Un verdadero maestro del Jazz, Arturo Sandoval (1951). A pesar de que su reputación se la ganó como trompetista basado en el bop que toca inspirado por su nativa tradición cubana -lo cual es cierto-, ha incursionado profundamente en el tango, swing y jazz eléctrico, en su ya larga carrera. Es también un fino pianista y percusionista. Dicho esto, la noción de Arturo grabando una colección de piezas clásicas, estándares y baladas con un trío apoyado con orquesta de cuerdas, es un poco más que una sorpresa. Sin embargo, eso es lo que “A Time for Love” –como la vieja melodía de Mandel- su recién publicado álbum, básicamente es. Sandoval lo reclama como la realización de un sueño de 20 años. Lo quería lo suficientemente malo como para hacerlo y publicarlo por él mismo, pero el pianista Shelly Berg escuchó los demos y se los llevó a a Greg Field, de Concord Records, quien a su vez los dío a Jorge Calandrelli, quien arregló 8 de las 9 pistas con cuerdas y Berg arregló la otra (de Ravel), con Chris Botti como segundo trompeta, llevó a su trío y la coproducción salió:
Todo revela la profundidad emocional del toque de Arturo Sandoval, no sólo su impresionante “expertise” técnico acumulado que a veces apaga su fiero Jazz; la suavidad y ternura sin emociones sentimentaloides que susurran al oyente un trémulo swing:
o un profundo romance basado en la tradición vocal de las melodías de Mandel/Mercer, donde se pueden identificar sus dos grandes y confesadas inspiraciones para este álbum: el trompetista Bobby Hackett tocando con la orquesta de Jackie Gleason y el álbum “Clifford Brown with Strings”.
Un verdadero contraste en su catálogo. El tiempo dirá. Mientras tanto es recomendable para una reincorporación tranquila a la rutina del trabajo después de vacaciones, o algo así.
El calor apretaba este mediodía y decidí darme una vuelta por un mercado cantonal aledaño para comprar mango,sandía y melón, y de paso buscar algún disco apropiado ya que también el calor despierta mi alma tropical. Me atrajo este, para mí desconocido Paquito, cuyo apellido me sonó jalado de algún pirineo.
La fruta jugosa y dulce, la música, hoy por la noche (fresca y lluviosa), la estoy descubriendo. Arreglo, pego y escuche:
Francisco Hechavarría, piano, Cárdenas, Matanzas 1939, graduado del Conservatorio de Música de La Habana a los 16 años de edad, integró la prestigiosa orquesta del FountainBleu Hilton en Miami Beach por 10 años (me cago en la bisagra, si a la vecindad dormí un par de noches) acompañando artistas de la talla de Frank Sinatra, Ann Margret, Sammy Davis, Jr. y otros. Compuso el tema musical del popular espacio de la TV “Que Pasa U.S.A.”. Según Nat Chediak "... Reemplaza a Peruchín en la Orquesta Riverside y suple a Felipe (Lipe) Dulzaides en Los Armónicos, alternando también en vibráfono. Graba con el Conjunto Casino. En 1960 es el piano de Mongo Santamaría en Our Man in Havana y de Walfredo de los Reyes en Cuban Jazz. Graba en Miami Piano Sentimental (1965), primera sesión en solitario; también Piano Alegre (1980). Es habitual de las descargas que firma Rolando Giró con José Fajardo, Nelson "El Flaco" Padrón, Salvador "Bol" Vivar y Manteca. Con Walfredo de los Reyes, Louie Bellson e Israel López Cachao, hace la sesióm Ecué: Ritmos Cubanos en Sintetizador. Retoma el vibráfono y crea Walpataca en 1981 con Tany Gil, Cachao y De los Reyes. Es el piano de la Descarga de Cachao y del tema Conga de Gloria Estefan. Repite con la vocalista en "Oye mi Canto" (1989) y "Mi Tierra" (1993). Posee uno de los mas temibles tumbaos de la música cubana. Piano es un disco de salsa disfrazado de jazz latino. Pero su tema estelar, "Paquito's Tumbao" es harina de otro costal.
Reconocí la melodía “Piano” que trajo el viento en 1995 desde el “Billboard” y otros arreglos desparramados tiempos pasados por otras ondas:
En 1965, el vibrafonista Cal Tjader (1925-1982) y el pianista y arreglista Eddie Palmieri (1936), en una colaboración popular grabaron "El sonido nuevo", reclamando para el ritmo latino, la misma importancia que crecientemente adquiría en la música popular estadunidense, la fusión del Jazz con el Rock y el Pop.
En 2005, el álbum fue re editado en compacto por Verve, con algunas pistas adicionales tomadas de grabaciones anteriores de Tjader con dicho sello. Me sigue sonando fresco.
Como aficionado al Jazz uno a veces se entusiasma mucho. Ya me pasó con el trompetista Jerry González, a quien me fumé, acompañándolo en su viaje “fusionario” en busca de la raíz original, "ensalzado" con apaches, caribeños, flamencos y vaya uno a saber que más que no se sabe (yo al menos). Una punta de la larga y tortuosa raíz, terminó emergiendo de regreso en la península ibérica, donde parece que el gran Jerry se quedó fusionando con grandes del flamenco. Ahora me entero por el blog de una amiga que vive en Madrid, que al colorido Jerry, se le puede ver -pero no a los ojos- con frecuencia y físicamente algo deteriorado (quién no, con ese ritmo que agota hasta a los que lo acompañamos de lejos) dando conciertos sin perder su encanto. ¡Cómo me gustaría escucharlo¡. Recordándo estas cosas y reescuchándolo, tranquilo -"after the storm"- pienso que valen la pena las "entusiasmadas".
En cambio a Clare Fischer (Durand, MI. 1928), quien ha tenido una variada carrera como pianista, tecladista eléctrico, compositor, arreglista y líder de banda, lo vengo oyendo desde años antes (que a Jerry), sabiendo que ha estado siempre interesado por los ritmos latinos, alternándolos con el “bop”. Con naturalidad pero sin ese entusiasmo. Me pone pensativo.
Es curioso, pero Vincent Herring ( Kentucky, 1964) logró su primer reconocimiento importante tocando con Nat Adderley (siendo su ídolo y mayor influencia su hermano Cannonball Adderley), no obstante haber acompañado antes a músicos importantes (Lionel Hampton, David Murray, Horace Silver, y Art Blakey) , de 1983, cuando se mudó a Nueva York a 1987 al unirse a Nat, con quien permaneció hasta 1992, dejándolo para formar sus propios grupos y grabar varios discos para “Landmark”.
Siguiendo los pasos de “Cannon” incursionó (1999) en la música brasileña, con un grupo integrado por Duduka Fonseca (batería); Gary Fischer (piano); Romero Lubambo (Guitarra Acústica) y Nilson Matta (bajo).
Los años 30's y 40's fueron generosos en melodías del jazz latino que ahora son consideradas jazz standards, entre ellas: "Bahia" (1938) de Gilbert Ray y Ary Barroso, en el video 1 interpretada por Ellis Regina ;"Brasil" (1941) de Ary Barroso, en el video 2 interpretacion propia; "Flamingo" (1941)de Theodor Grouya, en el video 3 interpretada por Duke Ellington; "Perdido" (1942) de Juan Tizol, en el video 4 interpretada por Oscar Peterson; Tico Tico (1943) de José Gomez y Aloisio Oliveira, interpretada en el video 5 por Paco de Lucia y "Manteca" (1948) de Chano Pozo, en el video 6 interpretada por Gillespie y Samborn en vivo.
Los términos “standard” y “jazz standard” con frecuencia se usan al referirse a composiciones musicales de jazz o populares (pop). Sin embargo, una búsqueda rápida en Internet, revela que las definiciones de dichos términos pueden variar mucho. ¿Y entonces, qué es Standard?. Comparando varias definiciones y basándose en los puntos de acuerdo, parece razonable decir que:
Una “Standard” es una composición que se sostiene en estima continua y es comúnmente usada en repertorios musicales.
Y
Una “jazz standard” es una composición que se sostiene en estima continua y es comúnmente usada como la base de arreglos e improvisaciones de jazz,
Algunas veces el término es usado para implicar una composición de jazz que se ha convertido en una standard. Pero como se sabe, las palabras y las frases a menudo tienen múltiples significados válidos y este término no es la excepción.
La mayoría de "jazz standards” no fueron originalmente composiciones de jazz. Cuando el publicador de música incluye el término en una descripción o título, casi siempre se está refiriendo a composiciones usadas como fundamento para arreglos o improvisaciones de jazz, sin mirar si fueron escritas por un compositor de jazz. Hill Friedwald en su libro “Star Dust Melodies” comenta como Milt Jackson (usted sabe) hizo más que nadie para establecer "El Manicero" (Moises Simons,1928)) como una jazz Standard de todos los tiempos. Allen Forte (autor) y Batell (Profesor de teoría de la música en Yale), en su libro “Listening to Class American Popular Songs”, se refieren a las canciones “Aquellos ojos Verdes"(Nilo Menendez 1928);"Carioca" (Vincent Yumans 1933) Y Frenesi (Alberto Dominguez 1939) como Jazz Standards.
Antonio Carlos Brasileiro Jobim hizo su última aparición en concierto en Brasil -- y la penúltima de su vida – en el “Free Jazz Festival de São Paulo”, durante el cual músicos de jazz del continente americano le rindieron un efusivo homenaje. Fue un milagro ver ¡cuán fácilmente¡ los jazzistas capturaron la esencia del idioma de Jobim sin comprometer sus propios distintos estilos (fuera de Gal por supuesto), particularmente cuando tocaron juntos “Garota de Ipanema”. Jobim suena débil y enfermo, pero todavía irradia su gentil tibieza y espíritu. Participaron en el tributo:
Harvey Mason, Sr. Drums Alex Acuña Percussion Oscar Castro-Neves Guitar, Producer Jon Hendricks Vocals, Performer Paulo Jobim Guitar Gal Costa Vocals, Performer Ron Carter Bass, Piano Herbie Hancock Piano, Director, Performer, Keyboards Joe Henderson Sax (Tenor), Vocals Gonzalo Rubalcaba Piano, Perform
En el video se puede apreciar, acompañando al guitarrista Larry Coryell, a los sobresalientes jazzistas contemporaneos del Brasil: Nico Assumpção-Bass ; Tiao Oliveira-Percussion Dori Caymmi-Guitar,Vocals ; Marcio Montarroyos-Trumpet ; Romero Lubambo-Guitar Luiz Avellar-Keyboards ; Así como a: Donald Harrison-Sax, Bashiri Johnson-Percussion, Billy Cobham-Drums y Monica Millet-Percussion.
Romero Lubambo ha sido uno de los más impresionantes guitarristas sudamericanos en arrivar a la escena del jazz. Ha aparecido en numerosas grabaciones y también miembro del Trio Da Paz. Su último album (2006) para Maxjazz es un proyecto especial que buscó hacer durante mucho tiempo y que consiste de partes individuales de diferentes guitarristas mezclados juntos , incluyendo instrumentos clásicos, electric, fretless, cavaquinho, y guitar synthesizer. Lubambo incluso ayuda al escucha novato, identificando cual es usada para tocar solos, rhythm, melodía y armonía en cada actuación. La canciones incluidas tienen el feeling de ser tocadas por varios músicos al mismo tiempo e incluye piezas de Ivan Lins y Antonio Carlos Jobim), American standards ("I Fall in Love Too Easily," "Time After Time" y "In the Wee Small Hours of the Morning"). Lubambo Es capaz de encontrar nuevas avenidas hacia las favoritas del pop, como: "Comin' Home Baby" y "Just the Two of Us". Es un disco altamente recomendable.
Extractos del Diálogo Cultural "Música y Cine" en el Compostela Millenium Festival entre el Director de Cine Fernando Trueba y Michel Camilo, donde la conversación se centró en el Jazz Latino, sus origenes, claves y presencia actual. Esa noche, hubo también en Santiago, otros peregrinos: los que llegaron a esa ciudad a darse un baño de jazz latino, del bueno.
Al principio, África
CAMILO: Se ha escrito mucho sobre la africanía en la música caribeña, sobre todo la cubana, y se han hecho comparaciones entre el ragtime y el son. La coincidencia está en el ritmo de la clave. Tres dos o dos tres, las dos combinaciones posibles, pero originalmente era tres tres. Hay muchas músicas, algunos ritmos brasileños, basados en el elemento rítmico primordial africano que perdura en casi todas las músicas. En el Caribe, se le añadió el segundo compás, que lo volvió tres dos, que es la base del son. El Ragtime está basado en la misma africanía. Ese gran descubrimiento se lo debemos a Dizzie Gillespie, que conoció a Chano Pozo, presentado por Mario Bauzá.
CAMILO: La música que hacemos, que en genérico podríamos llamarle jazz, es a fin de cuentas el resultado de la diáspora africana.
Después, España CAMILO: A principios del jazz, con el ragtime, se hablaba del spanish tinge (algo así como el sabor español), y de esto hay archivos en el Smithsonians Museum con pioneros pianistas del jazz de principios del siglo XX, tocando habaneras. Esto demuestra que el componente español y latino ya estaba presente en el jazz desde sus orígenes.
Gillespie, Bauzá, jazz y Cuba CAMILO: Mario Bauzá, negro cubano de la Sinfónica de La Habana, decide ir a Nueva York a abrirse caminos, transformándose rápidamente en el primer trompeta de la banda de Chick Webb y, aparte de ser propulsor del encuentro de la música cubana con el jazz junto con Gillespie, cuando Ella Fitzgerald va a audicionar a la banda de Chick Webb, quien la escucha primero es el cubano. Y se la presenta a Webb, que descansaba y no quería que le molestasen. Después de que Bauzá le convenciera de lo que tenía que escuchar, ese mismo día, Ella estaba cantando con la orquesta luciendo un traje de la señora de Mario Bauzá, porque ella no tenía qué ponerse. CAMILO: Ese movimiento, el intercambio entre el Caribe y el jazz, existe desde hace mucho. Apenas un detalle que sirve de ejemplo: mucha gente no sabe que Caravan, la famosa pieza de Duke Ellington, no es de él. Está compuesta por Juan Tizol, un trombonista puertorriqueño que trabajaba en su banda.
Jazz latino TRUEBA: El jazz latino es algo que se fragua en la calle. Conozco pocos casos de músicas más populares. Hechas al margen de la academia. Dentro del jazz hay de todo (académico, más popular, más intelectual...) pero si algo tiene el jazz latino es que es el producto de la realidad, de una serie de migraciones, de viajes de ida y vuelta, de gente que va desde las islas del Caribe y otros países, que se encuentran en Nueva York con la música que se está haciendo. No en las compañías discográficas ni en las universidades, sino en las calles, en los clubes, en las descargas en Central Park, en las que se hacían en las calles de Manhattan décadas atrás...
CAMILO: Yo salí de República Dominicana tocando bebop. Así llegué a Nueva York, tratando de integrarme al jazz tradicional. Sin embargo allí me dio una melancolía inmensa. Encontré en tocar latino la posibilidad de llenar esos espacios, de mantenerme en contacto. Por eso hago jazz latino.
El músico y la música CAMILO: En mis primeros años en Nueva York, toqué en un quinteto donde el saxofonista era Michael Brecker. Entre set y set, él se iba a una esquina del camerino y tocaba todo lo que él creía que le había salido mal, para perfeccionarlo. Así es esta música, siempre se puede hacer mejor y se puede uno pasar la vida entera buscando esa perfección. CAMILO: Una de mis principales influencias es el maestro Ernesto Lecuona. De él aprendí las bases, ya que él fue uno de los que pudo traducir lo que escuchaba, rítmicamente hablando, a la mano izquierda. Así como en Estados Unidos pudieron traducir la africanía al jazz, Lecuona y algunos otros pudieron traducir la africanía a la mano izquierda en el piano. También ha sido fundamental mi formación clásica -desde los diez años ingresé al conservatorio y a partir de los 16 a la Sinfónica-. Después estudié en la escuela Julliard en Nueva York. Y por supuesto, el jazz, que llegó a mí por accidente. A los 14 años y medio encendí el radio y sonaba ahí un tema de jazz. Qué es eso, me pregunté, y a partir de ahí, ha pasado lo que ha pasado.Ahora tengo el reto del cine. Ponerle música a algo que ha pensado el director de la película. CAMILO: Tocar jazz no solamente exige dominar un instrumento, sino también tener ideas y dominarlas.
CAMILO: Cuando llegué a Nueva York había una etnomusicóloga que tenía una beca del Departamento de Cultura de Estados Unidos para hacer investigaciones sobre la música latina. Ella gestionaba un espacio no comercial, el Soundscape, donde centraba su trabajo. Todos los jueves en la noche nos reuníamos los músicos latinos y la elite que se juntaba en ese espacio que ni siquiera daba a la calle (quedaba en un quinto piso), a oír las intervenciones de los diferentes músicos, intercambiar ideas, mezclas de música de santería, ritmo de rumba, son, conga... Inclusive cuando vino la época de los marielitos, a principios de los ochenta, muchos músicos cubanos, como Daniel Ponce, iban ahí a reencontrarse con sus raíces y a enriquecer esas sesiones.Eso sucedía también en unas descargas que organizaba Mario Rivera, el saxofonista, que todos los lunes a partir de las 12 de la noche y hasta las seis de la mañana, en la 145 y Broadway. Era hasta peligroso ir ahí a esa hora. Se juntaban músicos de jazz y latinos.Estas eran maneras de nutrirse, de crecer como músico, tanto para unos como para otros. Este tipo de experiencias siguen teniendo lugar en Nueva York. TRUEBA: Toda la mezcla que se produce en el jazz latino venida desde Cuba, de Brasil, de República Dominicana... y que se encuentra en Manhattan, es pura música. No surge porque ninguna discográfica o los críticos, ni nadie, los apoye. Surge porque los músicos deciden hacer su propia música. Crearla al margen del comercio, porque cualquiera de estos músicos dedicándose a hacer música comercial viviría mucho mejor evaluándolo desde la cuenta corriente.
Música y cine TRUEBA: Es muy habitual que la música en el cine sea un trámite de última hora. Se termina de editar y entonces se llama a algún músico para que la musicalice en 10 días. Por supuesto que algo sale, pero es un añadido final, que no resulta de un proceso de intercambio. A mi me gusta que el músico participe desde el principio. Michel Camilo tuvo el guión de Two Much en sus manos casi desde la primera versión. CAMILO: El guión de Two Much me lo envió Fernando Trueba, mucho antes de que la película se empezara a filmar. De hecho tuve en mis manos varias versiones del guión. En algún momento tuve la idea del tema de amor. Inmediatamente llamé a Fernando y le dije: "Escucha que este es el tema de la escena de amor" y le toqué, vía telefónica, Two Much / Love Theme"
CAMILO: El disco con Tomatito se basa en una experiencia que hemos tenido en los últimos años. Hicimos 40 conciertos antes de entrar al estudio. A Tomatito, al igual que a mí, le gusta experimentar mucho. Spain es un proyecto que se renueva de concierto en concierto. Calle 54 CAMILO: Después de ver el estreno de Calle 54 en esa magnífica proyección en esa plaza, los músicos que ahí estábamos nos sentíamos en la gloria. Muy emocionados. TRUEBA: La realidad de esta película son los músicos. Yo quería que el cine estuviera al servicio del sonido y no al revés. CAMILO: Lo bonito de la película de Fernando es que muestra toda una gama de colores y confirma que el jazz no tiene una sola cara. TRUEBA: En muchos aspectos ha sido un desafío porque me tenía que situar en paralelo con la música para captar algo que iba a suceder en forma espontánea. La toma buena fue siempre la escogida por los músicos, aunque hubiera otra con mejores planos. Lo que quiero es que esta música llegue a más gente para que aprenda a amarla
En 1946, el pianista y compositor Dick Farney, después de haber trabajado durante varios años en los Estados Unidos (donde fue el primer artista que alguna vez grabara “Tenderly” (Walter Gross), más tarde hit internacional con la interpretación de Nat King Cole, grabó en Brasil, para el sello "Continental", un tema que marcó el comienzo de una nueva era: el samba titulado "Copacabana", de João de Barros y Alberto Ribeiro. En Brasil, muchos pensaron que se trataba de una grabación hecha en los Estados Unidos, por algún intérprete de aquel país, pero cantando en portugués. A decir verdad, la versión de Dick Farney, con un fraseo muy particular en algo recordaba a Bing Crosby, en especial para aquellos que aún no lo conocían muy bien. El impacto que la grabación provocó entre los amantes de la música, sobre todo en aquellos pertenecientes a estratos de clase media, fue notable. "Copacabana", de esta manera, le abrió a Farney las puertas del éxito y al mismo tiempo - aunque nadie haya sido consciente de ello en su momento, - marcó el rumbo de una nueva era de la Música Popular Brasileña. Luego vendrían éxitos como su propia versión (junto con Lucio Alves ) de "Nova Ilusão" y luego “Sábado en Copacabana” y “Teresa de Praia” (Tom Jobim/Billy Blanco).
Show Tributo a Dick Farney no All Of Jazz, dia 31 de Maio de 2007. Victor Campbell (voz), Evaldo Soares (piano), Thiago Alves (baixo), Douglas Andrade (bateria) e a participação especial de Sabá Oliveira, 82 anos, baixista que acompanhou Dick Farney muitos anos. filmado por Daniel Silveira.
Lembranças de especial da TV Manchete, onde Tom faz a diferença entre bossa nova e jazz; depois,Leny Andrade e Luiz Carlos Vinhas apresentam A INFLUÊNCIA DO JAZZ
Vinicius Jobim Toquinho Miucha - Berimbau / Canto de Ossanha
En esta entrevista (en su vejez, casi ciego y con problemas de memoria) Gato cuenta parte de su intensa vida musical, en la cual grabó más de 50 discos, entre ellos:
ULTIMO TANGO EN PARIS. CONCIERTO EN EL BARRIO LATINO
David Sanchez -saxo tenor puertoriqueño- cuya música mezcla ritmos Afro-Cubanos con bebop avanzado en sus Sketches: Departure(1994), Street Scenes (1996) y Melaza (2000). (ver videos).
Sanchez estudió con Kenny Barron. Después de un período de “freelancing” en New York con muchos músicos latinos (incluyendo a Paquito D'Rivera y Claudio Roditi), se unió a Dizzy Gillespie (United Nation Orchestra en 1990). Desde entonces ha viajado con la Philip Morris SuperBand, y grabado con Slide Hampton's Jazz Masters y Charlie Sepulveda entre otros. Además ha encabezado sus propias sesiones para Columbia.
La mayoría de nuevos valor es sobresalientes del Jazz Latino han sido pianistas, percusionistas y bajistas. Afortunadamente, Diego Urcola (nacido en la Argentina y radicado en Nueva York) es una de las bienvenidas excepciones. Un cotizado “sideman” que ha trabajado con la United Nation Orchestra y el Caribbean Jazz Project, y ha aparecido en la documental Calle 54, Urcola ha publicado ya, 3 CD’s como líder. En los videos lo vemos en estudio, durante la grabación del álbum Los Guachos III de su Paisano, el pianista y compositor Guillermo Klein.
En el video Un recorrido por América Latina compuesto por D'Rivera. Sintetiza parte de su carrera de investigación en ritmos de América que siempre lo ha distinguido. Comenzando con la inconfundible voz de Milton Cardona apoyado en sus tambores batá, recala en el bandoneón, salta al vibráfono de Samuels (Latin Jazz Project) quien le imprime aires brasileños. El cuatro de Aquiles Baez irrumpe para continuar la fiesta, alegremente adornada en las alturas por el saxo de Paquito.
Nacido en Cuba (1951) y radicado en Nueva York, el saxofonista (alto) y clarinetista Paquito D'Rivera ha balanceado una carrera en el Jazz Latino con comisiones como compositor clásico y apariciones en orquestas sinfónicas. Heredó el conocimiento musical de su padre, un saxofonista clásico y conductor. En 1968 se unió con Chucho Valdez para fundar la Orquesta Cubana de Musica Moderna. In 1973, ocho miembros de dicha orquesta fundaron la banda Irakere que fue el primer grupo (post Castro) en firmar contrato con una disquera estadunidense. En 1981, desertó de cuba y se mudo a EE.UU, permitiéndole rebasar las fronteras políticas, tocando con músicos como Gillespie y Bauza. Su primer solo album se publicó en ese mismo año ("Paquito Blowin') y siguió "Mariel", un año después. En 1988, fue invitado a formar la United Nations Orchestra. En 1997, el album Portraits of Cuba, recibió el Grammy award como "Best Latin Jazz Performance. Está en proceso su autobiografía -My Saxual Life- (Seix Barral), junto con la novella “En Tus Brazos Morenos”. El album Live at the Blue Note salió en la primavera del 2000. El 2002 vió la publicación de “Brazilian Dreams” con el trompeta Claudio Roditi. Siguió “Music of Both Worlds”, un Tributo a Cal Tjader y Rivera en 2004.
Poderoso y virtuoso del piano (1954), proveniente de una familia de músicos dominicanos. Después de mudarse a Nueva York (1979) su canción "Why Not?" se convirtió en un éxito del Manhattan Transfer. Su melodía “Caribe” entro al repertorio de Dizzy Gillespie. Trabajó 3 años con la Banda de Paquito d'Rivera's (álbum "Why Not?"). En los 80’s fundo su propias banda. A la fecha ha publicado muchos álbumes bajo su propio nombre, siendo el último Spirit of the Moment (2007). En el video lo vemos interpretando la Standard “Blue Bossa” (1963) de Kenny Dorham.
También en los 80’s, el director de cine Fernando Trueba (Belle Epoque) fue introducido al Jazz Latino cuando empezaba su carrera. El hombre se enamoró de la música y empleó notorios artistas del jazz en algunas de sus películas, culminando con la documental Calle 54, en la cual reunió a sus artistas preferidos del Latin Jazz para una serie de entrevistas y actuaciones en los estudios de grabación de Sony Music en Nueva York. Los artistas incluidos fueron: Tito Puente Paquito D'Rivera, Bebo y Chucho Valdes, Gato Barbieri, Jerry Gonzalez, Chico O'Farrill, Michel Camillo, Chano Dominguez y Eliane Elias.
En 1995, Michel fue el escritor y compositor de la música para la película Two Much del mismo director.
Antes de conocer sobre la historia de la música cubana : su colorido instrumental, sus patrones rítmicos y su influencia en el desarrollo del Jazz en Norteamérica (se ha llegado a afirmar que las proto-formas del “ragtime” fueron llevadas a Norteamérica desde el Caribe por el compositor estadounidense Louis Moreau Gottschalk -1829-1869-, quien las introdujo por Nueva Orleáns), varias generaciones hasta la fecha –espero- nos contagiamos de ella, vía el viaje que por casi todo el mundo inició (para bien o para mal) en los años 20’s el bolero, el son la rumba, el danzón y la conga, promovida por las grandes productoras cinematográficas y editoras musicales, como fórmulas comercializadas de tipo barato y vulgar que producían a menudo cantidades astronómicas de música bailable para un público creciente e insaciable. Del lado positivo, sin embargo, está el hecho de que compositores estadounidenses de la talla de Aaron Copland o de Leonard Bernstein, pasando por Gershwin, escribieron obras basadas en los diseños rítmicos del danzón y de la rumba. Baratas y vulgares o no, alimentan el recuerdo de la niñez, canciones como: Siempre en mi Corazón, Siboney, Maria la O, Andalucía, Malagueña, Damisela Encantadora, Comparsa o Apasionado del maestro Ernesto Lecuona. Más reciente Dizzy Gillespie o Barbieri y actualmente, me sorprenden Jazzistas como Gonzalo Rubalcaba, Michel Camillo, Paquito D’Rivera o Arturo Sandoval.
Este Album de Haden, contiene una colección de baladas escritas por tres prominentes compositores mejicanos con arreglos de Rubalcaba y una banda estelar: Joe Lovano, Ignacio Berroa, Miguel Zenón, Oriente Lopez, Larry Koonse, Lionel Loueke, Michael Rodriguez, y Juan De La Cruz.
Parece que El sincretismo musical que originó al Latinjazz sucedió en New York ya que allí se originó el Jazz moderno. Se cuenta que su nacimiento fue casi un accidente. En el año 1.943, estando Mario Bauzá (músico cubano emigrado en 1920) en una presentación con la Orquesta de Frank Grillo "Machito", terminaron de tocar un tema, y mientras los músicos de la banda buscaban la partitura de la próxima pieza, el pianista Luis Orestes Varona y el bajista Julio Andino comenzaron a tocar unas notas musicales improvisadas, con la finalidad de que el público continuara bailando en la pista. El resto de la base percusiva, entre ellos los míticos Ubaldo Nieto y Francisco Aguabella, les siguieron el compás. Posteriormente los metales hicieron lo suyo.
Al día siguiente, durante el ensayo, Bauzá solicitó a Orestes y a Julio que repitieran las notas que habían interpretado el día anterior, y a medida que la percusión se integraba, el resto de los músicos recibía instrucciones verbales sobre lo que debían interpretar. Al culminar con la pieza, la orquesta había desarrollado un arreglo con ingredientes latinos y jazzísticos. Esta pieza es considerada uno de los dos himnos del Latinjazz, la cual lleva por nombre Tanga, cuya traducción del lenguaje Yoruba significa marihuana.
Bauzá sugiere entonces la incorporación de músicos norteamericanos, entre ellos Eddie Bert, trombonista; Doc Cheatham, trompetista; e inclusive uno de los más grandes genios del Jazz, Charlie Parker en el Alto sax. Igualmente se incluyeron arreglistas asociados al género y dispuestos a participar en el matrimonio musical del Jazz y lo Latino. Posteriormente se asumió el formato clásico del Big Band a lo Glenn Miller, Duke Ellington, Count Basie, Jimmy Lunceford, excepto por dos cosas: La exclusión de la batería, incluyendo en su reemplazo los timbales, las congas, el bongó, la campana y las maracas; brindando todo su sabor caribeño, y el "Shufle" es sustituido por la síncopa latina, la cual se rige por la clave. El "Shufle" es ritmo básico del Swing.
Otro hecho significativo dentro de la historia del Latinjazz fue la aparición en el ambiente musical newyorkino del legendario conguero cubano Luciano "Chano" Pozo. Chano llegó a New York invitado por el cantante Miguelito Valdéz hacia 1.946. Después de trabajar con varias bandas latinas de poco renombre, Mario Bauzá le dijo que un amigo suyo estaba por formar una nueva banda y que quería un percusionista que conociera de ritmos cubanos. Ese amigo era Dizzy Gillespie. Al llegar Mario y Chano a la casa de Dizzy, Bauzá le dijo a éste: "Tengo un muchacho para ti, pero no habla inglés". "No importa" respondió Gillespie: "dejémosle que toque" Y cuando lo hizo fue contratado de inmediato.
El 29 de septiembre de 1.947, tras algunos conciertos en lugares pequeños, se hizo la presentación en sociedad de la nueva orquesta de Dizzy Gillespie. El escenario fue el Carnegie Hall, la famosa sala de conciertos situada en la esquina de la Séptima Avenida y la calle 57 Oeste. Chano Pozo fue el héroe de la noche con un espectacular show, en cual combinó sus toques de percusión con bailes rápidos en los momentos en que la orquesta mantenía el ritmo cubano. Esta pieza memorable fue Cubana Be, Cubana Bop. Chano y Gillespie son los compositores del otro himno del Latinjazz, Manteca; la cual ha sido versionada en una enorme cantidad de ocasiones.
A mediados de 1.948 ingresan a la escena los dos Titos (Puente el percusionista y Rodríguez el cantante con conocimientos de percusión) y organizan sus propias orquestas.
En la década del 60, hace su entrada triunfal el Rock, y salvo excepciones de Cal Tjader, Mongo Santamaría y el propio Tito Puente; el Latinjazz al igual que el Jazz cae en cierto olvido.
Hacia el año 1.978, es cuando se puede decir que reaparece el Latinjazz, repotenciado esta vez por la banda cubana Irakere dirigida por Jesús "Chucho" Valdéz, hijo del memorable pianista (aún vigente) Bebo Valdéz. De esta banda salieron solistas como Paquito D’Rivera y Arturo Sandoval ahora famosos.
De igual manera, Tito Puente, en el año 1.984 grabó el disco "On Broadway" siendo su primera grabación donde interpretó únicamente Latinjazz, ganando el Grammy al "Mejor Album Latino" de ese año.
En el devenir de los años, el Latinjazz a asumido su rol como una de las principales manifestaciones del Jazz en el mundo, enriqueciéndose con la llegada de connotados salseros a su género. Grabaciones recientes de Eddie Palmieri, Ray Barretto, Francisco "Papo" Lucca bajo el nuevo Sello Disquero Tropijazz, han dado un enorme impulso a esta música.
De igual manera, la aparición de nuevos excelentes músicos han inyectado nueva vitalidad al Latinjazz, como los cubanos Juan Pablo Torres (trombonista) y Jesús Alemañy (trompetista); los puertorriqueños Giovanni Hidalgo (percusionista), David Sánchez (saxofones alto y tenor) y Humberto Ramírez (trompetista); los newyorkinos Charlie Sepúlveda (trompetista), y David Valentín (flautista), el pianista cubano Gonzalo Rubalcaba, el dominicano Michel Camilo y el panameño Danilo Perez. y el venezolano Eduardo "Ed" Calle (saxofones alto y tenor)
Un ilustrador ejemplo de la fusión lograda entre Bossa Nova y Jazz, puede apreciarse en este viejo video, donde Zimbo Trío interpreta magistralmente una melodía considerada "Standard". Su nombre "All the things you are". Considero el Album Zimbo Trio/Zimbo Trio como el más representativo de la calidad de este grupo.
han sido pianistas, percusionistas y bajistas. Afortunadamente, 
