Buscando algo del "Swing" de sus años dorados, encontré esta recopilación de "Digimode" (2002) que incluye 20 melodías que van desde la que nombra el álbum, pasando por "After I say I'm sorry (Walter Donaldson, 1936), "The Starlit hour" (Derose) hasta Keep cool, fool (Myrow).
La música de"Undecided" fue compuesta en 1938 por el entonces ya viejo líder de "Big Bands" Walter Shaver y enviada a sus publicadores sin título. Luego de ser aprobada, Shaver recibió un telegrama requiriendo el nombre, a lo que contestó por la misma vía, con un claro "Undecided", y así fue nombrada. Para adaptarla al estilo temprano de Ella Fitzgerald, se requirió la letra a Sid Robin y la tonada se convirtió en una especialidad del hot Swing, primero con Ella y la Orquesta de Louis Armstrong y luego con la Orquesta de Benny Goodman y con la de Chick Webb.
Curiosamente, sólo alcanzó el número 1 del "Bill Board" hasta 1951 con los Hermanos Ames, cuando la crisis de post guerra había acabado con muchas Bandas, dado su alto costo de mantenimiento.
En la última entrada de su blog, el Dr. Krapp recuerda al inolvidable trío de Bill Evans - integrado por el bajista Scott LaFaro y el baterista Paul Motian-, con motivo de sus famosas grabaciones en el club Village Vanguard de Nueva York, casa de “Riverside Records”, un domingo 25 de junio de 1961 (Sunday at the Village Vanguard y Waltz for Debby), diez días antes de la muerte de LaFaro en un accidente de tráfico viniendo del festival de Jazz de Newport. Una verdadera tragedia para los sobrevivientes del Trío, que había alcanzado una simbiosis descomunal y quizas irrepetible en el mundo del Jazz.
Evans se recluyó un año y el trío continuó un par de años más, con Chuck Israel y luego Gary Peacock sustituyendo a Scott. Desarrolló una de las más brillantes carreras en el mundo del Jazz, hasta su muerte en 1985.
Complementando un poco el recordatorio, agrego que Motian dejó el grupo de Evans en 1963 para unirse a Paul Bley y luego en una larga asociación (1966-1971) al cuarteto de Keith Jarret hasta firmar en 1972 su primer álbum “Conception Vessel” (ECM). En 1997 lo encontramos siguiendo una linea post bop grabando en directo, en el mismo Village Vanguard el álbum “Sound of music” (Winter & Winter) con su trío (Bill Frisell, guitarra eléctrica y Joe Lovano, saxo tenor), mismo con el que grabara a finales de los 80’s sus tributos a Bill Evans y a Thelonious Monk. El álbum es nombrado por la hermosa balada de Charles Mingus “ Duke’s Ellington sound of love”.
Sin olvidar aquellos tiempos y desafiando las categorizaciones del Jazz, Paul Motian todavía (a sus casi 80 años) anda por ahí dando batería con su trío, como lo dice el título de su álbum del 2007 “Time and time again”.
Este impresionante álbum (1997) es un tributo amoroso de la cantante y pianista Shirley Horn a su amigo y colega, el legendario Miles Davis. La portada es una ilustración del mismo Miles. Quedó Davis tan tocado con el primer álbum de Shirley “Embers and Ashes” que forzó al Village Vanguard para que dejaran a su virtualmente desconocido trío la apertura de su actuación de 1961 en dicho club. El Trio ejecutó tres estándares que cambiaron la cabeza del maestro, incorporándolas rapidamente en su LP “Seven steps to heaven”. Su amistad y admiración musical mutua duró a través de los años y el álbum de Shirley “You won’t forget me” (1991) fue una de las últimas grabaciones hechas por Miles.
Pero Shirley, a su vez, estuvo siempre tocada por el genio de Miles y en este álbum (ganador del grammy por mejor actuación vocal) reclama esas tres joyas, que junto a tres de Porgy and Bess y otras, desparraman su amor por Miles.
Para su tributo, Shirley selecccionó principalmente baladas del catálogo de Davis con Columbia Records, ya que, como ella misma explica, a Miles le encantaba como las cantaba.
Participan: Roy Hargrove, Buck Hill, Toots Thielemans, Ron Carter, Charles Ables, Al Foster, Steve Williams.
Un tal Alexis Davis, director de desarrollo de productos de Concord Records a finales del siglo pasado, ligaba tanto el muchacho que ya no encontraba tema para las convencionales etapas de estas delicadas artes, y un buen día se le ocurrió crear la serie “Jazz moods”. Y como las exigencias del momento pasaban por una cita pendiente en Rio, ordenó a las instancias pertinentes, que con urgencia prepararan el primer álbum de la serie, nombrándolo “Brazilian Romance”. Parece que le funcionó y a su regreso, pensando que las exigencias aumentarían en sus futuros viajes alrededor del mundo ordenó tres títulos más para la serie: “Jazz by the candleligths”; “Jazz by the fire” y “Jazz by the night’s end” separados, pero que le prepararan un empaque especial para llevarlos juntos en sus próximos viajes, como “Concord Special Products”. Atinado Davis, aunque no ligues es muy relajante y puede tener diversos usos, siempre que no seas purista del Jazz.
A la fecha, ignoro cuantos discos más lleva la serie o si Alexis y su equipo de compilación, ensamble, masterizado, arte, diseño, modelaje y fotografía, conservan el empleo. Es recomendable no escucharlo solo porque luego dan ganas de compartirlo.
Busqué fotos del olvidado y talentoso director, compositor y vibrafonista Gary McFarland nacido en los Angeles (1933) y envenenado en un bar de Manhattan en 1971, para encabezar esta entrada, pero no encontré una donde estuviera solo.
A principios de los 60’s el boom de la Bossa Nova en EE.UU contagió también a maestros consagrados del Jazz como Stan Getz, quien requirió al entonces jovencito McFarland, arreglar un álbum de Bossa Nova para big band en seguimiento a los exitosos “Jazz samba” y “Desafinado” de unos meses antes; y así, graban con el productor Creed taylor (“Verve”,1962) este álbum, ya parte de los anaqueles de la historia de esta musica. Participan también el pianista Hank Jones y el guitarrista Jim Hall.
Un folleto distribuido durante un concierto del Zimbo Trío con Ellis Regina a principios de los 70’s en un hotel ahora abandonado del centro de la ciudad, concluía un esbozo de la música brasileña así :
“No es exagerado afirmar que la riqueza de la M.P.B (Música Popular Brasileña) actual se genera en la revolución iniciada en los años 58-59 con la bossa. Sin este movimiento, el presente musical brasileño, tal como lo conocemos, no existiría. Este es, ni más ni menos, el aporte de la Bossa Nova a la creación artística del Brasil y del mundo”
Pues a saber, pero la exquisita y ya reconocida pianista y cantante de Jazz, Elianne Elias (foto de Jay Golloson), nacida sin duda en esta onda (Sao Paulo, 1960) y radicada hace un montón de años en Nueva York, sigue aumentando su producción, iniciada en 1985 con el álbum “Amanda” para el sello “Passport”. El año pasado grabó dos discos interesantes, “Bossa Nova Stories” (END International) y “Something for you: Elianne Elias sings & plays Bill Evans”. Con este último, regresa a la casa “Blue Note”, que la acogió de 1989 al 2000, con una salutación a Evans, uno de sus favoritos. La acompaña Marc Johnson (bajista del último trío de Bill, ahora su esposo y colaborador desde hace mucho) y el baterista Joey Baron.
Para Antonio Carlos Jobim y Billy Blanco - Sinfonia do Rio de Janeiro (Continental,1954), una grabación en 10 pulgadas que capturaba sus primeras composiciones en formato sinfónico con la orquesta, dirección y arreglos del maestro Radames Gnattali, significaba algo como el lanzamiento oficial de la nueva música brasileña que se venía gestando. En realidad, no es uno de los más inspirados trabajos de Jobim, quien estaba todavía definiendo su estilo y no había conocido a su socio fundamental, Vinicio de Moraes.
El aspecto histórico del álbum es la participación de varios artistas de renombre en la época, que validaban el carácter nacional de la nueva música y que valían el precio de admisión, juntándose en la ejecución de la primera pista, “A montanha- o sol- - o mar”; siendo ellos: Nora Ney, Lucio Alves, Os Cariocas, Dick Farney, Doris Monteiro y Elizeth Cardoso. Al final resultó una suerte de híbrido latin/pop/jazz, con reminiscencias hollywoodenses de principios de los 40’s, pero que cumplió con el objetivo. Un disco con valor histórico para los aficionados a esta música. Las otras pistas:
02 - Arpoador (Tom Jobim / Billy Blanco)
03 - Noites do Rio (Tom Jobim / Billy Blanco)
04 - O Samba de Amanhã (Tom Jobim / Billy Blanco)
05 - Hino ao Sol (Tom Jobim / Billy Blanco)
06 - Descendo o Morro (Billy Blanco / Tom Jobim)
En 1974, Continental en su serie Idolos MPB 7, hizo una remasterización del corte de la dicha pista 1 del original en el lado A de este LP,
y en el lado B, entre otras:
TERESA DA PRAIA
(Antonio Carlos Jobim / Billy Blanco)
Dick Farney & Lucio Alves
Tom e Seu Conjunto
Continental 16994 - 1954
OUTRA VEZ
(Antonio Carlos Jobim)
Dick Farney
Alexandre Gnattali e Sua Orquestra
Continental 16969 - 1954
No sé si porque alguna vez leí los “Cuentos de la Selva” del escritor uruguayo/argentino Horacio Quiroga (nacido en 1875 y fallecido a los 58 años luego de ingerir cianuro, igual que su primera esposa), o porque en uno de los blogs que sigo navega un loro (muy urbano y mundano, a diferencia de los de Quiroga); anoche soñé con uno de la especie que habla en portugués y por lo tanto, más o menos comprendí lo que mascullaba: “Si quieres entender el desarrollo de la música brasileña remóntate a sus inicios, escucha un poco a Villa-Lobos, aunque te aburras, de lo contrario me seguirás viendo con frecuencia”.
Y yo suda que suda ante la advertencia. Por favor señor Loro, no me chingue, si yo de Villalobos sólo el riito por aquí cerca a donde iba a pescar cuando era niño y ahora no lleva agua sino puros residuos.
“Por eso precisamente, debes empaparte con toda la que destila la música brasileña. Y no te preocupes que los loros hoy en día manejamos la tecnología suficiente para mantenerte informado. Espera noticias”
Y las noticias nos cuentan que Heitor Villa-Lobos (Rio 1887-1959), con poca formación musical dominó el violoncello y la guitara, y, antes de cumplir los 20 años llevaba ya una vida herrante recorriendo el Brasil, contratado por orquestas de baile, aprovechando sus viajes para conocer y anotar las canciones populares que escuchaba. Al cabo de 7 años regresa a Rio de Janeiro, y, una vez allí, dada su poca paciencia con profesores y clases, opta por instruirse a sí mismo en el arte de la composición, mediante el estudio de partituras de compositores clásicos. Entre 1923 y 1937 se radicó en Paris, relacionándose con músicos progresista como Rubinstein y Varese y a su regreso es nombrado director de educación musical responsable de propulsarla entre las masa y en los establecimientos públicos de enseñanza. Paradojicamente, si se piensa en su falta de interés en los estudios durante su juventud, acaba fundando el conservatorio nacional de música. Como compositor, se plantea las diferencias entre lo universal y lo particular en el ámbito musical , quedando personificado para él lo particular en las melodías de su patria, y el aspecto universal en la música de J.S. Bach, cuya música consideraba una fuente folklórica universal, rica y profunda. A esta concepción le dío una expresión musical en una serie de suites para diferentes combinaciones instrumentales y vocales, denominando el conjunto “Bachianas Brasileiras”.
En 1942 compuso “Bachianas brasileiras No. 7. utilizando instrumentos de percusión nativos, la cual empieza con un “Preludio” (Pontelo) en el que expone una canción (en el estilo conocido como Modinha) que empieza con el son de una tranquila serenata y termina con el estruendo de una gran marcha popular.
La música de Villa-Lobos con una influencia explícitamente indígena se encuentra en la serie de obras tituladas Choros, nombradas en honor de los músicos ambulantes de Brasil, donde no pudo abstraerse de una influencia altamente sublimada de Bach. En 1926 escribió la obra maestra de la serie “Choros No. 10, donde se plantea evocar como transcurre la vida en las ciudades europeizadas del Brasil y los valores espirituales de la selva amazónica.
Dick Farney fue un notable cantante, instrumentalista y compositor que contribuyó a la renovación de la música brasileña a través de la Bossa Nova con la incorporación de las armonías y estilo del Jazz. En 1943, después de ser un pianista que en su adolescencia interpretaba a Manuel de Falla, viaja a EE.UU donde toca junto a Nat King Cole, Bill Evans y Dave Brubeck y se convierte en un croonner de éxito. Regresa al Brasil en 1946, donde graba una versión sorprendente del samba “Copacabana” con la cadencia que se volvería parte de la revolución musical en gestación.
Incorpora a su repertorio el nuevo cancionero generado por Jobim, Bonfa etc. Con la Ferreira Filho Orquesta y como solista. Luego, en 1954 se asoció con Jobim y participó en el evento que anunciaba la llegada de la Bossa, la Sinfonía de Rio de Janeiro (Jobim/Billy Blanco). Formó y tuvo éxito con el Dick Farney e Seu Conjunto. Regreso a norteamerica y realizó giras por el caribe, incursionado en el mundo de la televisión y el cine. Su última grabación fue el LP “Ao Vivo” en 1986.
En 1960 grabó para Odeon el LP de la portada con la orquesta de Waldemiro Lemk.
Seguimos con este recordatorio de la Bossa Nova, en que se han convertido las últimas entradas del blog. Toca ahora el turno a Milton Banana (nacido Antonio de Souza 1930-1999). Milton es reconocido como el inventor del estilo Bossa Nova en la batería y toco dicho instrumento en el álbum Chega de Saudade con el que debutó João Gilberto y en el igualmente histórico Getz- Gilberto, grabando también con Tom Jobim, João Donato, y muchos otros. Casi todas las noches de los dorados años de la Bossa (mediados de los 50’s y 60’s) actuaba principalmente en el Plaza Nightclub de Rio, con gente como Johnny Alf, Roberto Menescal, Carlos Lyra, Ed Lincoln, Newton Mendoça, Elizete Cardoso, Silvia Telles, Dick Farney, Baden Powell, Ellis Regina, Walter Wanderley, Os Cariocas, Sérgio Mendes, Luís Bonfá, Bola Sete (en Punta del Este, Uruguay), y tantos más.
En 1962 fue a Nueva York para tocar en el festival de la Bossa del Carnegie Hall. De alli partió en 1963 en una gira por Italia y Francia junto con Gilberto, Donato (piano) y Tião Neto (bajo). A su regreso al Brasil formó su propio Trio (algo inusual en la época para un baterista), con el que grabó para RCA en 1981 este homenaje a Vinicius de Moraes fallecido el año anterior, el hombre que puso la poesía al género y a quien seguramente esperaba la silla enfrente de Milton.
A pesar de que introdujo la música brasileña a un nuevo modo de cantar, tocar y componer, varios años antes que el término Bossa Nova fuera acuñado, el pianista y crooner de clubes nocturnos Johnny Alf (Nacido Alfredo Da Silva en 1924 ) ha sido bastante subestimado - tanto que no se sabe si todavía vive. Tom Jobim, Leny Andrade, Luís Eça, Carlos Lyra, Joao Gilberto y todos los que llegaron después, tuvieron alguna influencia de Alf. Le aparecen registrados 46 álbumes, sencillos, compilaciones y participaciones, pero sólo ha firmado 9 LP’s o compactos, incluído este “Olhos negros” para RCA en 1990.
Djalma de Andrade (Río de Janeiro 1923-California 1987) obtuvo su apodo al ser el único negro del pequeño grupo donde se inició como guitarrista tocando en los círculos bohemios de Praça Tiradentes en Rio. En 1940, cuando la Bossa Nova se iniciaba, formó su propio grupo Bola Sete e seu Conjunto al que se unió la vocalista Dolores Duran que llegaría a ser famosa compositara y crooner. Viajó por el mundo y se estableció en California donde participó como invitado de Gillespie en el Festival de Monterrey. Grabó varios discos para el sello Brasileño Odeon que dirigía Jobim y para Fantasy Records. Y aquí está para el recuerdo.
Aparte de la raramente grabada Si Si, y del sonido Nueva Orleans del trombón en Parker's mood no hay muchas sorpresas en este álbum del trompetista James Zollar (Naxos Jazz, 1997. Pintura de la portada por Dave Brewer) y su pequeño ensamble integrado por el pianista Bill Cunliffe, el bajista John Clayton, el baterista Raul Preibich y como invitados el guitarrista Ron Eschete , el trombonista Andy Martin y el saxofonista tenor Pete Christlieb. Es justamente un grupo bien arreglado de estándares de Charlie Parker (si las hay), tocadas con consistencia. Todas las favoritas estan aquí: My little suede shoes, Moose the mooch, Steeplechase etc.
Pero ¿Quién es James? Nacido en Kansas City (1962) creció con el fantasma del Be Bop rondando cada esquina alrededor de su casa. Además su madre tenía una gran colección de los 78’s rpm del más ilustre de sus nativos, lo cual explica su primer y único álbum firmado (cuenta que a sus 14 años empezó a estudiar en serio su ritmo y armonía). En 1986 se mudó a Nueva York, donde grabó como invitado del grupo del tenor saxo David Murray el compacto “Dark Stars” (la música de “Grateful Dead”) para el sello Astor Place. Luego vino “Bug Music” (Nonesuch) con el virtuoso del clarinete Don Byron.
Si usted vió la película “Kansas City” (1996) de Robert Altman, entonces también vió y escuchó a Zollar, quien tampoco ha sido ajeno al Jazz Latino, acompañando a los congueros Mongo Santamaría y Milton Cardona, así como al sexteto del pianista Hilton Ruiz y al cantante Frankie del mismo apellido.
Es “vox populi” (supongo) que el vudú es una religión (o casi) que se originó a partir de las creencias animístas que poseían los pueblos (o tribus) que fueron trasladados como esclavos desde el continente africano al continente americano. Talvez no tan popularmente conocido sea que, muchos años antes que Jimmy Hendrix (Voodoo Chile) y los Rolling Stones (Voodoo Lounge) lo llevaran al Rock, y Bola Sete a la Bossa (Voodoo Village); Dámaso Perez Prado (el mero Rey del mambo, también conocido como la foca) fue invitado a una aventura exploratoria de fusión (“join venture”) con el mundo del “Pacific Coast Jazz” de la mano de uno de sus pioneros, Shorty Rogers y otros músicos de esa órbita, principalmente percusionistas, y grabó sin pensarlo dos veces, para RCA Victor con su – no tan cortita como Rogers)- orquesta (6 saxos, 3 trombones, 7 baterías, 3 trompetas y siga sumando hasta 22 miembros) el LP de dos lados “Vooddoo Suite” (1955). Ambos lados (llamense indistintamente “A” y “B”) sin relación uno con otro.
El “Voodoo” es una composición orquestal clásica de Perez, que combina Afro Cubano y Jazz en un tono poético (así le llamaron por lo que evoca), mientras que el otro, a la sombra de aquel, fue llenado con “Six All Time Greats” grabado con la orquesta de Shorty, 7 años antes, al estilo Mambo del maestro.
La siempre pilas industria del disco (en este caso el sello Bear Family) el año 1990 unió (es de celebrarlo) los dos arreglos orquestales en un compacto, con los cambios que pueden observarse en las portadas (a ver si alguien me ayuda a identificar al confeccionador).
Un álbum que a pesar de los defectos técnicos derivados de la precipitación con que se logró, es parte de la esencia del Jazz. ¿No es cierto?. Se cuenta que reprochado por ello, Dámaso contestó con tono irónico: “Lucho por mantener la corona, y esta era una oportunidad que no podía dejar pasar ”. Emitiendo luego, su tradicional grito. No tiene nada malo.
A pesar de ser el epítome del movimiento cool vocal delos 1950’s, June Christy (nacida Shirley Luster en 1925) fue una cálida y contenta vocalista, capaz de desplegar su impresionante voz en tonadas swing llenas de vitalidad. En 1945, después de oir que Ana O’Day (Anita) acababa de dejar la orquesta de Stan Kenton, audicionó y obtuvo el trabajo al poco tiempo. De allí heredó un estilo focalizado en el swing metálico, de arreglistas amigos como Pete Rugolo y decidió cambiarse el nombre (ya lo había hecho una vez a Sharon Leslie).
En 1954, como un lanzamiento simbólico del movimiento que encabezó, grabó su primer LP para “Capitol” (Something cool") con arreglos de Rugolo (a la cabeza de.la orquesta de su esposo Bob Cooper, antiguo saxofonista de Kenton). En 1965 se retiró y retornó solo una vez al estudio para grabar “Impromptu” en “Musicraft”. Un 21 de junio de 1990 fallece en Los Angeles CA.
En 1974, Continental en su serie Idolos MPB 7, hizo una remasterización del corte de la dicha pista 1 del original en el lado A de este LP,
