación de la tonada en noviembre de ese año. Golson la grabó con su Jazztet el año siguiente .
“Whisper Not” pegó rapidamente entre los músicos del Jazz y varios instrumentalistas la grabaron a finales de los 1950s.
Cuando el escritor de Jazz Leonard Feather le agregó letra, “Whisper Not” fue recogida inmediatamente por la vocalista Anita O’Day en 1958. La letra es sobre amantes que se reunen después de un rompimiento, regocijo y promesas de –esta vez- amor eterno. Ya se sabe:
Our harmony was lost But you forgave, I forgot Whisper not of quarrels past You know we’ve had our last
“Whisper Not” continuó floreciendo como favorita tanto de instrumentalistas como de vocalistas y Hank no podía dejar de tocarla en sus últimos años.
Para quienes no habían escuchado los impresionantes atributos del saxofonista tenor David Sills en su álbum anterior, "Journey together", el siguiente, "Bigs", fue una firme declaración alertiva de su fuerza musical, apoyada por el piano de Alan Broadbent, la guitarra de Larry Koonze, el bajo de Darek Oles y la batería de Joe LaBarbera. Aquí, David exhibe adaptación aguda y eficaz a diferentes contextos y fluida sensibilidad colaboradora con su devoción a las tonadas largas, evocando con naturalidad nociones de Getz, una de sus tempranas y más importantes influencias, junto con Joe Henderson.
Al final, queda claro que David no es un saxofonista locuaz, ya que sabe bien lo que quiere decir y lo expresa de forma articulada, disciplinada y sustancial, haciéndolo sonar elusivamente fácil. A la fecha, Sills ha grabado 3 álbumes más que confirman sus alertas.
En los 1960s, desilusionada de la escena musical, Ernestine Anderson (Texas, 1928) -en 1958 considerada por la revista "Time" como la mejor voz nueva en el negocio- la abandonó por completo. En 1971, dedicada a la práctica del budismo, recuerda que cantaba especie de oraciones rogatorias para lograr el álbum que le permitiera volver. Por esos días recibió una llamada del saxofonista Benny Carter invitándola a cantar en la grabación de un ambicioso proyecto de estrelas patrocinado por el compositor Bob Friedman. Fue el inicio de su renacimiento. Carter definió su estilo como "honesto y natural, sin tratar de imitar a nadie más que a ella misma".
