Una Celebración

Cuenta Michael Cuscuna, cofundador de Mosaic Records con Charlie Lourie (fallecido el año 2000) que el primer álbum publicado fue en julio de 1983 (The Complete Blue Note Recordings of Thelonious Monk), pero que la semilla del negocio fue plantada en 1970 ya que como periodista, huesped en un show de radio y productor de discos empezo a entrar en contacto con muchos músicos de Jazz que habían sido de los principales en el repertorio de la compañia disquera Blue Note. Cuenta también que las conversaciones era con frecuencia sobre sesiones tormentosas que nunca se editaron y así empezo a bosquejar en un libro de notas, información sobre estos tesoros desconocidos.

Nuestro primer año, dice Michael, estuvo lleno de problemas pero también de recompensas (el álbum de Monk obtuvo un Grammy) y en cuanto al futuro ahí vamos justo al frente. Este año publicaron "Una Celebración. The Blue Note 7" cuyo personal y contenido es el siguiente:

Nicholas Payton- trumpet; Steve Wilson - alto saxophone, flute; Ravi Coltrane - tenor saxophone; Peter Bernstein - guitar; Bill Charlap - piano; Peter Washington - bass; Lewis Nash - drums.

1.Mosaic (Cedar Walton) - 2.Inner Urge (Joe Henderson) - 3.Search for Peace (McCoy Tyner) - 4.Little B's Poem (Bobby Hutcherson) - 5.Criss Cross (Thelonious Monk) - 6.Dolphin Dance (Herbie Hancock) - 7.Idle Moments (Duke Pearson) - 8.The Outlaw (Horace Silver)

De nuevo con Krall

¿Cómo hacer para que esta mujer de agradable voz, buen ver, que toca el piano con decencia, que recién ha publicado su álbum número 12 y próxima a cumplir los 45 años (Nanaimo, Columbia Británica, Canada ) quede por fin satisfecha con sus grabaciones para el sello Verve?.

Digo esto, porque según muchos, Diana Krall no parece estar contenta con el empaquetado de sus discos porque tratan de convertirla en un símbolo sex e ícono pop con mucha tendencia al “easy listening”. Aspectos que no creo, desagraden al escucha del Jazz, en el momento adecuado.

Con el arreglista polaco Claus Ogerman(1930) quien conduce tanto a la Orquesta Sinfónica de Londres como a la Orquesta de Sesiones de Los Angeles en cada pista, Diana grabó en 2001 “The look of love”, incluyendo a varios de sus músicos de apoyo: John Pisano, Russell Malone, Christian McBride y Peter Erskine entre otros. Y es en efecto un disco que puede servir como música de fondo en un escenario de intimidad,. En el interior hay fotografías dentro de un auto que la pasea por Paris (Jana Shireck) y otros escenarios, en varias poses, digamos abrasadoras, donde algunos pudieran ver una actitud de rechazo a brindar una verdadera sonrisa, abonando así a la tesis de su descontento con esta parte del negocio.

De nuevo se juntan en “Quiet nights” (2009), grabación dedicada al delicado e influyente ritmo de la Bossa Nova. Para Diana es la primera vez con esa música, mientras que Claus colaboró varias veces con uno de sus padrinos: Jobim. El disco recuerda mucho la sofisticación “fuera de horas” del dueto que hizo con Sinatra en el Album “Desafinado”, arreglado también por Ogerman.

¿Cómo remendamos su corazoncito roto?

Algo que no sucedió en 1988, cuando la entonces joven y desconocida Diana, en Berna, corriendo a dar un concierto, abordó un taxi conducido por el trombonista Vince Benedetti quien se quedó a escucharla y la persuadió para realizar algunas actuaciones con su cuarteto. El resultado fue este compacto publicado en 1990, musicalmente aceptable y aunque no pasa nada memorable se ha convertido en una curiosidad.

Página Uno

El saxo tenor Joe Henderson (foto de William Claxton), nació en Lima (Ohio) el año 1931 y murió después de una intensa lucha contra un efisema en San Francisco (2001) . Es considerado como una prueba de que el Jazz puede venderse sin suavizarlo, por medio de un mercadeo creativo. La consideración viene porque, no obstante que su sonido y estilo permanecía como cuando, ya definido, empezó a tocar en Detroit y luego a principios de los 60’s con el trompetista Kenny Dorham con quien se pulió y llegó a grabar para el sello Blue Note memorables sesiones como lider o acompañante que no trascendieron. Permaneció en la oscuridad y muchos años más tarde (1992) al firmar para el sello Verve fue tratado como la mayor celebridad adquirida. Sus grabaciones para dicho sello tenian temas fáciles de mercadear como tributos ( Billy Strayhorn, Miles Davis y Antonio Carlos Jobim), y como resultado se convirtió en una celebridad ganadora de encuestas. Henderson debutó como lider con el álbum “Page one” (Blue Note 1963) junto a Dorham, McCoy Tyner (piano), Butch Warren (bajo), y Pete La Roca (batería). El disco (reeditado en compacto) contiene 4 composiciones de Joe y 2 de Kenny (la clásica Blue Bossa y La mesha). Excelente.

La Mesa Redonda

Horace Silver, uno de los últimos gigantes que aún quedan de la increiblemente floreciente y creativa extensión de la música bebop, que se convirtió en los 50’s en el llamado “hard bop”, escribió con la colaboración de Philip Pastras su autobiografía con el nombre de “Let´s Get the Nitty Gritty” (ignoro si hay traducción al idioma español), un interesante libro de 264 páginas publicado en 2006 por “University of Californa Press” en edición ilustrada, donde nos lleva desde su niñez en Norwalk, Estado de Connecticut, EE.UU. a través de su ascenso en la ladera a la fama como músico en Nueva York y finalmente a su confortable vida “después del camino”, en California.

Bien sazonado (“well seasoned” ) con anécdotas , en el capítulo 3. LADY MUSIC AND THE MESSENGERS. Early Adult Years. (pps. 34-89) Horace cuenta en la página 44: “el lado este de Manhattan (upper east side) donde residen los acomodados, era considerada la parte de la alta sociedad (“high society”. Sic.) de Nueva York y Stan (Getz) quería obtener un “gig” allí, en un club de jazz llamado “The Roundtable” donde se presentan principalmente trios con piano –jazz suave y educado- , la música de fondo para hablar y cenar. La banda regular del Club no llegaba los domingos y Stan lo obtuvo un día tal por la noche. Me llamó para que participara con él y me pidio llamar a Art Blakey para ver si quería complementar el trío. Lo llamé y estuvo de acuerdo. Recuerdo que esa noche habia en la casa muchos actores famosos, entre ellos David Carradine, Cesar Romero y Sir Cedrick Hardwick. Stan trató de contener el volumen de su saxo a lo largo de esa noche y llegó incluso a ponerle una toalla en la campana, para que no sonará muy alto. Lo que no pudo contener fue su natural habilidad para jugar con el instrumento puesto que era un genio de nacimiento. Sin embargo, cualquiera que conociera a Art sabe que nunca contendría sus actuaciones para nadie. El cocinaba donde estuviera –east side, west side, Greenwich Village, Harlem- , se ocupaba de los negocios, cocinaba y punto. Ni necesidad de decirlo, no logramos el “gig”.

A la Mesa Redonda llegaba a menudo con su combo para divertir a los comensales un trombonista y vibrafonista de mucho menor estatura musical: Tyree Glenn (1912-1974), un verdadero payaso y maestro en el lenguaje del trombón. De hecho grabó dos discos para el sello “Roulette” en el lugar: uno que toma su nombre y "Try a little tenderness". En el video tocando la clásica estándar de Ellington “Mood Indigo” introducida por la orquesta del "Duke" en el “Cotton Club” de Nueva York en 1930. Escuche la severa frase de cierre en idioma inglés.

En Manila

Creo que de tanto leer sobre la muerte trágica y temprana de muchos músicos del Jazz recordé a Cal Tjader, el primer vibracionista de un restringido círculo de notables que escuché a mediados de los 60’s. Claro, con el ritmo latino que manejaba y con esa portada que lo presentaba en el álbum “Latin Kick”(“Fantasy",1956) era en esos días apetecible y todavía lo guardo junto con su raro disco de vynil (color tirando a, digamos, colorado gallo). Y lo recordé porque, hijo de padres músicos, nació en San Luis MO. durante un concierto en 1925 y falleció en Manila dando un concierto en 1982. O sea que murió como se decía, en su ley pero madrugando un poco.
Además del aporte invalorable que un músico de su talla deja, hay en el mercado una considerable cantidad de sus discos, no se si este que obtuve hace como un año gracias a un intercambio cultural con el amigo Florencio (alias millas). Es una maravillosa sesión que juntó en un estudio de San Francisco, personal ahora legendario de dos grupos diferentes, como un adolescente desconocido de nombre Scott LaFaro y Billy Higgins (por la banda de Getz); y Vince Guaraldi y Eddy Duran (por el grupo de Cal). El apuntador dice: “una reunión entre el maestro del jazz latino y el futuro campeón del jazz Brasileño”. Imagínese lo que pueden hacer con una portada. En posterior edición corrigieron esto.

Pero mejor escuche estas de otra de las facetas de Stan en la madurez: "Café Montmartré", también cortesía de millas en cuyo blog puede encontrar mucho de su historia.





Y para que sus vibraciones no sean agitadas, dejo estas del siempre presente Cal, de su álbum “Sentimental moods,1957“.

Uno a Uno

DMP Recordings fue creada en 1987 por el pionero de la digitalización Tom Jung. Como presidente y como ingeniero a cargo ha construido su compañía siguiendo el creciente conocimiento de la tecnología digital, pero también con un profunda pasión a la música, de modo que la política de este sello es grabar músicos de jazz en un amplio espectro de estilos, cuyas composiciones y actuaciones puedan comunicarse mejor con la oscilación extendida y ondura del audio digital y así conseguir la linea más directa y el traslado perfecto desde el estudio al ambiente donde se vaya a escuchar el producto final. Siendo Jung un creyente en que la escencia y pureza del sonido digital es mejor servida retornando a las técnicas básicas del negocio, restringió en consecuencia, el número de elementos colocados en la cadena de grabación. Así, decidió en un primer ensayo grabar (entre cincuenta más) directo a digital de dos pistas el compacto “One to One”.

¿Cómo pasó esto? Pues, despierto y emprendedor como era el joven Jung, barajó todas las posibilidades del título que primero se le ocurrió, y sabedor (gracias a sus conocimientos informáticos) de que el fino pianista Bill Mays (Sacramento, 1944), gustaba a menudo dejar atrás el escenario y de que el sedoso (aunque no lo parezca) bajista Ray Drummond (Brook Line MA) prefería siempre mantenerse ocupado en tomar y retomar lo que fuera pertinente a la música, decidió contactarlos. Bill por eso días se presentaba con su grupo en audiciones televisadas por WVIA

Ray andaba en gira primaveral acompañando al grupo de Hendrick Murkens y decidió aplazar un compromiso con el cornetista Bobby Shew y otro con la orquesta de Mel Lewis.

Empezó el trabajo que no es poco. No se quienes participaron en la producción de la portada pero me gusta.

Finalmente llego el lanzamiento (1989) y los conocedores coincidieron en que el fantasma de Bill Evans habia estado presente durante la grabación y en que la conversación sostenida por el dúo era reminiscencia de las sostenidas por Evans y sus varios bajistas. Reconocieron, eso sí, que ambos operaron como iguales, ya que Drummonds parece controlar la música al menos tanto como Mays y que el espacio para solos fue igualmente compartido. Bill por su parte comentó que no estaba imitando a Bill sino que siguiendo esa tradición. Y Ray agradeció el reconocimiento a su versatilidad.

Jung no quedó conforme y prometió un “One to One 2” que lanzó 2 años después.

De Motores y Música

Como se sabe, Detroit MI. es la ciudad del motor por excelencia, donde los principios de Taylor y Fayol hicieron realidad la producción en cadena y salieron esos 8V (como el de la portada) ahora de colección (cuyos propietarios aún tiemblan al arrancarlos) que pasaron a formar parte del imaginario de una comunidad mundial muy grande, junto con otro sello (musical) distintivo del lugar (Motown) al que se refiere en la última entrada de su blog (Sinfonía Azul) el amigo Krapp (sin otro apellido) y que me recordó el compacto que ahora presentamos (Verve, 2001) de la excepcional violinista del Jazz Regina Carter nacida hace 25 años en esa misma jurisdicción.

En “Motor City Moments” Regina ofrece al escucha su virtuosismo con las cuerdas en 10 grandes canciones inspiradas por su pueblo natal, escritas por algunos de sus mejores músicos: Marvin Gaye (“Don´t Mess with Mr. T”), Stevie Wonder (“Higher ground”), Thad Jones(“Don´t git sassy”), Milt Jackson (“For someone in love”) y la inolvidable “Chattenooga choo choo” popularizada por “Sachmo”. Incluye tambien dos originales (“Forever february” y “Up south” coescrita con el guitarrista Russell Malone). La acompaña su banda de giras y varios invitados especiales.

Quizás porque Eastwood es aficionado al Jazz vaya a ver su última película "Gran Torino".

Recitales de Jazz

Seguimos presentando algunos recitales de la exhaustiva serie “Live at Maybeck Hall” de Berkeley (Concord Records), para dar a conocer algunos héroes olvidados. Toca el turno a Roger Kellaway (Newton. MA, 1939) quien ha sido asociado como compositor y/o pianista con todas las facetas principales de la música clásica, jazz y popular. Un barbado y articulado genio cuyo linage musical puede remontarse al dixieland. Oscar Peterson dijo lo mejor antes que se cruzaran: “Me encanta Roger. Conoce la tradición y no le teme” (Gene Lees, “The Jazzletter”).

Es esta una de las más notables ediciones de la serie que nos ocupa. Sobre todo, el disco captura el lado más reflexivo de Kellaway en un programa típico de Maybeck, constituido en su mayoría por estándares como “How deep is the ocean”? de Berlin, “I´m getting sentimental over you” de Bassman y Washington o “Creole love call” de Ellington, combinadas con un par de originales como “I´m still in love with you” y “Love of my live”.


Este virtuoso cuya fenomenal técnica rivaliza con la de Dick Hyman y que empezó acompañando y adquiriendo experiencia con Zoot Sims, Ben Webster, Maynard Ferguson, West Montgomery, Bob Brookmeyer y Sonny Rollings entre otros, hizo su debut como lider con el álbum “The Roger Kellaway Trío” (Regina, 1965) constituido por Russell George (bajo) y Dave Bailey (batería) acompañado en algunas melodías por Eddy Daniels (clarinete); este último grabó como líder el álbum “Memos from paradise” acompañado de Roger. También fue director (musical) del recordado Bobby Darin y trabajo en los estudios de televisión (su piano se escucha tocar en el tema de “All in the family), escribió bandas sonoras y experimentó con teclado eléctrico.

Recitales de Jazz

Uno de mis seguidores secretos y otros que no, me recordaron que en algún lado reposaba este compacto (Concord,1992) de Cedar Walton (Dallas,1934), uno de los más valiosos acompañantes del hard bop, versatil pianista cuyo sentido melódico ha bendecido las grabaciones de muchas de las grandes celebridades del Jazz.. Es también de los más devaluados compositores de dicha música, a pesar de ser un interprete de primera linea en la interpretación de estándares. Walton escribió un número de excelentes melodías (Mosaic, Ugetsu, y Bolivia, por nombrar algunas) que encontraron su camino dentro del libro de Art Blakey durante su período en los tempranos 1960’s con los Jazz Messengers, con quien retornó en 1973 para una gira al Japón.

Hasta donde sé este es el el primer y único intento de Cedar en solitario. Inicia alertando con un intrincado “The Maybeck Blues” de su propia inspiración para luego desviarse del curso hacia algunas standars (Stella by Starlights, Sweet Lorraine) que hacen pensar en un Tatum reencarnado, sigue con su “Bremod’s blues” (recordando su participación con Coltrane en “Giant Steps”) sigue dandole duro (con la mano derecha) como un bopper al piano Yamaha del Hall, y finaliza atando la moña con un técnico “tour de force” en “Just one of those things”.

Una de Arreglos

Es casi seguro que para semana santa esté disponible en el mercado la compilación (box set) “Only the best of Nelson Riddle”, del género conocido como “easy listening” que el sello Collectables programó lanzar este fin de mes, desde su “plataforma”; como lo es también que Nelson fuera el más grande arreglista de música pop en la historia (probablemente lo es también Klaus Oggerman). Pero sí es seguro que el equipo que hace posible este blog, no estará como hubiese deseado, asoleándose en uno de los cayos del conocido (por algunos) como caribe hondureño (quizas “El Zapotillo).

Riddle (Oradell, 1921- Los Angeles CA, 1985), en el curso de su distinguida carrera fue un popular compositor de bandas sonoras, conductor, trombonista y ocasionalmente creador de éxitos de su propio peculio. Trabajó con la mayoria de vocalistas pop de sus días, pero fue su trabajo inmortal con Frank Sinatra, particularmente en las grabaciones recuperadas bajo el concepto Capitol, cuya primera canción juntos fue “I’got the world on a string”, las que consolidaron el perdurable legado de Nelson. Fue un maestro en el manejo del estado de ánimo y la sutileza; y un experto en dibujar los subtextos de una canción. Muy versatil en términos de estilo, talante , tiempo y ricos colores tonales que se mezclaban con transparencia trás la linea vocal lider.


Conformémonos con escuchar este donde acompaña a la cantante Shirley Bassey (sello Columbia) cuando aún trabajaba para Capitol (1962), a lo que se opuso Sinatra:

Overtime

Este compacto del 2005 me gusta por varias razones:

Primera: por el precio y la casi increible forma en que lo conseguí. Pasando frente a una de esas tiendas de corte internacional y admirando de reojo las hermosas fotos que adornan las vitrinas del departamento femenino, un adolescente de los muchos que en esta sociedad multiétnica y plurilingue andan herrantes por las banquetas de la ciudad, cargando su maletas llenas de artilugios de toda índole para ganar el sustento diario, me ofreció entre muchas cosas, discos y películas. Sólo por joder le pregunté si tenía algo de Dave Holland y en un aceptable español me pidió que le repitiera el nombre. Me suena me dijo y se dirigió a la niña que lo acompañaba, en un idioma del que sólo alcancé a entender Dave Holland (en un inglés que supongo aceptable). Si te esperás 10 minutos te traemos algo. Volvió justo cuando me iba. Les invité a almorzar,

Segunda: por el talento de toda la banda para tocar ensamblados pero particularmente por la sección de trombones (dinamita pura la de Roseman, Arons y Eubanks),

Tercera: por la portada naïf y

Cuarta: por la linea final del texto que lo acompaña: “This is an essential Holland date, it is exciting, colorful and wildly innovative. Let's hope he composes and records more in this idiom soon”. En el primer video la Banda en Nápoles, desde donde volaron directamente a Nueva York para grabar el disco con el que ahora estoy ocupado y en el segundo un solo de "Robinho" Eubanks tocando "Mental images" en un concierto en Sao Paulo.

Conferencia de Jazz

Curtis Fuller (Detroit, 1934), soleó como lider con “Transition” en 1955, y desde entonces ejerce la presidencia, por así decirlo, de una selecta comunidad de trombonistas entre quienes se cuenta a J.J. Johson y otros pocos que aún viven (la tragedía no ha faltado a su cita) o que han seguido la tradición. En 1961 grabó para Smash el álbum “Jazz Conference Abroad”, con músicos de la orquesta de Quincy Jones que incluia entre otros al también trombonista Ake Persson, un joven Freddie Hubbard en la trompeta, el alto (saxo) Phill Woods y la pianista Patti Bown. Un álbum muy parecido a una “jam session”, donde, considerando el personal, destacan los solos de Fuller.

Luego Curtis acompañó giras de la Banda de Count Basie y fue compañero de vuelo de Art Blakey y sus Mensajeros del Jazz en algunos “charters” al exterior para llevar el sonido de un trombón fluido e invitador (persuasivo) con su casi inigualable destreza como este en San Remo 1963.

Le quedó la costumbre y sigue dándolas (conferencias) alrededor del mundo.

A

Trio con Portada.

“Futuros historiadores bien podrían escribir de los 1980’s como un tiempo de búsqueda desesperada de verdaderos valores, la tecnología corriendo con frenesí y sumiendo casi todo en el caos; de las artes a las ciencias de la conducta. Los más perceptivos de ellos, sin embargo, notarán que bajo la rueda de la confusión prevaleciente existieron ejemplos vívidos de que era posible una vida sana, creativa y hasta gozosa en un mundo como aquel”

<Uhmm... interesante este compacto. Hice bien en quedarme un día aquí. Es que ese vuelo transatlántico tan pesado. Dichoso el director que tomó el concord. Ya debe estar durmiendo en casa. Bueno, afortunadamente compraron los ejotes. Jodida la que nos dio el broker. El que salió bien fue el del frigorífico>>

-How deep is the ocean?
-Ten dollars. Socker.
-Don´t you have the other two ones?
-Mielda. ¡This is Harlem brother!. Go all along Broadway avenue and buy them 20 dollars each, dawntown.
-Sorry. I’ll take it. But I don´t have small denomination’s bills.
-Go to the bank across the street. Richy ¡They got’it!. Hurry up.
-I’ll be back in 5 seconds.

<<¿Si este es el upper cómo será el otro?. Será serai. Al menos los precios parecen tener buen comportamiento. Vaya que hay buen sol. Mejor compro un “barquillo” veteado y tomo el metro.

Para cerrar, si algún día lo escucha y/o comenta, puede excusar al pianista Monty Alexander si le suena a Petterson, pero lo acompañan sus exalumnos: Herb Ellis (guitarra) y Ray Brown (bajo). Desde el inicio el trio irumpe con “The flintstones”.
Un bono especial en uno de los discos posteriores (1997) es la incorporación (en cuatro piezas) del violinista John Frigo, dándole otro enfoque.

Davis el Desconocido

No había planificado ni menos programado (menos aún despues de un reciente fracaso) entrada alguna sobre un/a bajista, pero debido a mi admiración por el director de cine George Stevens (particularmente lo que llaman su trilogía americana que comprende las películas: “Gigante”, “Un Lugar en el Sol” y “Shane el Desconocido” (filmadas entre 1951 y 1956), siempre sostuve en mente la idea de algun día garabatear algo que lo relacionara. Así, como todos los fines de semana desde hace ya un buen tiempo (Tiempo de Swing se llamó la primera película de Stevens en 1936), de la pila de discos pendientes tomé al azar el interesante álbum (aunque prefiero el de Coleman) “Body & Soul. Archie Shepp & Richard Davis” y (ingenioso que es uno) cual mosquita volando atrape la ideota (asi es como a veces las ideas se vuelven ideales que no existían) de titular el texto que sirve de pretexto al contexto de la presente entrada cuyo simple propósito es agradecer al (para mí) desconocido bajista Richard que no se halla olvidado de los escuchas anónimos con grabaciones como esta colaborando con Shepp, para apreciarlo en lo que vale.

Un super técnico del contrabajo de la vieja escuela del conocido como Jazz de la Costa Este, nacido en Chicago en 1930, cuyo talante musical sin compromisos lo ha llevado del jazz del mainstream hasta el freewheeling acompañando a Elvin Jones (no recomendable, si busca una paliza con clase oiga y vea a Jo Jones), forjando su destreza con el sacrificio de pagar clases privadas durante 10 años con el poco dinero que ganaba tocando y tambien aprendiendo en la Banda de la Universidad del Estado de Illinois.

No le sentí, digamos el cachondeo, que Cachaito Lopez mantiene en sus ejecuciones con este noblemente tallado instrumento (que parece le viene de su padre andaluz) y con el cual llegó ya forjado de Cuba a darle sonido al cine silente y animación a los casinos de Las Vegas (también ya forjado en jugar la ruleta en los casinos de La Habana donde tocaba, pero esa es otra historia).

Me gustaron particularmente sus solos intercalados en la ejecución de “Things Ain't What They Used To Be” (Mercer Ellington) 12:36 (cambio y fuera).